Ulrich Tadday – författare

Seine Musik hat ihn unsterblich gemacht. Doch wer war Robert Schumann? Als Komponisten und Virtuosen, Dichter und Journalisten, Freund und Ehemann lernt der Leser ihn kennen und findet Zugang zu seiner Literatur-, Musik- und Kunstanschauung. Im Mittelpunkt stehen Schumanns kompositorisches Lebenswerk und seine Kompositionsweise. Geordnet nach Gattungen liefert das Handbuch einen umfangreichen Überblick über sein gesamtes Werk. Schumanns Schaffen spiegelt sich auch in der Musik anderer Komponisten wider. In welchen Werken erkennt man seinen Einfluss? Wie haben Musikgeschichtsschreibung, Belletristik und Film Schumann gewürdigt? Die namhaften Autoren zeichnen ein neues, spannendes Bild.

Die Musik gilt seit jeher als die "romantische" Kunst schlechthin. Ähnlich diffus und ahistorisch ist die Verwendung des Begriffs "Romantik" bis heute in der Musikgeschichtsschreibung und Musikwissenschaft. In seiner Diskursgeschichte gibt Ulrich Tadday eine souverän geschriebene und urteilende Darstellung der ästhetischen Wurzeln, Vorstellungen und Nachwirkungen der romantischen Musik.

Seine Musik hat ihn unsterblich gemacht. Doch wer war Robert Schumann? Als Komponisten und Virtuosen, Dichter und Journalisten, Freund und Ehemann lernt der Leser ihn kennen und findet Zugang zu seiner Literatur-, Musik- und Kunstanschauung. Im Mittelpunkt stehen Schumanns kompositorisches Lebenswerk und seine Kompositionsweise. Geordnet nach Gattungen liefert das Handbuch einen umfangreichen Überblick über sein gesamtes Werk. Schumanns Schaffen spiegelt sich auch in der Musik anderer Komponisten wider. In welchen Werken erkennt man seinen Einfluss? Wie haben Musikgeschichtsschreibung, Belletristik und Film Schumann gewürdigt? Die namhaften Autoren zeichnen ein neues, spannendes Bild.

Die Musik gilt seit jeher als die "romantische" Kunst schlechthin. Ähnlich diffus und ahistorisch ist die Verwendung des Begriffs "Romantik" bis heute in der Musikgeschichtsschreibung und Musikwissenschaft. In seiner Diskursgeschichte gibt Ulrich Tadday eine souverän geschriebene und urteilende Darstellung der ästhetischen Wurzeln, Vorstellungen und Nachwirkungen der romantischen Musik.

Wer die Welt des Komponisten Walter Zimmermann (*1949) bereist, überquert nicht nur musikalische, sondern auch literarische und philosophische Kontinente.Man begegnet Novalis, Hölderlin, Nietzsche und Wittgenstein, reist über die Seidenstraße und ist mit Zimmermann bei amerikanischen Komponisten zu Hause. Allein ein flüchtiger Blick in das Findbuch des Walter-Zimmermann-Archivs der Akademie der Künste, Berlin genügt, um einen Eindruck von der intellektuell tiefen Dimension des Komponisten zu erhalten. Die Beiträge des Bandes gehen der Frage nach, wie sich dieser Gedankenkosmos in der Musik von Walter Zimmermann Ausdruck verschafft.Mit Beiträgen von Stefan Drees, Thomas Groetz, Susanne Heiter, Martin Kaltenecker, Walter-Wolfgang Sparrer, Werner Strinz und Dirk Wieschollek.

Wer die Welt des Komponisten Walter Zimmermann (*1949) bereist, überquert nicht nur musikalische, sondern auch literarische und philosophische Kontinente.Man begegnet Novalis, Hölderlin, Nietzsche und Wittgenstein, reist über die Seidenstraße und ist mit Zimmermann bei amerikanischen Komponisten zu Hause. Allein ein flüchtiger Blick in das Findbuch des Walter-Zimmermann-Archivs der Akademie der Künste, Berlin genügt, um einen Eindruck von der intellektuell tiefen Dimension des Komponisten zu erhalten. Die Beiträge des Bandes gehen der Frage nach, wie sich dieser Gedankenkosmos in der Musik von Walter Zimmermann Ausdruck verschafft.Mit Beiträgen von Stefan Drees, Thomas Groetz, Susanne Heiter, Martin Kaltenecker, Walter-Wolfgang Sparrer, Werner Strinz und Dirk Wieschollek.

