Julian Hanich – författare

Why can fear be pleasurable? Why do we sometimes enjoy an emotion we otherwise desperately wish to avoid? And why are the movies the predominant place for this paradoxical experience? These are the central questions of Julian Hanich’s path-breaking book, in which he takes a detailed look at the various aesthetic strategies of fear as well as the viewer’s frightened experience. By drawing on prototypical scenes from horror films and thrillers like Rosemary’s Baby, The Silence of the Lambs, Seven and The Blair Witch Project, Hanich identifies five types of fear at the movies and thus provides a much more nuanced classification than previously at hand in film studies. His descriptions of how the five types of fear differ according to their bodily, temporal and social experience inside the auditorium entail a forceful plea for relying more strongly on phenomenology in the study of cinematic emotions. In so doing, this book opens up new ways of dealing with these emotions. Hanich’s study does not stop at the level of fear in the movie theater, however, but puts the strong cinematic emotion against the backdrop of some of the most crucial developments of our modern world: disembodiment, acceleration and the loosening of social bonds. Hanich argues that the strong affective, temporal, and social experiences of frightening movies can be particularly pleasurable precisely because they help to counterbalance these ambivalent changes of modernity.

Why can fear be pleasurable? Why do we sometimes enjoy an emotion we otherwise desperately wish to avoid? And why are the movies the predominant place for this paradoxical experience? These are the central questions of Julian Hanich’s path-breaking book, in which he takes a detailed look at the various aesthetic strategies of fear as well as the viewer’s frightened experience. By drawing on prototypical scenes from horror films and thrillers like Rosemary’s Baby, The Silence of the Lambs, Seven and The Blair Witch Project, Hanich identifies five types of fear at the movies and thus provides a much more nuanced classification than previously at hand in film studies. His descriptions of how the five types of fear differ according to their bodily, temporal and social experience inside the auditorium entail a forceful plea for relying more strongly on phenomenology in the study of cinematic emotions. In so doing, this book opens up new ways of dealing with these emotions. Hanich’s study does not stop at the level of fear in the movie theater, however, but puts the strong cinematic emotion against the backdrop of some of the most crucial developments of our modern world: disembodiment, acceleration and the loosening of social bonds. Hanich argues that the strong affective, temporal, and social experiences of frightening movies can be particularly pleasurable precisely because they help to counterbalance these ambivalent changes of modernity.

For well over a century, going to the movies has been a favorite pastime for billions across the globe. But is film actually good for anything? This volume brings together thirty-six scholars, critics, and filmmakers in search of an answer. Their responses range from the most personal to the most theoretical—and, together, recast current debates about film ethics. Movie watching here emerges as a wellspring of value, able to sustain countless visions of "the good life." Films, these authors affirm, make us reflect, connect, adapt; they evoke wonder and beauty; they challenge and transform. In a word, its varieties of value make film invaluable.

For well over a century, going to the movies has been a favorite pastime for billions across the globe. But is film actually good for anything? This volume brings together thirty-six scholars, critics, and filmmakers in search of an answer. Their responses range from the most personal to the most theoretical—and, together, recast current debates about film ethics. Movie watching here emerges as a wellspring of value, able to sustain countless visions of "the good life." Films, these authors affirm, make us reflect, connect, adapt; they evoke wonder and beauty; they challenge and transform. In a word, its varieties of value make film invaluable.

Is the experience of watching a film with others in a cinema crucially different from watching a film alone? Does laughing together amplify our enjoyment, and when watching a film in communal rapt attention, does this intensify the whole experience? Attending a film in a cinema implies being influenced by other people, an 'audience effect' that is particularly noticeable once affective responses like laughter, weeping, embarrassment, guilt, or anger play a role. In this innovative book, Julian Hanich explores the subjectively lived experience of watching films together, to discover a fuller understanding of cinema as an art form and a social institution that matters to millions of people worldwide. Combining recent scholarly interest in viewers' emotions and affects with insights from the blossoming debate about collective emotions in philosophy and social psychology, this study makes viewers more aware of their own experience in the cinema, and simultaneously opens up a new line of research for film studies.

