Gabriel Erkoreka – författare

Boreal está basada en el ''Tempo di borea'', últimomovimiento de la primera Partita para violín solode J. S. Bach, y fue encargada por el violinistagallego Roberto Alonso Trillo como parte del proyectoBach Revisited. La partita elegida para dichoproyecto se caracteriza porque todos sus movimientosllevan asociada una double, como si fuerauna variación. La borea o bourrée es un términoque designa una danza rápida de ritmo binario,un baile popular en sus inicios, y muy utilizadodespués en los ballets y las óperas francesas de lossiglos xvii y xviii, y también en la suite barroca.En la obra hay alguna conexión velada con elmaterial original, que sirve más bien como pretextopara profundizar en un virtuosismo adaptadoa la naturaleza del violín, principalmentemediante el empleo de bariolages combinados condistintas disposiciones de armónicos naturales,que extienden el registro del instrumento hacia elagudo. Esta conexión con sonoridades frías y agudasqueda reflejada igualmente en el título elegido,que también hace referencia a aquello que guardarelación con el hemisferio norte, especialmente elcurioso efecto luminoso de la aurora boreal.El estreno de Boreal tuvo lugar el 16 de marzo de2019, dentro del Ciclo de Solistas de la FundaciónBBVA, en el Palacio del Marqués de Salamancade Madrid, a cargo de la violinista búlgara EmaAlexeeva.

La serie de obras titulada Ametsak (''Sueños'' en euskera),que consta de tres partes separadas, reflejami continuado interés por los procesos mentales,y muy especialmente por aquellos que afectan a lamemoria y su funcionamiento. Estos intereses, altraducirse a música, ayudan a hacer más maleablela estructura del sonido, y también a flexibilizar sudisposición temporal.La instrumentación de Ametsak 2 coincide conla de la obra anterior del mismo ciclo, y ha sidoelegida para potenciar el empleo de registros extremos,que me permiten una mayor plasticidad.Además, en esta obra se explotan los límites de lapercepción aplicados a velocidades extremas, quevan desde lo estático hasta lo vertiginoso.Los sueños nos muestran una realidad distorsionada,donde el tiempo escapa a toda lógica. A mimodo de ver, esta alteración en la percepción deltiempo está íntimamente ligada a la naturaleza deun arte como es la música, que conceptualmentetiene un propósito fundamental: detener el tiempoo situarse más allá de él.Ametsak 2 está dedicada al Ensemble Court-Circuit,agrupación que la estrenó el 3 de octubre de2019 en el Auditorio de Musikene en San Sebastián,dentro del Circuito Musikagileak.

Four Ballades es una serie de cuatro obras, en claraalusión a las cuatro baladas de Chopin o las VierBalladen op. 10 de Brahms, pero que no pretendedar continuidad a dichas obras en cuanto a suproyección emocional. Del título podría desprenderseuna fuerte tendencia narrativa, en un movimientohacia adelante que, desde luego aquí, seve interrumpido de forma turbulenta por diferentesinterferencias propiciadas por los diversos materialesempleados.La idea en cada una de las cuatro baladas ha sidocentrarse en mayor o menor grado en ciertosmateriales provenientes de obras de los cuatrocompositores franceses a los que rindo homenaje:Boulez, Varèse, Messiaen y Grisey, flexibilizando eldiscurso al forzarse desvíos hacia elementos tomadosde las baladas escritas por Chopin y Brahms.De este modo, en cada una de las cuatro baladasque he escrito se establecen respectivamente unosvínculos, más o menos velados, con las baladascorrelativas de estos dos grandes maestros.

