Carl Klaus Carl – författare

El espíritu, el carácter, la vida, la obra y el método de pintar de Rembrandt son un completo misterio. Lo que podemos adivinar de su naturaleza esencial proviene de sus pinturas y de incidentes triviales o trágicos de su infortunada existencia; su inclinación por la vida ostentosa lo obligó a declararse en bancarrota. Sus desgracias no son del todo comprensibles y su obra refleja ideas perturbadoras e impulsos contradictorios que emergen de las profundidades de su ser, como la luz y las sombras en sus cuadros. A pesar de todo, tal vez nada en la historia del arte causa una impresión más profunda de unidad que sus pinturas, compuestas de elementos tan distintos y llenos de significados complejos. El espectador siente que el intelecto de Rembrandt, esa mente genial, grandiosa, osada y libre de toda servidumbre que lo guiaba a través de las más elevadas reflexiones y los más sublimes ensueños, se deriva de la misma fuente que sus emociones. De ahí el trágico elemento que plasmó en todo lo que pintaba, sin importar el tema; en su obra coexiste la desigualdad con lo sublime, algo que puede parecer la consecuencia inevitable de una existencia tan tumultuosa. Pareciera como si aquella personalidad singular, extraña, atractiva y casi enigmática hubiera sido lenta para desarrollarse, o al menos para alcanzar su completa expansión. Rembrandt demostró talento y una visión original del mundo a muy temprana edad, como lo prueban sus grabados de la juventud y sus primeros autorretratos realizados alrededor de 1630. Sin embargo, en la pintura no encontró de inmediato el método necesario para expresar las cosas, todavía incomprensibles, que deseaba expresar; le faltaba ese método audaz, completo y personal que admiramos en las obras maestras de su madurez y ancianidad. A pesar de su sutileza, en su época se le juzgó brutal, lo que ciertamente contribuyó a alejar a su público. A pesar de ello, desde sus inicios y una vez logrado el éxito, la iluminación fue parte importante de su concepción de la pintura y la convirtió en el principal instrumento de sus investigaciones de los misterios de la vida interior. Ya le había revelado la poesía de la fisonomía humana cuando pintó El filósofo meditando o La Sagrada Familia, tan maravillosamente absorta en su modesta intimidad, o, por ejemplo, en El ángel Rafael dejando a Tobías. Muy pronto aquello no fue suficiente. La guardia nocturna marca de inmediato la apoteosis de su reputación. Tenía una curiosidad universal y vivía, meditaba, soñaba y pintaba replegado en sí mismo. De los grandes venecianos tomó prestados sus temas, convirtiéndolos en un arte que brotaba de una vida interior de emociones profundas. Los temas mitológicos y religiosos los trató de la misma manera que sus retratos. Todo lo que tomaba de la realidad y hasta de las obras de otros lo transmutaba al instante en parte de su propia sustancia.

Ein Gemälde Rembrandts stellt ein lebendige Einheit dar, die die Vielfalt der Gedanken und Gefühle seines künstlerischen Schöpfers widerspiegelt und seinen eigenen Regeln folgt. Menschliche Charaktere und ihre geistige Verfassung: Dieser motivische Grundansatz zieht sich wie ein roter Faden durch all seine Schaffensphasen. Gequält von familiären Problemen, nahm er Zuflucht in der Malerei, die allem Anschein nach gerade von diesen unruhigen und sorgenvollen Zeiten profitierte. Seine Angst in dem Optimismus seiner Themen und in der Stärke der dunklen Farben ausblendend, war er schließlich siegreich.

The self-appointed “leader” of the artists’ group Die Brücke (Bridge), founded in Dresden in 1905, Ernst Ludwig Kirchner was a key figure in the early development of German Expressionism. His first works show the influence of Impressionism, Post-impressionism and Jugendstil, but by about 1909, Kirchner was painting in a distinctive, expressive manner with bold, loose brushwork, vibrant and non-naturalistic colours and heightened gestures. He worked in the studio from sketches made very rapidly from life, often from moving figures, from scenes of life out in the city or from the Die Brücke group’s trips to the countryside. A little later he began making roughly-hewn sculptures from single blocks of wood. Around the time of his move to Berlin, in 1912, Kirchner’s style in both painting and his prolific graphic works became more angular, characterized by jagged lines, slender, attenuated forms and often, a greater sense of nervousness. These features can be seen to most powerful effect in his Berlin street scenes. With the outbreak of the First World War, Kirchner became physically weak and prone to anxiety. Conscripted, he was deeply traumatised by his brief experience of military training during the First World War. From 1917 until his death by suicide in 1938, he lived a reclusive, though artistically productive life in the tranquillity of the Swiss Alps, near Davos.