Der Name von Detlev Glanert (*1960) ist in aller Munde: anerkannt als bedeutender Opernkomponist und ebenso bewundert für seine zahlreichen Instrumentalwerke.Als überaus erfolgreicher Opernkomponist ist Glanert beseelt von einer "absolut altmodischen Liebe zum Theater" und berühmt für seine Werke, in denen er auf der Bühne eine "Raumverkrümmung zwischen Vergangenheit und Gegenwart" stattfinden lässt. Ebenso wird er für seine Instrumentalkompositionen geschätzt, vor allem für seine Sinfonien und Konzerte. Es ist sowohl die Aktualität seiner Werke, die Detlev Glanert (auch) in Auseinandersetzung mit der Tradition schafft, als auch und nicht zuletzt deren hohe kompositorische Qualität, die Theater- und Konzertbesucher gleichermaßen in den Bann zieht.Mit Beiträgen von Gabriele Groll, Frank Harders-Wuthenow, Gordon Kampe, Janina Müller, Rainer Nonnenmann, Kerstin Schüssler-Bach, Michael Schwalb und Habakuk Traber.

Der Name von Detlev Glanert (*1960) ist in aller Munde: anerkannt als bedeutender Opernkomponist und ebenso bewundert für seine zahlreichen Instrumentalwerke.Als überaus erfolgreicher Opernkomponist ist Glanert beseelt von einer "absolut altmodischen Liebe zum Theater" und berühmt für seine Werke, in denen er auf der Bühne eine "Raumverkrümmung zwischen Vergangenheit und Gegenwart" stattfinden lässt. Ebenso wird er für seine Instrumentalkompositionen geschätzt, vor allem für seine Sinfonien und Konzerte. Es ist sowohl die Aktualität seiner Werke, die Detlev Glanert (auch) in Auseinandersetzung mit der Tradition schafft, als auch und nicht zuletzt deren hohe kompositorische Qualität, die Theater- und Konzertbesucher gleichermaßen in den Bann zieht.Mit Beiträgen von Gabriele Groll, Frank Harders-Wuthenow, Gordon Kampe, Janina Müller, Rainer Nonnenmann, Kerstin Schüssler-Bach, Michael Schwalb und Habakuk Traber.

"Logos agraphos. Die Entdeckung des Tones in der Musik" – so lautet der Titel der Dissertation von Jakob Ullmann. Ungeschriebene Rede ist aber nicht bloß ein Titel, sondern auch ästhetisches Programm, soll heißen, wesentlicher Teil der Musik Ullmanns, seines Musikdenkens. Die Entdeckung des Tones findet bei Ullmann am Scheitelpunkt des Noch-Nicht-Doch-Schon, an der Schwelle der Stille zum Klang statt – leise, sehr leise. Auf seinen, wenn man so will, Entdeckungsreisen eröffnet Jakob Ullmann kompositorisch Räume, Räume für Musik, neue wie alte Töne, und Räume zur Reflexion.Der Band stellt Jakob Ullmann und sein von Stille und geistiger Tiefe geprägtes Musikdenken vor. Er untersucht die Eigenweltlichkeit der Töne und Klänge sowie die besondere Form der Schriftlichkeit und die damit verbundenen Möglichkeiten der praktischen Realisierung. Beleuchtet werden die Kompositionen "PRAHA: celetná – karlova – maiselova", "Solo V" und "Müntzers Stern".Mit Beiträgen von Albert Breier, Thomas Groetz, Lukas Rickli, Jaronas Scheurer, Rainer Schmusch und Yuval Shaked.

