La musique a-t-elle un sens ? La combinaison des sons peut-elle avoir une signification quelconque ? La question du sens et de la signification de la musique, récurrente en Occident depuis l’Antiquité, connaît un engouement particulier aujourd’hui. Après des périodes marquées par le formalisme et la technicité du propos musicologique, de nouvelles approches, évoquant aussi bien l’expression que la structure des œuvres, interrogent les phénomènes de compréhension musicale. De l''herméneutique à la sémiotique, en passant par l''esthétique, le présent ouvrage envisage tous les volets de la question du sens et de la signification en musique. Márta Grabócz a veillé à recueillir des textes importants d''auteurs étrangers dont la pensée reste méconnue en France, que ce soit dans le domaine de la sémiotique proprement dite (Kofi Agawu, Robert Hatten, Fred E.Maus, Raymond Monelle), ou dans celui de l''esthétique musicale (Gianmario Borio, Siglind Bruhn, Hermann Danuser, Enrico Fubini). À ces articles font écho plusieurs contributions signées par des sémioticiens et esthéticiens réputés (Françoise Escal, Márta Grabócz,Marie-Anne Lescourret, Danièle Pistone, Eero Tarasti), ainsi que trois essais consacrés à l''herméneutique de la musique (Daniel Charles, Christian Hauer, Bernard Vecchione). Au travers d’une grande variété de thèmes, les textes ici rassemblés confrontent la musicologie aux systèmes de pensée – philosophiques, linguistiques, littéraires ou psychologiques – qu’elle intègre et qu’elle manipule, et présentent de fait, un panorama des idées sur la signification musicale, pour permettre, un jour, de synthétiser cette complexité dans une « musicologie généralisée ».

Malgré l’absence manifeste de dialogue soutenu et d’échanges prolongés entre Peter Eötvös, François-Bernard Mâche et Jean-Claude Risset, une écoute plus attentive de leurs œuvres permet de déceler certains traits musicaux qui les lient d’une manière évidente. Une partie de leur création est en effet placée sous le signe de la recherche de sonorités nouvelles et de cadres structurels inouïs. Tous trois semblent manifester un penchant pour les références extra-musicales, telle l''utilisation de modèles naturels, scientifiques ou encore littéraires. Ils s’intéressent également à la mise en valeur des langues et de la parole humaine (parfois en utilisant plusieurs langues dans une pièce, ou en convoquant des langues exotiques ou en voie de disparition). On trouve également le « codage » ou la « transposition » des données d’un texte, ou de l’intonation d’un texte parlé, dans plusieurs de leurs œuvres. Le dernier aspect compositionnel important qui les relie est le théâtre musical, le théâtre instrumental ou le scénario musical imaginaire. Jean-Claude Risset parle souvent de « scénario sonore imaginaire » pour les œuvres mixtes (Du songe au son, 2008). Les deux types de sons – acoustiques et électroniques – représentent deux univers sonores distincts, et leur confrontation, leurs rapports créent chaque fois une théâtralité sonore ou une dramaturgie musicale consciemment élaborée.Les quinze contributions de cet ouvrage mettent en valeur ces traits communs ou explorent ces aspects innovants de leur création musicale.

François-Bernard Mâche est l’un des créateurs les plus innovants de la musique française contemporaine. De ses activités multiples résulte une œuvre qui regroupe à la fois des écrits d’un compositeur, d’un scientifique et d’un philosophe de la musique. Il est l’inventeur des notions de « zoo-musicologie » et de « phonographie » ; il est le premier à avoir réalisé en France une œuvre « spectrale » en transcrivant à l’orchestre les sonorités d’un poème récité de P. Eluard en 1964. Il est le père du courant appelé « naturalisme sonore » dès 1970.Pour célébrer son 80e anniversaire en 2015, deux centres de recherches se sont associés en organisant un colloque international et un concert à Paris (le Labex GREAM de l’université de Strasbourg et le laboratoire LISAA de l’université Paris-Est Marne-La-Vallée). Les vingt-deux musicologues ont dialogué selon les thématiques suivantes, propres à la création du compositeur et du penseur : I/Esthétique de la troisième voie, l’universel et le particulier ; II/Zoo-musicologie et chants d’oiseaux ; III/ Archétypes, modèles et dialogue des civilisations ; IV/ Écologie sonore et éco-mythologie ; V/ Musiques mixtes, musique spectrale. Le livre est accompagné d’un DVD qui contient des extraits du colloque et des tables-rondes, ainsi que le concert donné à Strasbourg par l’ensemble Accroche Note.