“No me intereso en mí mismo como tema de una pintura, sino en los demás... en especial en las mujeres...” Hermosas, sensuales y, sobre todo, eróticas, las pinturas de Gustav Klimt hablan de un mundo de opulencia y placer que parece estar a miles de años luz de distancia del rudo entorno posmoderno en el que vivimos ahora. Los temas que trata, alegorías, retratos, paisajes y figuras eróticas, no contienen prácticamente ninguna referencia a eventos externos, sino que tratan de crear un mundo en el que la belleza predomina sobre todo lo demás. El uso que hace del color y los patrones está profundamente influenciado por el arte japonés, el antiguo Egipto y Bizancio. Ravenna, la perspectiva plana y bidimensional de sus pinturas y la calidad con frecuencia estilizada de sus imágenes dan forma a una obra imbuida de una profunda sensualidad y en la que la figura femenina es soberana. Las primeras obras de Klimt le hicieron alcanzar el éxito a una edad muy temprana. Gustav nació en 1862 y consiguió una beca del estado para estudiar en la Kunstgewerbeschule (escuela de artes y oficios de Viena) a la edad de catorce años. Su talento como dibujante y pintor quedó de manifiesto muy pronto y en 1879 formó la Künstlercompagnie (Compañía de artistas) con su hermano Ernst y otro estudiante, Franz Matsch. La segunda mitad del siglo XIX fue un periodo de gran actividad en la arquitectura en Viena. En 1857, el emperador Francisco José había ordenado la destrucción de las fortificaciones que solían rodear el centro de la ciudad medieval. El resultado fue la Ringstrasse, un nuevo y floreciente distrito con magníficos edificios y hermosos parque, todo pagado por el erario público. Por lo tanto, el joven Klimt y sus asociados tuvieron muchas oportunidades de mostrar su talento, y recibieron comisiones para las decoraciones de la celebración de las bodas de plata del emperador Francisco José y la emperatriz Elisabeth. En 1894, Matsch se marchó del estudio comunal y en 1897, Klimt, junto con sus amigos más cercanos, renunciaron a la Künstlerhausgenossenschaft (Sociedad cooperativa de artistas austriacos) para formar un nuevo movimiento llamado la Secesión, del cual fue electo presidente de manera inmediata. La Secesión fue un gran éxito y en 1898 presentó no una, sino dos exposiciones. El movimiento logró ganar el suficiente dinero para comisionar su propio edificio, diseñado por el arquitecto Joseph Maria Olbrich. Sobre la entrada estaba escrito su lema: “A cada era su arte; al arte, su libertad”. Más o menos a partir de 1897, Klimt pasó casi todos los veranos en Attersee, con la familia Flöge. Fueron periodos de paz y tranquilidad en los que produjo paisajes que constituyeron casi un cuarto de la totalidad de su obra. Klimt realizó bocetos de prácticamente todo lo que hacía. En ocasiones realizaba más de cien dibujos para una pintura, cada uno con un detalle distinto, un traje, una joya o un simple gesto. La calidad excepcional de Gustav Klimt se refleja en el hecho de que no tuvo predecesores ni verdaderos seguidores. Admiró a Rodin y a Whistler sin copiarlos servilmente, y a su vez recibió la admiración de los pintores vieneses más jóvenes, como Egon Schiele y Oskar Kokoschka, cuya obra muestra una gran influencia de Klimt.

El volumen de Mega Square Zapatos se centra en la historia del zapato y eleva este objeto a la categoría de obra de arte. El autor es un destacado experto en la materia, así como el máximo responsable del Museo del Zapato de Francia, que cuenta con la mayor colección de zapatos del mundo, con 12.000 ejemplares. El título de Mega Square Zapatos presenta un tema diferente y apasionante en un formato práctico y compacto que lo convierte en un regalo perfecto.