Ein Film, ein Band – die "Film|Lektüren" nehmen sich Zeit und Raum. Band 5 ist mit Friedrich Wilhelm Murnaus "City Girl" (1930) einem der vielleicht unbekanntesten Filme des Regisseurs gewidmet – und doch gibt es viele Gründe, diesen klaren, schnörkellosen und schönen Film für ein breiteres Publikum wiederzuentdecken.Nach verworrener Entstehungsgeschichte wurde Murnaus dritte und letzte Hollywood-Produktion – kurz nach Einführung des Tonfilms noch als Stummfilm gedreht – schnell auf Halde gelegt. So konnten sich die zeitgenössischen Zuschauer kein Bild von der auffälligen Modernität des Films machen. Doch "City Girl" greift zahlreiche gesellschaftliche Strömungen und Stimmungen auf, die Ende der 1920er und Anfang der 1930er Jahre in den USA kursierten. Dazu gehören kurz nach dem Börsencrash im Oktober 1929 und dem Beginn der Weltwirtschaftskrise Themen wie Verschuldung und drohende Verarmung, der Statusverlust der Landwirte, der Konflikt zwischen Großstadt und Landbevölkerung oder die Emanzipation der Frau. Vor diesem Hintergrund tritt ein Bild des Regisseurs hervor, das dem verbreiteten Verständnis von Murnau als Melancholiker und Romantiker eine weitere Facette hinzufügt.

Friedrich Wilhelm Murnau (1888–1931) zählt zweifellos zu den bekanntesten Namen der Filmgeschichte, seine herausragende Bedeutung für die Geschichte des deutschen und internationalen Films ist unumstritten.Zu den Regisseuren, die maßgeblich von Friedrich Wilhelm Murnau beeinflusst wurden, gehören Alfred Hitchcock, Jean Renoir, Marcel Carné, Eric Rohmer, Werner Herzog und Terrence Malick. Vor dem Hintergrund der entschiedenen Modernität der Filme seines großen Weimarer Antipoden Fritz Lang hat die Forschung dabei das Murnau-Bild eines ''tragischen Romantikers'' bzw. ''melancholischen Poeten'' des Kinos gezeichnet und dessen Züge vornehmlich am Beispiel einiger weniger Filme herausgearbeitet, vor allem "Nosferatu" (1921/22), "Faust" (1926), "Sunrise" (1927) und "Tabu" (1931).Der Band möchte das vorherrschende Murnau-Bild hinterfragen, wo nötig korrigieren und sein Werk neuen Zugängen öffnen. Dazu befassen sich die Beiträge nicht nur mit einzelnen Filmen Murnaus, sondern unternehmen werkübergreifende thematische, motivische und ästhetische Erkundungen. In ihnen sollen neue Konstellationen sichtbar gemacht sowie Kontexte und Perspektiven erschlossen werden, die bisher nicht im Fokus der Beschäftigung mit Murnau gestanden haben.

Friedrich Wilhelm Murnau (1888–1931) zählt zweifellos zu den bekanntesten Namen der Filmgeschichte, seine herausragende Bedeutung für die Geschichte des deutschen und internationalen Films ist unumstritten.Zu den Regisseuren, die maßgeblich von Friedrich Wilhelm Murnau beeinflusst wurden, gehören Alfred Hitchcock, Jean Renoir, Marcel Carné, Eric Rohmer, Werner Herzog und Terrence Malick. Vor dem Hintergrund der entschiedenen Modernität der Filme seines großen Weimarer Antipoden Fritz Lang hat die Forschung dabei das Murnau-Bild eines ''tragischen Romantikers'' bzw. ''melancholischen Poeten'' des Kinos gezeichnet und dessen Züge vornehmlich am Beispiel einiger weniger Filme herausgearbeitet, vor allem "Nosferatu" (1921/22), "Faust" (1926), "Sunrise" (1927) und "Tabu" (1931).Der Band möchte das vorherrschende Murnau-Bild hinterfragen, wo nötig korrigieren und sein Werk neuen Zugängen öffnen. Dazu befassen sich die Beiträge nicht nur mit einzelnen Filmen Murnaus, sondern unternehmen werkübergreifende thematische, motivische und ästhetische Erkundungen. In ihnen sollen neue Konstellationen sichtbar gemacht sowie Kontexte und Perspektiven erschlossen werden, die bisher nicht im Fokus der Beschäftigung mit Murnau gestanden haben.