György Kurtág a célébré son quatre-vingt-dixième anniversaire en 2016. À cette occasion, deux centres de recherche ont proposé un colloque international à l’Institut hongrois de Paris. Les organisateurs souhaitaient rendre hommage à l’œuvre exceptionnelle du compositeur hongrois, mais aussi souligner et analyser ce qui forme le cœur vivant de l’expression musicale dans ses créations : la relation intimement nouée entre la composition et l’interprétation. Kurtág, plus qu’aucun autre compositeur peut-être, demande en effet une appréhension sensible et corporelle des signes, un mode de connaissance singulier, irréductible, qui conduit au cœur de l’expérience musicale – raison pour laquelle le colloque réunissait conférences, masterclasses et concerts.Trois aspects essentiels traversent les textes ici réunis : tout d’abord la dimension performative, renforcée par l’exigence du compositeur quant à la qualité de la sonorité, des gestes et de l’expression demandée aux interprètes?; le rapport à l’Histoire, à travers les références, hommages, évocations, citations, objets volés ou empruntés, déformés?; enfin, le rapport à la réécriture (gestes interprétés, écritures retravaillées).

L’étude des topoï littéraires et des topiques musicaux a connu, depuis les années 1990, un élan décisif. Plusieurs sociétés savantes et groupes de recherches internationaux se sont penchés sur l’élaboration d’une méthode de recherche en littérature et en musique fondée sur la connaissance des « lieux communs », en tant qu''ils relèvent des idées et de la pensée d’une époque donnée. Cet ouvrage – actes d’un colloque international trilingue - traite des grands topoï romantiques présents dans la musique de F. Liszt selon cinq thèmes ou chapitres :

I. Entre littérature, beaux-arts et mal du siècle (articles de Béatrice Didier, Siglind Bruhn, Mara Lacché, Marta Grabócz, François Decarsin, François-Gildas Tual, Laurence Le Diagon-Jacquin) ;II. Nouvelle esthétique, nouvelles formes au XIXe siècle (articles de Constantin Floros, Jean-Paul Olive , Bruno Moysan, Claudia Colombati, Albert Van der Schoot) ;III/ Présence de la femme et de l’amour dans la musique de Liszt (articles de Grégoire Caux, Megan McCarty, Yusuke Nakahara, Malgorzata Gamrat) ;IV. Nature et horizons lisztiens (articles de Bertrand Ott, Michael Eisenberg, Sandra Myers Brow,) ;V. Liszt et le piano romantique (articles de Nathalie Herold, Olivia Sham, Tibor Szász, Daniela Tsekova, Panu Heimonen, Kasimir Morski).

Depuis l’Antiquité, l’histoire de l’esthétique et de la réflexion philosophique portant sur la musique est marquée par un antagonisme profond. L’une des approches accentue les caractéristiques dites «?formelles?», mesurables et objectives des phénomènes musicaux, tandis que l’autre tient compte de l’expression, du rôle social, de la valeur communicative des œuvres musicales. De nos jours on constate le retour de la discorde. La musicologie actuelle peut être considérée comme la scène d’un champ de bataille acharnée entre deux forces antinomiques : celle des représentants du formalisme musical contemporain, et celle qui cherche – grâce aux outils théoriques empruntés à l’évolution récente des sciences humaines – à comprendre la manière dont la musique exprime ou signifie notre rapport au monde, aux unités culturelles de chaque époque historique. C’est de cette façon que les apports de la sémiotique et de la narratologie littéraire, de l’étude de l’intermédialité, des sciences cognitives, des performance studies, gender studies, etc., peuvent féconder la réflexion actuelle sur les œuvres musicales.Cet ouvrage réunit vingt-trois textes de musicologues parmi les plus grands spécialistes de renommée internationale dans le domaine de l’examen des signes musicaux et dans celui de l’organisation des éléments expressifs à l’intérieur d’une forme musicale instrumentale (narratologie musicale). La première partie aborde les questions théoriques soulevées par ces approches contemporaines ;la deuxième se consacre aux analyses d''œuvres (de Mozart jusqu’à la musique contemporaine).