Durante a Renascença os pintores italianos representavam as mulheres dos seus patrocinadores como Madonnas, tornando-as muitas vezes mais belas que a realidade. Ao longo dos séculos, a Madonna tem sido representada como a mãe clemente e protectora de Deus. Contudo, com o passar do tempo Maria foi perdendo algumas das suas características espirituais e tornou-se mais mortal e acessível aos sentimentos humanos. Retratos da Virgem mostram esta evolução e contém trabalhos impressionantes de Miguel Ângelo, Caravaggio, Rubens, Fouquet e Kahlo.

El volumen de Mega Square Herbario está basado en la obra de Basilius Besler, el famoso experto en plantas que, por primera vez en la historia, describió, pintó y grabó más de mil especies de plantas. Sus dibujos son de gran valor tanto científico como artístico y constituyen un vívido testimonio de la ecléctica flora europea. Esta edición de Mega Square, que presenta un tema interesante y original en un formato compacto y práctico, constituye un regalo perfecto.

Gustav Klimt (Baumgarten, 1862 – Vienne, 1918)«Faire un autoportrait ne m''intéresse pas. Les sujets de peinture qui m''intéressent ? Les autres et en particulier les femmes… » Aucune référence au monde extérieur ne vient contrarier le charme des allégories, portraits, paysages et autres personnages que l''artiste peint. Des couleurs et des motifs d''inspiration orientale (Klimt a été très influencé par le Japon, l''ancienne Egypte et la Ravenne byzantine), un espace bidimentionnel dépourvu de profondeur et une qualité souvent stylisée de l''image, autant d''éléments utilisés par le peintre pour créer une oeuvre séduisante, où le corps de la femme s''expose dans toute sa volupté. A 14 ans, il obtient une bourse d''Etat pour entrer à la Kunstgewerbeschule (l''Ecole viennoise des Arts et Métiers). Très vite, ses talents de peintre et de dessinateur s''affirment. Ses toutes remières oeuvres lui valent un succès inhabituellement précoce. Sa première grande initiative date de 1879 : il crée cette année-là la Künstlerkompagnie (la compagnie des artistes) avec son frère Ernst, et Franz Matsch. A Vienne, la fin du XIXe siècle est une période d''effervescence architecturale. L''empereur François- Joseph décide, en 1857, de détruire les remparts entourant le coeur médiéval de la ville. Le Ring, financé par l''argent du contribuable, est alors construit : de magnifiques résidences y côtoient de superbes parcs. Ces changements profitent à Klimt et à ses associés, leur fournissant de multiples occasions de faire montre de leur talent.En 1897, Klimt, accompagné de quelques amis proches, quitte la très conservatrice Künstlerhausgenossenschaft (Société coopérative des artistes autrichiens) ; il fonde le mouvement Sécession et en prend la présidence. La reconnaissance est immédiate. Au-dessus du porche d''entrée de l''édifice, conçu par José Maria Olbrich est inscrite la devise du mouvement : «A chaque âge son art, à l''art sa liberté. » A partir de 1897, Klimt passa pratiquement tous ses étés sur l''Attersee, en compagnie de la famille Flöge. Durant ces périodes de paix et de tranquillité, il eut l''occasion de peindre de nombreux paysages qui constituent un quart de son oeuvre complète. Klimt exécute des croquis préparatoires à la plus grande partie de ses réalisations. Parfois, il exécute plus de cent études pour un seul tableau. Le caractère exceptionnel de l''oeuvre de Klimt tient peut-être à l''absence de prédécesseurs et de réels disciples. Il admirait Rodin et Whistler sans les copier servilement. En retour, il fut admiré par les peintres viennois de la jeune génération, tels Egon Schiele et Oskar Kokoschka.

Quelle utilité ont les dessous féminins qui s''étalent aujourd''hui tant sur les affiches que dans les magazines, enveloppant des corps de femmes parfaites? Pour beaucoup de femmes, les dessous sont achetés pour faire plaisir à l''autre, « l''homme ». Et pourtant, depuis la haute Antiquité, les femmes apparaissent toujours vêtues, cachant ces dessous qui dissimulent leur intimité. La lingerie féminine est-elle l''expression d''une nouvelle liberté, ou bien suit-elle seulement la transformation de nos mœurs s''adaptant à chaque époque à un modernisme renouvelé?

