Visar resultat för..."Art and Theory"

The title - On: Architecture - comes out of Tham & Videgård s desire to think and talk about the fundamentals of architecture. The book shares this conversation with the reader and shows, through seventy-three project examples, how their ideas have been tested in practice. "Architecture concerns us all. It is the most comprehensive and complex art form in society. In our work, it emerges from an ongoing discussion about architecture and a desire to explore what architecture can be" says Bolle Tham & Martin Videgård. Tham & Videgård, founded by Bolle Tham and Martin Videgård in 1999, are internationally recognized, award-winning architects of unique buildings at a wide variety of scales. The new book, the most comprehensive publication to date, includes a broad selection of built, unbuilt and ongoing projects from the studio s over twenty years in practice. Tham & Videgård  On: Architecture is published in conjunction with the major exhibition on Tham & Videgård s work at ArkDes in Stockholm, Sweden's national centre for Architecture and Design. Texts by Kieran Long, director, ArkDes, Daniel Golling, curator, ArkDes and photography by Åke E:son Lindman.

Bokens titel - On: Architecture - utgår ifrån Tham & Videgårds önskan att föra ett samtal om arkitekturens fundamentala aspekter. Boken delar detta samtal med läsaren och visar, hur deras idéer har omsatts i sjuttiotre projektexempel. "Arkitektur angår oss alla. Det är samhällets mest heltäckande och komplexa konstform. I vårt arbete uppstår den ur ett kontinuerligt samtal om arkitektur och en vilja att utforska vad arkitektur kan vara" säger Bolle Tham & Martin Videgård. Tham & Videgård som grundades av Bolle Tham och Martin Videgård 1999, har blivit prisade och är internationellt erkända som arkitekter av unika byggnader i varierande skalor. Den nya boken, den mest heltäckande publikationen hittills, innehåller ett brett urval av byggda, obyggda och pågående projekt från kontorets över tjugoåriga praktik. Tham & Videgård  On: Architecture är publicerad i samband med den omfattande utställningen av Tham & Videgårds verksamhet på Sveriges nationella centrum för Arkitektur och Design, ArkDes i Stockholm, Boken innehåller texter av Kieran Long, överintendent på ArkDes, Daniel Golling, intendent på ArkDes och fotografier av Åke E:son Lindman.

Material can be symbolic and coded. Our experience of a medium's temporality becomes apparent only through our knowledge of its material behaviour. As the world becomes ever more digital and physically removed, we rely on a lot of materials (technical equipment, tools and infrastructures) to facilitate the remote accessibility of images. And yet, as we become more physically removed, our fascination with 'real' stuff increases. The texts in Material Matters represent a great diversity of practices and materials, but also the diversity of meanings suggested by the book's title. They address the materials needed for the implementation of tasks, the material out of which things are made, the material for or subject matter of scholarly work, and matter itself: the raw materials of our surroundings. The texts in the publication derive from presentations given at the conference Material Matters, held at the Royal Institute of Art on December 13-14, 2018. Published in collaboration with the Royal Institute of Art, Stockholm, Sweden.

Ingemar Lööf föddes i ett enkelt arbetarhem i Kristinehamn 1929. Fadern som var murare hade gärna sett att Ingemar fortsatt i samma spår som han själv, men Ingemar hade andra planer. Att i 1940-talets Sverige, långt bort från akademier och lärosäten bestämma sig som 19-åring att bli konstnär måste ha varit ett stort beslut, även att bryta upp från familj, ansvar och förväntningar. Att resa till Stockholm och komma in på Akademien, en bedrift bara det. Innan han begav sig till Stockholm och började studera på Otte Skölds målarskola och på Kungliga Konstakademien hade han lärt sig faderns yrke från grunden och i detalj. Hantverksskicklighet är något som genomsyrar hela Lööfs konstnärskap och som tar sig uttryck i en precision med ett fåtal motiv som Lööf ständigt återvänder till. Genom att måla samma bild gång på gång utforskar han alla möjligheter i motivet och utvecklar sina bilder likt en vetenskap där experiment på experiment till sist leder fram till den optimala balansen och den absoluta bilden.

I början av 1960-talet skapade Ulla Wiggen en svit målningar föreställande elektroniska komponenter och datorer. Hon utforskade denna motivvärld då knappast någon kunde förutse hur den digitala teknologin skulle revolutionera våra dagliga liv. Kort därefter, 1966 deltog hon i föreställningarna 9 Evenings: Theatre & Engineering i New York då hon assisterade Öyvind Fahlström, vars radikala konstsyn varit av stor betydelse för henne. 1969 började hon måla människor och gjorde därefter också en serie porträtt. Hon utbildade sig även till legitimerad psykoterapeut som sedan blev hennes huvudsakliga yrke fram till 2013 då hon hade en utställning på Moderna Museet i Stockholm. Sedan dess har hennes fokus på datorernas inre och människans yttre flyttats till insidan av människokroppen och alltmer kommit att inriktas mot hjärnan och ögats iris.