La musique a-t-elle un sens ? La combinaison des sons peut-elle avoir une signification quelconque ? La question du sens et de la signification de la musique, récurrente en Occident depuis l’Antiquité, connaît un engouement particulier aujourd’hui. Après des périodes marquées par le formalisme et la technicité du propos musicologique, de nouvelles approches, évoquant aussi bien l’expression que la structure des œuvres, interrogent les phénomènes de compréhension musicale. De l''herméneutique à la sémiotique, en passant par l''esthétique, le présent ouvrage envisage tous les volets de la question du sens et de la signification en musique. Márta Grabócz a veillé à recueillir des textes importants d''auteurs étrangers dont la pensée reste méconnue en France, que ce soit dans le domaine de la sémiotique proprement dite (Kofi Agawu, Robert Hatten, Fred E.Maus, Raymond Monelle), ou dans celui de l''esthétique musicale (Gianmario Borio, Siglind Bruhn, Hermann Danuser, Enrico Fubini). À ces articles font écho plusieurs contributions signées par des sémioticiens et esthéticiens réputés (Françoise Escal, Márta Grabócz,Marie-Anne Lescourret, Danièle Pistone, Eero Tarasti), ainsi que trois essais consacrés à l''herméneutique de la musique (Daniel Charles, Christian Hauer, Bernard Vecchione). Au travers d’une grande variété de thèmes, les textes ici rassemblés confrontent la musicologie aux systèmes de pensée – philosophiques, linguistiques, littéraires ou psychologiques – qu’elle intègre et qu’elle manipule, et présentent de fait, un panorama des idées sur la signification musicale, pour permettre, un jour, de synthétiser cette complexité dans une « musicologie généralisée ».

Malgré l’absence manifeste de dialogue soutenu et d’échanges prolongés entre Peter Eötvös, François-Bernard Mâche et Jean-Claude Risset, une écoute plus attentive de leurs œuvres permet de déceler certains traits musicaux qui les lient d’une manière évidente. Une partie de leur création est en effet placée sous le signe de la recherche de sonorités nouvelles et de cadres structurels inouïs. Tous trois semblent manifester un penchant pour les références extra-musicales, telle l''utilisation de modèles naturels, scientifiques ou encore littéraires. Ils s’intéressent également à la mise en valeur des langues et de la parole humaine (parfois en utilisant plusieurs langues dans une pièce, ou en convoquant des langues exotiques ou en voie de disparition). On trouve également le « codage » ou la « transposition » des données d’un texte, ou de l’intonation d’un texte parlé, dans plusieurs de leurs œuvres. Le dernier aspect compositionnel important qui les relie est le théâtre musical, le théâtre instrumental ou le scénario musical imaginaire. Jean-Claude Risset parle souvent de « scénario sonore imaginaire » pour les œuvres mixtes (Du songe au son, 2008). Les deux types de sons – acoustiques et électroniques – représentent deux univers sonores distincts, et leur confrontation, leurs rapports créent chaque fois une théâtralité sonore ou une dramaturgie musicale consciemment élaborée.Les quinze contributions de cet ouvrage mettent en valeur ces traits communs ou explorent ces aspects innovants de leur création musicale.

François-Bernard Mâche est l’un des créateurs les plus innovants de la musique française contemporaine. De ses activités multiples résulte une œuvre qui regroupe à la fois des écrits d’un compositeur, d’un scientifique et d’un philosophe de la musique. Il est l’inventeur des notions de « zoo-musicologie » et de « phonographie » ; il est le premier à avoir réalisé en France une œuvre « spectrale » en transcrivant à l’orchestre les sonorités d’un poème récité de P. Eluard en 1964. Il est le père du courant appelé « naturalisme sonore » dès 1970.Pour célébrer son 80e anniversaire en 2015, deux centres de recherches se sont associés en organisant un colloque international et un concert à Paris (le Labex GREAM de l’université de Strasbourg et le laboratoire LISAA de l’université Paris-Est Marne-La-Vallée). Les vingt-deux musicologues ont dialogué selon les thématiques suivantes, propres à la création du compositeur et du penseur : I/Esthétique de la troisième voie, l’universel et le particulier ; II/Zoo-musicologie et chants d’oiseaux ; III/ Archétypes, modèles et dialogue des civilisations ; IV/ Écologie sonore et éco-mythologie ; V/ Musiques mixtes, musique spectrale. Le livre est accompagné d’un DVD qui contient des extraits du colloque et des tables-rondes, ainsi que le concert donné à Strasbourg par l’ensemble Accroche Note.