Qu’y-a-t-il de plus banal qu’une paire de chaussures ? Pourtant, aujourd’hui encore, la moitié de l’humanité n’en connaît pas l’usage. Dans un monde où la chaussure est devenue un objet de consommation, comment oublier que nos arrière-grands-parents l’utilisaient pour les cérémonies et autres occasions exceptionnelles. L’industrie a accompli son devoir : produire en grande quantité à des prix plus abordables. Mais il fut un temps où la chaussure symbolisait la force des légions romaines, la puissance des seigneurs du Moyen Âge européen ou encore l’oppression des femmes chinoises. C’est une histoire longue et passionnante que l’auteur Marie-Josèphe Bossan, conservateur du Musée International de la Chaussure de Romans, conte avec rigueur et talent. Appuyant son analyse sur une iconographie choisie avec méthode, l’auteur donne à ces objets de tous les jours, des lettres de noblesse qui nous interpellent sur les modes et les valeurs de nos civilisations.

L’art a été profondément marqué par la figure de la Vierge Marie, le symbole de la maternité, rayonnante de jeunesse, de tendresse et de compassion depuis deux mille ans. Trouvant en elle une source d’inspiration inépuisable, les artistes ont utilisé cette figure pour exprimer nos souffrances et nos joies. L’auteur Kyra Belán nous emmène dans une analyse du sens à trouver dans les images de la Vierge – à partir d’interprétations personnelles et de réflexions plus spirituelles. Les œuvres d’art constituent des commentaires visuels, à la fois sur l’évolution de l’art occidental et sur celle de l’image de la femme dans la société. Avec plus de 200 illustrations, deux mille ans d’histoire sont exprimés à travers une seulle image, celle de la Vierge Marie, mère du Christ.

Ernst Ludwig Kirchner (Aschaffenburg, 1880 – Frauenkirch, 1938)«Leader » autoproclamé du groupe d’artistes die Brücke (Pont), fondé à Dresde en 1905, Ernst Ludwig Kirchner, joua un rôle central dans les premiers développements de l’expressionnisme allemand (fig.186). Ses premières oeuvres révèlent l’influence de l’Impressionnisme, du postimpressionnisme et du Jugendstil, mais dès 1909, Kirchner peignait d’une manière distinctive et expressive grâce à un coup de pinceau audacieux, mais détendu, des couleurs vives et non naturalistes, et des gestes intenses. Il travaillait dans son atelier à partir d’esquisses réalisées très rapidement, souvent à partir de figures mouvantes, de scènes inspirées de la vie en ville ou des excursions du Brücke à la campagne.Un peu plus tard, il commença à réaliser des sculptures grossièrement taillées dans des blocs de bois. A peu près au moment où il s’installa à Berlin, en 1912, le style de Kirchner, aussi bien de sa peinture que de son oeuvre graphique prolifique, devint plus anguleux, caractérisé par des lignes déchiquetées, des formes élancées et atténuées, et, souvent, un plus grand sentiment de nervosité. Ces traits se retrouvent dans leur expression la plus forte dans ses scènes de rue berlinoises (évoquées dans le chapitre «La Métropole et la Modernité »). Avec le déclenchement de la Première Guerre mondiale, Kirchner devint physiquement faible et enclin à l’anxiété. Conscrit, il fut profondément traumatisé par sa brève expérience de l’entraînement militaire pendant le conflit. De 1917 jusqu’à sa mort par suicide en 1938, il vécut une existence de reclus, bien qu’artistiquement productive, dans la tranquillité des Alpes suisses, près de Davos.