In the early 1960s Ulla Wiggen created a suite of paintings depicting electronic components and computers. She explored this world when hardly anyone could predict how digital technology would revolutionize our daily lives. Shortly afterwards, in 1966, she participated in the performances 9 Evenings: Theatre & Engineering in New York assisting Öyvind Fahlström, whose radical view of art was of great importance to her. In 1969 she started painting humans and then made a series of portraits. She also became a licensed psychotherapist, which became her primary vocation until 2013 when she had an exhibtion at the Moderna Museet in Stockholm. Since then, her focus on the computer's interior and the human exterior has shifted to the inside of the human body and increasingly focused on the brain and iris of the eye.

In Sophie Tottie s recent work re-workings of previous work, text material and leftover products like paint and brush cleaner are incorporated and reused in new work. Tottie s works function as prisms that weigh, measure, and materialize something that seems to belong to an inner, intangible reality but which manifests itself in an outer material and physical existence.   The work in AiWHEtL circles around the act of learning, where one main question is not what it is about but how it works. The book includes four texts that discuss Tottie's work from the 1990s up to the present a work that is not a conglomeration of facts and an end point, but which remodels through actions, ongoing contemplation and re-evaluations of what has been said and done.

I Sophie Totties senaste arbeten används omarbetningar av tidigare arbeten, textmaterial och restprodukter som penseltvätt i nya arbeten. Totties konst fungerar som ett slags prismor som väger in, mäter och materialiserar det som kan tyckas tillhöra en inre, opåtaglig verklighet med en yttre materiell och fysisk tillvaro. AiWHEtL utgår från ett lärande där frågan inte är vad något handlar om utan hur det fungerar. Boken innehåller fyra texter som diskuterar Totties arbete från 90-talet till idag ett arbete som inte är ett konglomerat av fakta och en slutpunkt utan något som omdanar i handlingar, pågående betraktande och omprövande av det som gjorts och sagts.

When I think of a specific location or find myself in a certain place in a city, I often envision a scene from a movie. It could be anywhere: the lawns of a park, a gas station counter, the check-in desk of an airport or a hotel, the entrance stairs of a school or a city hall, the tombstones of a graveyard. Or, pushing a button in an elevator, ordering a drink in a bar, waiting in line at the supermarket. I would now like to ask you to share one of your memories of a room or of a site in a film. How do you remember its architecture, furniture, objects, light, and sound, its atmosphere? What interests me is how images from films, memories and your immediate surroundings coincide in layers. Distinct, yet blended. Emulsions of memory and space. Kind regards, Jonas Dahlberg

Kristina Janssons målningar och verk omfattar ofta en arbetsprocess som hämtar inspiration från aktuella och historiska händelser, med referenser från olika medier och populärkultur. Jansson undersöker också olika typer av rum: privata, offentliga och tillfälliga fiktiva arkitektoniska rum så som teaterscenen, filminspelningen, musikstudion och museet. Janssons måleri är på samma gång sökande och undflyende och hon har konsekvent återkommit till frågan om betydelsen av måleriet som medium i vår tid. Genom att bearbeta fragment av vår kollektiva bildbank via intuition, perception och minne använder hon måleriet som en visuellt förförisk konstruktion. En transformerad plats frånkopplad tid och rum.

Kristina Jansson s paintings involves a work process that draws inspiration from current and historical events, with references from various media and popular culture. Furthermore, Jansson investigates different types of spaces: private, public and temporary fictional architectural spaces such as the theater stage, the film set, the music studio and the museum. Jansson s work is at the same time seeking and evasive, and she has consistently returned to the question of the importance of painting as a medium in our time. Through processing fragments from our collective stream of images via intuition, perception, and memory she uses painting as a visually seductive construction. A transformed place disconnected from time and space.

Perifert seende är förmågan att se saker utanför din direkta synlinje. Att lägga märke till och uppmärksamma det som inte nödvändigtvis är mest uppenbart är en gåva som fotograferna i den här boken delar. De speglar olika syn på och förhållningssätt till ett föränderligt Sverige och visar ett urval av samtida fotografi som pendlar mellan det dokumentära och det poetiska. Denna bok sammanför tjugo svenska fotografer, varav de flesta har etablerats under det senaste decenniet. Boken är producerad av Centrum för fotografi (CFF), med ambitionen att väcka och sprida intresse om svenskt fotografi samt att ytterligare nå ut till en svensk och en vidare internationell publik.  Medverkande konstnärer: Ikram Abdulkadir, Karin Alfredsson, Elin Berge, Maja Daniels, Charlotta Hammar, Erik Holmstedt, Martina Hoogland Ivanow, Cia Kanthi, Heikki Kaski, Klara Källström & Thobias Fäldt, Mårten Lange, Inka & Niclas Lindergård, Eric Magassa, Martin Magntorn, Chris Maluszynski, Katarina Pirak Sikku, Mia Rogersdotter Gran, Sofia Runarsdotter, Johannes Samuelsson och Märta Thisner. CFF är en rikstäckande medlemsförening för fotografer och yrkesgrupper verksamma inom fotografi. CFF:s uppdrag är att förmedla kunskap, verka allmänbildande och att stödja olika typer av yrkesroller inom fotografi. Boken distribueras av Art & Theory Publishing.