En Fuegos, el artificio viene dado por un complejojuego de simetrías que incluso a veces afecta al aspectovisual de la partitura, una dificultad imaginariaque delimita la libertad de acción. Este juego desimetrías a la vez se traduce en lo sonoro en un efectohipnótico y en lo temporal casi en una espiral,donde los colores instrumentales se vuelven sobre símismos a la vez que avanzan.Fuegos profundiza especialmente en el tratamientoy diversificación del color, que se muestra exuberante,siendo la orquestación en sí misma la que daforma a la obra. Sus aforísticas secciones aparecentratadas con marcadas caracterizaciones de ordenrítmico, que contribuyen a fijarlas mejor en nuestramemoria, contrarrestando así su carácter efímero.De este modo la obra va consumiéndose, y sus minuciososdetalles se queman devorados implacablementepor el fuego (el tiempo), cuyo resplandordestruye o purifica, pero no respeta nada que secruce en su camino.

ERTZAK («aristas» en euskera) toma como puntode partida materiales e inquietudes presentes en miúltima obra, Tres sonetos de Michelangelo, y en concretode dos interludios orquestales que sirven deenlace entre los tres sonetos. El título no es tantouna referencia a líneas unidimensionales, sino másbien a lo que éstas simbolizan: aristas que sirven deunión o de separación.Por ello, en ERTZAK se ofrecen dos planteamientoscontrastantes: el primero se refiere a la unión(amor) y consiste en un solo trazo, que nace ymuere en un mismo vértice, y que explora la tímbricaen el registro medio de los instrumentos.Más tarde, el espacio se abre mediante una marcadaseparación de los registros e introduce, así, elsegundo planteamiento. Éste representa la separación(muerte), y en él, todos los elementos puestosen juego: registros, dinámicas y velocidades sonllevados a un extremo, lleno de violentas aristasacrecentadas por la percusión, que sirven de filtropara crear una serie de planos sonoros contrastados.Sirva como aclaración que los dos interludiosantes mencionados se basaban a su vez en reflexionesen torno al amor y la muerte, plasmadas en lossonetos y epitafios de Miguel Ángel Buonarroti.Finalmente, las líneas melódicas de los instrumentosde viento se vuelven más abruptas, pero enseguidason neutralizadas por pivotes sonoros provenientesdel trío de cuerdas. Con ello, la obraplantea también una bifurcación de la perspectivatemporal, que en ocasiones se hace explícitamediante materiales más o menos reconocibles ypropicia la convivencia de dos contextos temporalesdistintos y alejados.

Kaiolan (En la Jaula en Euskera) es una reflexiónsobre la obra de la escultora Louise Bourgeois, fallecidaen mayo de 2010, y especialmente de sus"Cells" (Celdas o Jaulas). En ellas evoca la cautividadmediante la creación de espacios psicológicoshabitados por objetos domésticos y recuerdos, llenosde un significado que trasciende. En estas impactantescreaciones uno se adentra en el mundointerior de la artista, y se convierte en observadorprivilegiado de su intimidad.En Kaiolan he procurado explorar la idea de límite,no tanto como concepto matemático, sino másbien aplicada a diferentes elementos musicales, muyespecialmente al registro, que aparece acotado dediversas maneras a lo largo de la composición. Lasdinámicas y el timbre también aparecen tratados deesta manera, tensando y delimitando aún más suestructura.El título no es una mera referencia a una angustiosalimitación del espacio, sino más bien a lo que éstadesencadena: las sensaciones de opresión y claustrofobiaproducidas al habitarlo. En la obra, paradójicamente,se trata de encontrar diferentes manerasde ser libre en un espacio confinado, creándose unafalsa sensación de seguridad. La libertad anheladaexplota en una ampliación súbita del espacio (en losregistros extremos de los instrumentos), pero prontovuelve a autolimitarse irremediablemente.Kaiolan está dedicada al PluralEnsemble y a FabiánPanisello, quienes encargaron la obra, y la estrenaronen L''Auditori de Barcelona el 12 de noviembrede 2010.