Gustav Klimt (1862-1918) war zum Ende des 19. Jahrhunderts nicht nur einer der einflussreichsten Künstler, sondern gründete zudem die Bewegung der Wiener Secession. Mithilfe dieser Bewegung übte er Kritik an der traditionellen Kunst, die sich durch ihren Widerstand gegen Veränderungen sowie Intoleranz gegenüber bestimmten modernen Vorstellungen auszeichnete. Klimt ließ sich durch den langsamen aber sicheren Niedergang sowie die Vielfalt der Kulturen der Österreichisch-Ungarischen Monarchie inspirieren. Bei Klimt spielten Erotik und Sinnlichkeit eine sehr große Rolle, und neben Schiele und Kokoschka zählte er zu den großen Meistern des Expressionismus. Das vorliegende Buch vereint eine erlesene Auswahl Klimts bekanntester Gemälde und einen Text, der den außergewöhnlichen Eklektizismus dieses großen Künstlers zu vermitteln vermag.

Zur Zeit der Renaissance porträtierten die italienischen Maler traditionell die Frauen ihrer Mäzene als Madonnen. Oft stellten sie sie schöner dar als sie in Wirklichkeit waren. Über Jahrhunderte hinweg wurde die Jungfrau Maria in religiösen Gemälden als milde und beschützende Mutter Gottes gemalt. Mit der Zeit verlor die Jungfrau allerdings viele ihrer spirituellen Charakterzüge und wurde menschlicher und zugänglicher. Das Mega Square Madonnen beleuchtet diese Evolution und enthält beeindruckende Werke von Michelangelo, Caravaggio, Rubens, Fouquet, Dalí und Kahlo.

Cézanne gelang es mit einer Teetasse die Existenz des Lebens zu zeigen und er erhob Stillleben zu einem Punkt, an dem sie nicht mehr leblos zu sein schienen. Wassily Kandinsky sagte über den französischen Künstler: „Er malte diese Dinge als menschliche Wesen, da er die Gabe hatte, in allem ein Seele zu erahnen.“ Neben Cézanne präsentiert dieses Buch Stillleben großer Künstler wie Van Gogh, Matisse, Chardin und Picasso. Sein praktisches Format macht es zu einem perfekten Geschenk.

Le terme « herbier » dans son acceptation première désigne un ouvrage traitant des plantes. C''est ce sens qu''il faudra retenir pour l''herbier que nous vous proposons. Nous avons choisi l''herbier de Basilius Besler, médecin, botaniste et éditeur allemand, du XVIe-XVIIe siècle. Besler dirigea la pharmacie Zum Marienbild à Nuremberg de 1589 à 1629, ville où il créa également un jardin botanique et un cabinet de curiosités. En 1597, l''évêque d''Eichstätt demanda à Besler de créer un jardin botanique sur un terrain à Willibaldsburg. Le jardin dessiné par Besler, d''une superficie d''un hectare et comportant huit terrasses, devint rapidement célèbre. Il publia le catalogue des plantes de son jardin dans Hortus Eystettensis (1613). Cet ouvrage décrit 1 084 espèces végétales et comporte 367 gravures sur cuivre.

Das Mega Square Herbarium basiert auf dem botanischen Werk des berühmten Pflanzenexperten Basilius Beslers, der als einer der ersten über 1000 verschiedene Pflanzenarten beschrieb, zeichnete und präparierte. Seine Zeichnungen haben sowohl großen wissenschaftlichen als auch künstlerischen Wert und geben lebendige Einblick in die vielseitige Flora Europas. Diese Mega Square Ausgabe mit seinem praktischen Format ist ein ideales Geschenk.

What do the thousands of images of bras and panties on perfectly sculpted bodies that we see spread across billboards and magazines say about our society?Many women indulge in lingerie to please men. Yet, since antiquity, women have always kept lingerie hidden away under outer garments. Thus, lingerie must be more than erotic bait.Authors Muriel Barbier and Shazia Boucher have researched iconography to explore the relationship of lingerie to society, revealing the economy and corridors of intimacy. They correlate lingerie with emancipation, querying whether it asserts newfound freedoms or simply adjusts to changing social values. This Mega Square book contains pictures of lingerie from the 17th to the 21st century.

During the Renaissance, Italian painters would traditionally depict the wives of their patrons as Madonnas, often rendering them more beautiful than they actually were. Over centuries in religious paintings, the Madonna has been presented as the clement and protective mother of God. However, with the passing of time, Mary gradually lost some of her spiritual characteristics and became more mortal and accessible to human sentiments. Virgin Portraits illuminates this evolution and contains impressive works by Michelangelo, Caravaggio, Rubens, Fouquet, Dalí, and Kahlo.

