Peter M Krakauer – författare

Klezmer - das ist Jüdische Musik und Jüdische Kultur. Manche bezeichnen mit Klezmer ein neues Genre, gleichzusetzen mit Jazz, andere sehen hingegen in Klezmer die verschwundene Musik einer kulturellen Minderheit. Klezmer ist dabei aber auch Musik, die ganz eindeutig zu erkennen ist, obwohl sie in den verschiedensten Stilen und vielen Varianten existiert. Das Buch gibt Einsichten in Herkunft und geschichtliche Entwicklung, Formen und Strukturen, Modi, Skalen und Harmonik, Aufführungspraxis und Improvisationsstile, Verzierungsarten und Instrumentationen von Klezmer-Musik. Darüber hinaus helfen Darstellungen zu zahlreichen Musikerpersönlichkeiten und ihrem kulturellen Umfeld, Klezmer zu definieren sowie das Phänomen in seinen vielen Facetten zu erforschen und zu erklären. Anhand von zwölf Transkriptionen eines der meistgespielten Klezmer Standards - des Heyser Bulgar - werden schliesslich dessen grundlegende Merkmale untersucht und verständlich gemacht. In den ausgewählten und sehr unterschiedlichen Interpretationen aus 80 Jahren Klezmer-Geschichte werden Unterschiede wie Gemeinsamkeiten der Klezmergruppen und -generationen fassbar.

Dieses Buch gibt einen einmaligen Überblick über das gesamte Schaffen Heinz Holligers (geb. 1939) - von den Jugendwerken bis zu Kompositionen neuesten Datums. Der gewählte Schwerpunkt Sprache, Atem, Schweigen, der Holligers Werk in seinem Kern trifft und nicht nur sein Vokal-, sondern auch sein Instrumentalschaffen prägt, ermöglicht intensive Einblicke in dessen Textwahl (wie Hölderlin, Trakl, Walser, Sachs, Celan, Beckett) sowie in dessen Streben nach übergeordneten Zusammenhängen. Die Kompositionen, die ausführlich analysiert werden, sind so gewählt, dass sowohl eine thematische Vielfalt gewährleistet ist, als auch die entsprechenden Entwicklungsphasen ausgewogen vertreten sind. Die facettenreiche Persönlichkeit des Komponisten wird durch die Wiedergabe längerer Interviews sowie die in jedes Kapitel eingebauten Kommentare Holligers deutlich. Die einzelnen Kapitel beginnen zumeist mit einer Einleitung, die möglichst alle Werke des entsprechenden Kontexts vorstellt und zueinander in Beziehung setzt. Die darauf aufbauenden Analysen führen von einer Gesamtpositionierung immer mehr ins Detail.

L’ultimo decennio dell’Ottocento è testimone della comparsa di una generazione di compositori ai quali già i contemporanei hanno prontamente riconosciuto il merito di aver risollevato le sorti dell’opera italiana, altrimenti agonizzante. Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo e Giacomo Puccini, accomunati dall’etichetta di «Giovane Scuola» sono stati i protagonisti di quella che può essere considerata l’ultima grande stagione del teatro d’opera italiano. Attraverso una scelta di articoli apparsi sui più importanti periodici inglesi dell’epoca, questo volume ripropone i toni ed analizza i termini di un dibattito critico fino ad oggi quasi del tutto inesplorato, avvenuto in un paese tradizionalmente poco incline alla spettacolarità ad effetto tipica dell’opera italiana ma, forse proprio per questo, estremamente attento a coglierne i limiti, i difetti e, non da ultimo, le qualità. Questioni come il malcostume, il divismo, lo star system, l’influenza del modello di Richard Wagner, la dimensione mondana ed il rapporto con il pubblico, sono affrontate con disincantata lucidità, restituendo la «Terra del Belcanto» (The Land of Song) al suo reale contesto storico, nell’Europa musicale di fine secolo.

Avec la publication de ce Dictionnaire de musique en 1767, Rousseau aura doté le domaine musical d’un ouvrage somptueux dont l’importance se compare à celle d’Émile pour l’éducation, du Contrat social pour les sciences politiques et sociales, de la Nouvelle Héloïse pour la littérature. On oublie à tort qu’avant de se lancer dans la philosophie et dans la littérature Rousseau était musicien. Dans ses écrits sur la musique, plus qu’ailleurs, le « fondateur des sciences de l’homme » soutient une théorie relativiste et comparatiste des cultures humaines. La musique lui paraissant d’emblée la sphère idéale pour discuter du règne des universaux et des particularismes, il est amené à engager une lutte implacable à l’encontre de la théorie du déterminisme acoustique selon laquelle l’harmonie tonale serait le signe d’un état supérieur du progrès humain. Cette édition moderne du Dictionnaire de musique de Jean-Jacques Rousseau présente deux caractéristiques. Elle est, en premier lieu, une édition comparée du Dictionnaire de musique et des articles de musique que Rousseau avait écrits, en 1749, pour la grande Encyclopédie de Diderot et d’Alembert. En second lieu, il s’agit d’une édition critique, une équipe de musicologues s’étant penchée sur ces textes pour en interpréter les contenus et valider l’apport de Rousseau au domaine des connaissances musicales.