Peripheral vision is the ability to see things outside of your direct line of sight. To notice and pay attention to what isn t necessarily most obvious is a gift that the photographers in this book share. They represent different views and approaches to a changing Sweden and shows a selection of contemporary photography that oscillates between the documentary and the poetic. This book collects twenty Swedish photographic practices, most of which have emerged during the last decade. It is produced by The Center for Photography (CFF-Centrum för fotografi) in Sweden, with the ambition of deepening knowledge about Swedish photography and helping it to reach a wider audience in Sweden and abroad. Participating artists: Ikram Abdulkadir, Karin Alfredsson, Elin Berge, Maja Daniels, Charlotta Hammar, Erik Holmstedt, Martina Hoogland Ivanow, Cia Kanthi, Heikki Kaski, Klara Källström & Thobias Fäldt, Mårten Lange, Inka & Niclas Lindergård, Eric Magassa, Martin Magntorn, Chris Maluszynski, Katarina Pirak Sikku, Mia Rogersdotter Gran, Sofia Runarsdotter, Johannes Samuelsson och Märta Thisner. CFF is a nationwide association for photographers and professionals active in photography. The mission of CFF is to impart knowledge, provide general education and support various types of professionals within photography. The book is distributed by Art & Theory Publishing.

In our globalized world, a unique type of intercultural encounter has emerged: that between the speaking body and the foreign language. From Vladimir Nabokov and Maxine Hong Kingston to Yoko Tawada, writers have vividly captured the tensions and possibilities of this encounter—where tongues are “murderous” and words become feasts. Accented Speech in Literature, Art, and Theory offers an analysis of speaking, writing, and performing with an accented non-native tongue. Through an evocative blend of theoretical rigor and literary sensibility, Tingting Hui spotlights the “melodrama” of accented speech—a performance that exposes the bodily nature of language, bridging the erotic and the vulnerable, the audible and the visual. By rethinking accented voices as critical figures of resistance and creativity, this book invites readers to embrace the symphony of sounds that challenge norms and unsettle hierarchies. A richly textured journey, it celebrates the accent as a site of desire, vulnerability, and creativity.

In our globalized world, a unique type of intercultural encounter has emerged: that between the speaking body and the foreign language. From Vladimir Nabokov and Maxine Hong Kingston to Yoko Tawada, writers have vividly captured the tensions and possibilities of this encounter—where tongues are “murderous” and words become feasts. Accented Speech in Literature, Art, and Theory offers an analysis of speaking, writing, and performing with an accented non-native tongue. Through an evocative blend of theoretical rigor and literary sensibility, Tingting Hui spotlights the “melodrama” of accented speech—a performance that exposes the bodily nature of language, bridging the erotic and the vulnerable, the audible and the visual. By rethinking accented voices as critical figures of resistance and creativity, this book invites readers to embrace the symphony of sounds that challenge norms and unsettle hierarchies. A richly textured journey, it celebrates the accent as a site of desire, vulnerability, and creativity.

A critical study of the life of art criticism in the 1970s, this volume traces the evolution of art and art criticism in a pivotal period in post-war British history.

JJ Charlesworth explores how art critics and the art press attempted to negotiate new developments in art, faced with the challenges of conceptualism, alternative media, new social movements and radical innovations in philosophy and theory. This is the first comprehensive study of the art press and art criticism in Britain during this pivotal period, seen through the lens of its art press, charting the arguments and ideas that would come to shape contemporary art as we know it today.

This book will be of interest to scholars working in art history, British cultural history and history of journalism.

A critical study of the life of art criticism in the 1970s, this volume traces the evolution of art and art criticism in a pivotal period in post-war British history.

JJ Charlesworth explores how art critics and the art press attempted to negotiate new developments in art, faced with the challenges of conceptualism, alternative media, new social movements and radical innovations in philosophy and theory. This is the first comprehensive study of the art press and art criticism in Britain during this pivotal period, seen through the lens of its art press, charting the arguments and ideas that would come to shape contemporary art as we know it today.

This book will be of interest to scholars working in art history, British cultural history and history of journalism.