Mega Square Herbarium is based on the work of Basilius Besler, the famous plant expert who, for the first time in history, described, painted and engraved over a thousand species of plants. His drawings are of great scientific as well as artistic value, and offer vivid insights into Europe’s eclectic flora.

Auguste Rodin (1840-1917) intensiviertseine zeichnerische Tätigkeit als etwa 10-Jähriger und besucht ab 1854 in der Zeichen- und Mathematikschule La Petite ÉcoleKurse von Henri Lecoq de Boisbaudran (1802-1897) und des MalersJean-Hilaire Belloc (1786-1866). Dort entdeckt er für sich die Bildhauerei. Er verlässt 1857diese Schule und versucht, an der berühmten École nationale supérieure des beaux-artsaufgenommen zu werden, scheitert aber dreimal.Ab 1864 beginnt eineachtjährige Zusammenarbeit mit dem Bildhauer Albert-Ernest Cartier-Belleuse (1824-1887), der sich eine 1873 Kooperation mit dem belgischen Bildhauer Antoine-Joseph van Rasbourgh (1831-1902) anschließt.Zu seinen ersten großen Werken zählen u. a. Der Mann mit der gebrochenen Nase(1864), die später vom französischen Staat angekauftelebensgroße Figur Das eherne Zeitalter(1875/1876), der auch für das zukünftige Museum der dekorativen Künsteein nie fertiggestelltes Portalbestellte. Diesen Arbeiten folgten im Lauf der Jahreu. a. Der Kuss (1886),die Bürger von Calais(1889) und Der Schreitende(1877-1880 und 1900). Seine Hauptarbeit ist wohl Das Höllentor(1880-1817), an dem er 37 Jahre lang und bis kurz vor seinem Tod arbeitete und aus dem seine bekannteste andere Figur, Der Denker, stammt, dessen Kopie über dem Grab der ebenfalls 1917 gestorbenen, spät geheirateten Rose Beuret steht.

Die Kunst der Gotik findet ihre Wurzeln in der kraftvollen Architektur der Kathedralen Nordfrankreichs. Es handelt sich um eine mittelalterliche Kunstbewegung, die sich in Europa über mehr als 200 Jahre erstreckte. Die Architekten wandten sich von den runden Formen der Romanischen Kunst ab und begannen, Strebebögen und Spitzbögen einzusetzen, um die Kathedralen für das Tageslicht zu öffnen. Die Epoche der Gotik war durch tief greifende wirtschaftliche und soziale Veränderungen gekennzeichnet und brachte darüber hinaus eine neue Ikonographie hervor. An Stelle der angsterfüllten, dunklen Iconographie der Romantischen Epoche trat die Verherrlichung der Heiligen Jungfrau. Die sich auf alle Kunstzweige, die Architektur, die Bildhauerei, die Malerei etc. erstreckende gotische Kunst machte schließlich de italienischen Renaissance Platz.

Der Begriff Romanische Kunst bezeichnet in der Kunstgeschichte die Epoche vom 11. bis zum 13. Jahrhundert. Diese Epoche wies eine große Vielfalt an regionalen Schulen auf, die alle spezifische Merkmale hatten. Sowohl in der Architektur als auch in der Bildhauerei wird die Romanische Kunst durch ihre rauen Formen charakterisiert.Dieses Buch lässt den Leser durch den faszinierenden Text und seinen umfangreichen Bildteil diese Kunst des Mittelalters, die heute im Vergleich mit ihrer unmittelbaren Nachfolgerin, der Kunst der Gotik, so häufig verachtet wird, neu entdecken.