EKAITZA - Concierto para violonchelo y orquesta podría considerarse, en cierto modo, como una obra de síntesis. Así lo refleja el título elegido, Ekaitza ("Tempestad" en Euskera), que auna mi continuado interés por los fenómenos naturales, plasmado en obras como Nubes, Krater u Océano; con el momento actual, que está más motivado por la fascinación por los estados de la mente, en Trance o Dardarak. No falta tampoco una referencia al Folklore, que es para mí una continua fuente de recursos sonoros, y que se hace presente en el último movimiento.Este concierto para violonchelo y orquesta está planteado en tres secciones que se interpretan sin interrupción. Al inicio, profundiza en el empleo del registro grave de la orquesta y del instrumento solista, que es el más natural del violonchelo; el cual puede integrarse y diferenciarse dentro del entramado orquestal en distintos grados de agitación. Se crea así una relación de tensiones donde la orquesta funciona como una enorme caja resonante, que prolonga o anticipa diferentes efectos de ataques y resonancias. La obra no pretende ser descriptiva, si bien hay un rumor inquietante que la envuelve, y existe cierta tendencia hacia los movimientos descendentes y sonoridades extremas, que en el segundo movimiento establecen una tempestuosa relación entre solista y orquesta. En su momento más gráfico y atormentado, el violonchelo es engullido literalmente por la creciente masa orquestal, en la que apenas puede asomar la cabeza para respirar. Tras su destrucción, surge una sonoridad irreal, casi como si estuviera sumergida en el agua. En el último movimiento, el cello renace y se transforma en un instrumento popular ancestral de cuerda frotada de la cornisa cantábrica: el Rabel, que con su pulso obsesivo, reivindica ingenuo y orgulloso su frágil existencia. Este concierto está dedicado a mi gran amigo el violonchelista Asier Polo, y para su elaboración, he tenido particularmente en cuenta sus fabulosas facultades interpretativas tanto en el plano técnico como en el expresivo.EKAITZA - Concierto para violonchelo y orquesta, responde a un encargo conjunto de la Fundación Autor (Convenio AEOS) y la Orquesta Sinfónica de Euskadi. Escrita para las celebraciones del 30º aniversario de la fundación de la propia orquesta, fue estrenada el 30 de noviembre de 2013 en el Palacio Kursaal de San Sebastián, por Asier Polo y la OSE, bajo la dirección de Michal Nesterowicz.

Orreaga toma su nombre del Lekeitioak núm. 6 deMikel Laboa, a la vez que recrea y desarrolla susgestos más característicos. La pieza está escrita paraun conjunto de cámara de siete instrumentos en elque no falta la guitarra que, de forma simbólica,contribuye a un continuo que funciona como hiloconductor, mientras otros elementos de aparienciamás vocal o gutural se superponen y evolucionanlentamente con diversos matices y contrastes.Orreaga responde a un encargo de la Mikel LaboaKatedra. La intención ha sido la de generaruna dialéctica que, a modo de comentario u homenaje,pueda ofrecer una visión personal sobrela música de Laboa, siempre con el pretexto de laexperimentación. Precisamente, de esta forma seplasma y se exagera en esta obra una de las premisasfundamentales de todos sus Lekeitioak.Orreaga fue estrenada por el Ensemble Kuraia,dirigido por Andrea Cazzaniga, el 19 de octubrede 2014 en el Circuito de Música Contemporánea"Musikagileak", en el Teatro Victoria Eugenia deSan Sebastián.

Ametsak ("Sueños" en euskera), refleja mi interéspor los procesos mentales, y muy especialmentepor aquellos que afectan a la memoria y sufuncionamiento. Estos intereses, al traducirsea música, ayudan a hacer más maleable laestructura del sonido, y también a flexibilizar sudisposición temporal. La instrumentación de laobra ha sido elegida para potenciar el empleo deregistros extremos, que me permiten una mayorplasticidad.Los sueños nos muestran una realidaddistorsionada, donde el tiempo escapa a todalógica. A mi modo de ver, esta alteración en lapercepción del tiempo está íntimamente ligadaa la naturaleza de un arte como es la música,que conceptualmente tiene un propósitofundamental: detener el tiempo o situarse másallá de él.Ametsak es fruto de un encargo del PluralEnsemble, financiado por una ayuda delInstituto Nacional de las Artes Escénicas y de laMúsica (INAEM).