"Logos agraphos. Die Entdeckung des Tones in der Musik" – so lautet der Titel der Dissertation von Jakob Ullmann. Ungeschriebene Rede ist aber nicht bloß ein Titel, sondern auch ästhetisches Programm, soll heißen, wesentlicher Teil der Musik Ullmanns, seines Musikdenkens. Die Entdeckung des Tones findet bei Ullmann am Scheitelpunkt des Noch-Nicht-Doch-Schon, an der Schwelle der Stille zum Klang statt – leise, sehr leise. Auf seinen, wenn man so will, Entdeckungsreisen eröffnet Jakob Ullmann kompositorisch Räume, Räume für Musik, neue wie alte Töne, und Räume zur Reflexion.Der Band stellt Jakob Ullmann und sein von Stille und geistiger Tiefe geprägtes Musikdenken vor. Er untersucht die Eigenweltlichkeit der Töne und Klänge sowie die besondere Form der Schriftlichkeit und die damit verbundenen Möglichkeiten der praktischen Realisierung. Beleuchtet werden die Kompositionen "PRAHA: celetná – karlova – maiselova", "Solo V" und "Müntzers Stern".Mit Beiträgen von Albert Breier, Thomas Groetz, Lukas Rickli, Jaronas Scheurer, Rainer Schmusch und Yuval Shaked.

Der Franzose Tristan Murail zählt zu den Hauptvertretern der sogenannten "musique spectrale". Gemeinsam mit Hugues Dufourt, Gérard Grisey, Michaël Levinas und Roger Tessier gründete er 1973 das "Ensemble l''Itinéraire".Tristan Murail (*1947 in Le Havre) gehört zur ersten Generation französischer Spektralisten, die ihr musikalisches Denken seit den frühen 1970er Jahren nicht auf die serielle Organisation der musikalischen Parameter, sondern prozesshaft-dynamisch auf den Klang und die Klangfarbe durch das Komponieren mit Teiltonspektren richteten. Die Klangwelten Murails sind zudem durch eine strukturelle Mehrdeutigkeit geprägt, zu der auch – wie zuerst in "Désintégration" (1982–83) – die Verbindung von instrumentalen und elektronischsynthetischen Klängen gehört.Mit Beiträgen von Barbara Barthelmes, Amy Bauer, Carl Tertio Druml, Joshua Fineberg, Lukas Haselböck, Volker Helbing, Pierre Michel, Daniel Moser, Tristan Murail, Ingrid Pustijanac, Oliver Schneller, Ewa Schreiber, Alexander Stankovski und Christian Utz.

Der Franzose Tristan Murail zählt zu den Hauptvertretern der sogenannten "musique spectrale". Gemeinsam mit Hugues Dufourt, Gérard Grisey, Michaël Levinas und Roger Tessier gründete er 1973 das "Ensemble l''Itinéraire".Tristan Murail (*1947 in Le Havre) gehört zur ersten Generation französischer Spektralisten, die ihr musikalisches Denken seit den frühen 1970er Jahren nicht auf die serielle Organisation der musikalischen Parameter, sondern prozesshaft-dynamisch auf den Klang und die Klangfarbe durch das Komponieren mit Teiltonspektren richteten. Die Klangwelten Murails sind zudem durch eine strukturelle Mehrdeutigkeit geprägt, zu der auch – wie zuerst in "Désintégration" (1982–83) – die Verbindung von instrumentalen und elektronischsynthetischen Klängen gehört.Mit Beiträgen von Barbara Barthelmes, Amy Bauer, Carl Tertio Druml, Joshua Fineberg, Lukas Haselböck, Volker Helbing, Pierre Michel, Daniel Moser, Tristan Murail, Ingrid Pustijanac, Oliver Schneller, Ewa Schreiber, Alexander Stankovski und Christian Utz.