Rembrandt is completely mysterious in his spirit, his character, his life, his work and his method of painting. What we can divine of his essential nature comes through his painting and the trivial or tragic incidents of his unfortunate life; his penchant for ostentatious living forced him to declare bankruptcy. His misfortunes are not entirely explicable, and his oeuvre reflects disturbing notions and contradictory impulses emerging from the depths of his being, like the light and shade of his pictures. In spite of this, nothing perhaps in the history of art gives a more profound impression of unity than his paintings, composed though they are of such different elements, full of complex significations. One feels as if his intellect, that genial, great, free mind, bold and ignorant of all servitude and which led him to the loftiest meditations and the most sublime reveries, derived from the same source as his emotions. From this comes the tragic element he imprinted on everything he painted, irrespective of subject; there was inequality in his work as well as the sublime, which may be seen as the inevitable consequence of such a tumultuous existence. It seems as though this singular, strange, attractive and almost enigmatic personality was slow in developing, or at least in attaining its complete expansion. Rembrandt showed talent and an original vision of the world early, as evidenced in his youthful etchings and his first self-portraits of about 1630. In painting, however, he did not immediately find the method he needed to express the still incomprehensible things he had to say, that audacious, broad and personal method which we admire in the masterpieces of his maturity and old age. In spite of its subtlety, it was adjudged brutal in his day and certainly contributed to alienate his public.From the time of his beginnings and of his successes, however, lighting played a major part in his conception of painting and he made it the principal instrument of his investigations into the arcana of interior life. It already revealed to him the poetry of human physiognomy when he painted The Philosopher in Meditation or the Holy Family, so deliciously absorbed in its modest intimacy, or, for example, in The Angel Raphael leaving Tobias. Soon he asked for something more. The Night Watch marks at once the apotheosis of his reputation. He had a universal curiosity and he lived, meditated, dreamed and painted thrown back on himself. He thought of the great Venetians, borrowing their subjects and making of them an art out of the inner life of profound emotion. Mythological and religious subjects were treated as he treated his portraits. For all that he took from reality and even from the works of others, he transmuted it instantly into his own substance.

Was sagen die abertausenden Bilder von BHs und Unterwäsche an perfekten Körpern, die wir täglich auf unzähligen Plakaten und in Magazinen sehen, über unsere Gesellschaft aus? Viele Frauen kleiden sich in aufreizenden Dessous, um Männern zu gefallen, zugleich aber haben sie sie seit der Antike stets unter Kleidung verborgen. Folglich müssen Dessous mehr sein als nur ein erotisches Lockmittel.Die Autoren haben anhand der Ikonografie der letzten Jahrhunderte die Beziehungen zwichen Dessous und Gesellschaft, Wirtschaft sowie persönlicher Intimität untersucht. Sie verbinden weibliche Unterwäsche mit der Emanzipation, indem sie hinterfragen, ob Dessous neue Freiheiten erschließen oder ob sie sich nur gesellschaftlichen Voraussetzungen anpassen. Dieses Mega Square Buch enthält Bilder vom 17. bis zum 21. Jahrhundert und sein handliches Format macht es zu einem idealen Geschenk.

Die Mega Square Ausgabe Schuhe präsentiert die Geschichte dieses Kleidungsstückes und erhebt es zu einem Kunstwerk. Der Autor ist ein führender Experte in diesem Gebiet und Kurator des französischen Schuh-Museums, welches mit 12 000 Exemplaren die größte Schuhsammlung der Welt besitzt. Dieses Buch ist das perfekte Geschenk für jede Schuh-Liebhaberin bzw. –Liebhaber und sein praktisches Format macht es zu einem idealen Geschenk.

Das Wort Rokoko leitet sich wahrscheinlich von dem vermutlich in französischen Emigrantenkreisen aufgekommenen Wort ""rocaille"" (Muschel) ab. Diese Kunstrichtung entwickelte sich zu Beginn des 18. Jahrhunderts und breitete sich schnell in ganz Europa aus. Ihre verspielten und extravaganten Charakteristika standen im Einklang mit dem feinsinnigen Lebensgefühl der Aristokratie zu jener Zeit. In vielerlei Hinsicht gilt das Barock als Vorläufer dieser oft auch als Spätbarock bezeichneten Kunstrichtung. Während die Werke Tiepolos, Bouchers und Reynolds die Höhepunkte der Rokoko-Kunst darstellen, wurde die Strömung gelegentlich wegen ihrer vermeintlichen Oberflächlichkeit verurteilt.In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts verschwand das Rokoko allmählich und machte dem Neoklassizismus Platz. Erst ungefähr ein Jahrhundert später entdeckten Kunsthistoriker den Glanz dieses von Klaus H. Carl und Victoria Charles näher untersuchten goldenen Zeitalters wieder.