György Kurtág a célébré son quatre-vingt-dixième anniversaire en 2016. À cette occasion, deux centres de recherche ont proposé un colloque international à l’Institut hongrois de Paris. Les organisateurs souhaitaient rendre hommage à l’œuvre exceptionnelle du compositeur hongrois, mais aussi souligner et analyser ce qui forme le cœur vivant de l’expression musicale dans ses créations : la relation intimement nouée entre la composition et l’interprétation. Kurtág, plus qu’aucun autre compositeur peut-être, demande en effet une appréhension sensible et corporelle des signes, un mode de connaissance singulier, irréductible, qui conduit au cœur de l’expérience musicale – raison pour laquelle le colloque réunissait conférences, masterclasses et concerts.Trois aspects essentiels traversent les textes ici réunis : tout d’abord la dimension performative, renforcée par l’exigence du compositeur quant à la qualité de la sonorité, des gestes et de l’expression demandée aux interprètes?; le rapport à l’Histoire, à travers les références, hommages, évocations, citations, objets volés ou empruntés, déformés?; enfin, le rapport à la réécriture (gestes interprétés, écritures retravaillées).

L’étude des topoï littéraires et des topiques musicaux a connu, depuis les années 1990, un élan décisif. Plusieurs sociétés savantes et groupes de recherches internationaux se sont penchés sur l’élaboration d’une méthode de recherche en littérature et en musique fondée sur la connaissance des « lieux communs », en tant qu''ils relèvent des idées et de la pensée d’une époque donnée. Cet ouvrage – actes d’un colloque international trilingue - traite des grands topoï romantiques présents dans la musique de F. Liszt selon cinq thèmes ou chapitres :

I. Entre littérature, beaux-arts et mal du siècle (articles de Béatrice Didier, Siglind Bruhn, Mara Lacché, Marta Grabócz, François Decarsin, François-Gildas Tual, Laurence Le Diagon-Jacquin) ;II. Nouvelle esthétique, nouvelles formes au XIXe siècle (articles de Constantin Floros, Jean-Paul Olive , Bruno Moysan, Claudia Colombati, Albert Van der Schoot) ;III/ Présence de la femme et de l’amour dans la musique de Liszt (articles de Grégoire Caux, Megan McCarty, Yusuke Nakahara, Malgorzata Gamrat) ;IV. Nature et horizons lisztiens (articles de Bertrand Ott, Michael Eisenberg, Sandra Myers Brow,) ;V. Liszt et le piano romantique (articles de Nathalie Herold, Olivia Sham, Tibor Szász, Daniela Tsekova, Panu Heimonen, Kasimir Morski).

Depuis l’Antiquité, l’histoire de l’esthétique et de la réflexion philosophique portant sur la musique est marquée par un antagonisme profond. L’une des approches accentue les caractéristiques dites «?formelles?», mesurables et objectives des phénomènes musicaux, tandis que l’autre tient compte de l’expression, du rôle social, de la valeur communicative des œuvres musicales. De nos jours on constate le retour de la discorde. La musicologie actuelle peut être considérée comme la scène d’un champ de bataille acharnée entre deux forces antinomiques : celle des représentants du formalisme musical contemporain, et celle qui cherche – grâce aux outils théoriques empruntés à l’évolution récente des sciences humaines – à comprendre la manière dont la musique exprime ou signifie notre rapport au monde, aux unités culturelles de chaque époque historique. C’est de cette façon que les apports de la sémiotique et de la narratologie littéraire, de l’étude de l’intermédialité, des sciences cognitives, des performance studies, gender studies, etc., peuvent féconder la réflexion actuelle sur les œuvres musicales.Cet ouvrage réunit vingt-trois textes de musicologues parmi les plus grands spécialistes de renommée internationale dans le domaine de l’examen des signes musicaux et dans celui de l’organisation des éléments expressifs à l’intérieur d’une forme musicale instrumentale (narratologie musicale). La première partie aborde les questions théoriques soulevées par ces approches contemporaines ;la deuxième se consacre aux analyses d''œuvres (de Mozart jusqu’à la musique contemporaine).