Der in Fachkreisen wohlbekannte Sankt Galler Klosterlehrer Notker Labeo, Notker III. oder Teutonicus (ca. 950–1022), hinterließ als erster in Westeuropa eine Reihe umfangreicher Werke, in denen er viele musikalische Fachtermini aus der lateinischen und griechischen Sprache in die Volkssprache (das Althochdeutsche) übersetzte und ausführlich kommentierte. Der vorliegende Band untersucht Notkers Kommentar und ermöglicht neue Einsichten in Bezug auf die Musik des 10. und 11. Jahrhunderts. Die Untersuchungen sollen unseren Kenntnisstand über Musikinstrumente, aber auch über Spielbezeichnungen, Klangbezeichnungen, Namen von Personen, Völkern und mythischen Gestalten in Beziehung zur Musik, Gattungen und Incipits erweitern. Eine Konkordanz der Notkerschen Musik Termini, verbunden mit einem Kommentar, welcher die Lemmata knapp in ihrem musikgeschichtlichen Kontext darstellt, erwies sich als die hierfür meist adäquate Darstellungsform. Der Band trägt damit zur Ergänzung und Revision des aktuellen musikhistorischen Forschungsstands bei.

Ausgehend von einer Darstellung zentraler Konstellationen der ästhetischen Theorie Theodor W. Adornos werden zunächst Horizont und Grundlagen einer Ästhetik der Moderne umrissen, um diese anschliessend in Bezug auf die Klangflächenkomposition Spiegel (1960/61) von Friedrich Cerha analytisch zu konkretisieren. In der Annahme, mit denselben ästhetischen Kategorien weiterarbeiten zu können, führen analytische Skizzen zu Cerhas Exercises (1962-67) die musikalische Analyse jedoch in eine aporetische Situation, in welcher die Begrenztheit einer ästhetischen Theorie der Moderne auf das Deutlichste markiert wird. Der Versuch, das auf der Basis von Exercises entstandene Bühnenstück Netzwerk (1978/80) musikästhetisch zu entflechten, evoziert nunmehr die Aufnahme grundlegender Denkfiguren der Postmoderne. In Lektüre-Notizen zu einigen Texten von Gianni Vattimo, Jean-François Lyotard, Gilles Deleuze und Félix Guattari wird dementsprechend die mögliche Relevanz postmoderner Theorie-Konstellationen für das Denken und Sprechen über Musik zur Diskussion gestellt.

Gaetano Donizetti dominierte die italienische Oper von 1835 bis 1845 und erlebt seit einigen Jahren eine Renaissance. Diese Arbeit beschäftigt sich mit seinem permanenten Konflikt zwischen den pragmatischen Erfordernissen des Theaterbetriebs und dem Bemühen, die damals gültigen Formschemata den dramatischen Situationen anzupassen. Ausschlaggebend für die Untersuchungen waren die vielen Änderungen, die Donizetti in seinen Partituren vornahm. Inwieweit widerspiegeln diese Korrekturen künstlerische Absichten oder einfach praktische Notwendigkeiten? Diese Frage wurde auf verschiedenen Ebenen erörtert, ausgehend von Schwerpunkten wie der Cabaletta oder der Finalarie. Die Studie stützt sich in erster Linie auf die autographen Partituren und berücksichtigt auch wenig bekannte sowie frühe Werke. Damit entsteht ein facettenreiches Bild vom Schaffen eines Komponisten, der immer wieder überraschend experimentierfreudig mit den Konventionen seiner Zeit umging.

Die beiden Künstlerinnen setzen mit ihrer Zusammenarbeit seit Jahren neue Akzente in der österreichischen Opern-, Musiktheater- und Theaterszene. Jelinek (Literaturnobelpreis 2004) als kritische Literatin und Neuwirth als ebensolche Komponistin bilden zusammen ein progressives Duo, ihre gemeinsamen Werke zeugen von inhaltlicher und musikalischer Innovation und fordern das Publikum heraus. Diese Studie gliedert die beiden Künstlerinnen in die zeitgenössische Musik- bzw. Literaturszene ein und umreißt biographisch sowie ästhetisch deren jeweiliges Kunstschaffen. Es werden die Entstehungshistorien, Librettovorlagen, Stilistika und thematischen Schwerpunkte folgender sechs Musiktheaterwerke detailliert behandelt und verglichen: «Robert der Teufel», «Körperliche Veränderungen», «Der Wald», «Aufenthalt», «Bählamms Fest», «Lost Highway».

Il primo libro in lingua italiana pubblicato su Ferdinando Paer (1771-1839) illustra la vita e l’arte del massimo esponente dell’opera italiana in Europa in epoca prerossiniana. A Parigi dal 1807, Paer fu maestro degli spettacoli alla corte di Napoleone e dei Borbone e direttore del Théâtre Italien, divenendo una delle figure artistiche più influenti di quegli anni. Attraverso la sua biografia il libro offre un illuminante spaccato della vita musicale parigina nella prima metà dell’Ottocento. Le opere analizzate – da Griselda a Leonora, da Sofonisba ad Agnese – suscitano numerose questioni. In quali forme la sinfonia, l’aria, il duetto, i pezzi d’assieme e i finali concertati di Paer preparano l’imminente rinnovamento dell’opera italiana? E in ambito francese, quali sono le esperienze che portano il maestro parmigiano a comporre un capolavoro dell’opéra-comique come Le maître de chapelle? Il libro, corredato da una ricca appendice di lettere e documenti, guida il lettore alla conoscenza concreta di Paer, delle sue opere e del loro significato nella storia della musica del primo Ottocento.