El espíritu, el carácter, la vida, la obra y el método de pintar de Rembrandt son un completo misterio. Lo que podemos adivinar de su naturaleza esencial proviene de sus pinturas y de incidentes triviales o trágicos de su infortunada existencia; su inclinación por la vida ostentosa lo obligó a declararse en bancarrota. Sus desgracias no son del todo comprensibles y su obra refleja ideas perturbadoras e impulsos contradictorios que emergen de las profundidades de su ser, como la luz y las sombras en sus cuadros. A pesar de todo, tal vez nada en la historia del arte causa una impresión más profunda de unidad que sus pinturas, compuestas de elementos tan distintos y llenos de significados complejos. El espectador siente que el intelecto de Rembrandt, esa mente genial, grandiosa, osada y libre de toda servidumbre que lo guiaba a través de las más elevadas reflexiones y los más sublimes ensueños, se deriva de la misma fuente que sus emociones. De ahí el trágico elemento que plasmó en todo lo que pintaba, sin importar el tema; en su obra coexiste la desigualdad con lo sublime, algo que puede parecer la consecuencia inevitable de una existencia tan tumultuosa. Pareciera como si aquella personalidad singular, extraña, atractiva y casi enigmática hubiera sido lenta para desarrollarse, o al menos para alcanzar su completa expansión. Rembrandt demostró talento y una visión original del mundo a muy temprana edad, como lo prueban sus grabados de la juventud y sus primeros autorretratos realizados alrededor de 1630. Sin embargo, en la pintura no encontró de inmediato el método necesario para expresar las cosas, todavía incomprensibles, que deseaba expresar; le faltaba ese método audaz, completo y personal que admiramos en las obras maestras de su madurez y ancianidad. A pesar de su sutileza, en su época se le juzgó brutal, lo que ciertamente contribuyó a alejar a su público. A pesar de ello, desde sus inicios y una vez logrado el éxito, la iluminación fue parte importante de su concepción de la pintura y la convirtió en el principal instrumento de sus investigaciones de los misterios de la vida interior. Ya le había revelado la poesía de la fisonomía humana cuando pintó El filósofo meditando o La Sagrada Familia, tan maravillosamente absorta en su modesta intimidad, o, por ejemplo, en El ángel Rafael dejando a Tobías. Muy pronto aquello no fue suficiente. La guardia nocturna marca de inmediato la apoteosis de su reputación. Tenía una curiosidad universal y vivía, meditaba, soñaba y pintaba replegado en sí mismo. De los grandes venecianos tomó prestados sus temas, convirtiéndolos en un arte que brotaba de una vida interior de emociones profundas. Los temas mitológicos y religiosos los trató de la misma manera que sus retratos. Todo lo que tomaba de la realidad y hasta de las obras de otros lo transmutaba al instante en parte de su propia sustancia.

Das vorliegende Werk zeichnet Velázquez’ Leben sowohl anhand seiner Werke als auch anhand seiner Reisen nach und berücksichtigt dabei neben der künstlerischen auch die königliche Szenerie im Spanien des 17. Jahrhunderts. Von seinen Anfängen bei Pacheco bis zu den letzten Jahren als Hofmaler porträtiert der mit einer unglaublichen Energie und Hingabe ausgestattete Maler die einflussreichsten Persönlichkeiten seiner Zeit und amtiert gleichzeitig als Reformer der prächtigen spanischen Paläste. So wie Velázquez durch sein Leben und seine erstaunliche Technik unvergessen bleibt, ist es ebenso eindrucksvoll, wie viele Porträts er hinterlassen hat. Mit dem Anspruch, seinen Text von den sonst üblichen Monographien abzugrenzen, behandelt Professor Carl Justi die Werke Velázquez’ in einem historischen Kontext, der das Goldene Zeitalter der Spanischen Malerei beschreibt. Durch die Fülle und Vielseitigkeit der Illustrationen ist Velázquez und sein Jahrhundert auf dem besten Wege, das Standardwerk auf seinem Gebiet zu werden.