George Enescu, geboren 1881 in Liveni (Rumänien) und 1955 in Paris gestorben, war Komponist, Geiger, Pianist, Dirigent und Pädagoge.Die Enescu-Rezeption ist janusköpfig: Als Geigenvirtuose seit frühester Kindheit an gefeiert und verehrt, bleibt Enescu als Komponist selbst heute noch oft unverstanden. Dies liegt nicht nur daran, dass man in ihm einen im rumänischen Volkston komponierenden Virtuosen sieht, anstatt einen virtuosen Komponisten, der Sinfonien, Suiten, eine Oper, Sonaten, Quartette sowie unterschiedlich große Orchester- und Kammermusikwerke von hoher Qualität geschaffen hat, sondern auch daran, dass Enescu nicht die (verlegerische) Unterstützung erfahren hat, die er als Komponist auf internationaler Ebene benötigt und ganz gewiss verdient hätte.Mit Beiträgen von Dan Dediu, Corneliu Dan Georgescu, Adalbert Grote, Michael Heinemann, Roberto Reale und Valentina Sandu-Dediu.

George Enescu, geboren 1881 in Liveni (Rumänien) und 1955 in Paris gestorben, war Komponist, Geiger, Pianist, Dirigent und Pädagoge.Die Enescu-Rezeption ist janusköpfig: Als Geigenvirtuose seit frühester Kindheit an gefeiert und verehrt, bleibt Enescu als Komponist selbst heute noch oft unverstanden. Dies liegt nicht nur daran, dass man in ihm einen im rumänischen Volkston komponierenden Virtuosen sieht, anstatt einen virtuosen Komponisten, der Sinfonien, Suiten, eine Oper, Sonaten, Quartette sowie unterschiedlich große Orchester- und Kammermusikwerke von hoher Qualität geschaffen hat, sondern auch daran, dass Enescu nicht die (verlegerische) Unterstützung erfahren hat, die er als Komponist auf internationaler Ebene benötigt und ganz gewiss verdient hätte.Mit Beiträgen von Dan Dediu, Corneliu Dan Georgescu, Adalbert Grote, Michael Heinemann, Roberto Reale und Valentina Sandu-Dediu.

Der Osterreicher Clemens Gadenstatter (*1966) studierte zunachst Komposition bei Erich Urbaner und Flote bei Wolfgang Schulz an der Musikhochschule Wien, danach Komposition bei Helmut Lachenmann an der Musikhochschule in Stuttgart. Seit 2003 lehrt er als Professor fur Musiktheorie und -analyse an der Musikuniversitat Graz. Sein Komponieren beschreibt Gadenstatter als "e;Arbeit an der Welt, an mir in dieser Welt"e; (2014), und zwar in Form einer "e;Re-Synthese also die Konstruktion von Meta-Kontexten "e;, die zu einer "e;Neubestimmung der Elemente"e; fuhren soll (2000). Damit bezeichnet ist eine Musikasthetik, die die Kontingenz musikalischer Wahrnehmung kompositorisch in den Fokus nimmt, um neue existenzielle Erfahrungen durch Musik zu ermoglichen. Mit Beitragen von Alberto Arroyo, Jorn Peter Hiekel, Andreas Karl, Susanne Kogler, Michael Rebhahn und Monika Voithofer.

Der Österreicher Clemens Gadenstätter (*1966) studierte zunächst Komposition bei Erich Urbaner und Flöte bei Wolfgang Schulz an der Musikhochschule Wien, danach Komposition bei Helmut Lachenmann an der Musikhochschule in Stuttgart. Seit 2003 lehrt er als Professor für Musiktheorie und -analyse an der Musikuniversität Graz.Sein Komponieren beschreibt Gadenstätter als "Arbeit an der Welt, an mir in dieser Welt" (2014), und zwar in Form einer "Re-Synthese – also die Konstruktion von Meta-Kontexten –", die zu einer "Neubestimmung der Elemente" führen soll (2000). Damit bezeichnet ist eine Musikästhetik, die die Kontingenz musikalischer Wahrnehmung kompositorisch in den Fokus nimmt, um neue existenzielle Erfahrungen durch Musik zu ermöglichen.Mit Beiträgen von Alberto Arroyo, Jörn Peter Hiekel, Andreas Karl, Susanne Kogler, Michael Rebhahn und Monika Voithofer.

Heiner Goebbels (*1952) – weder der Tradition des Musikmuseums noch dem Fortschritt der Avantgarde fühlt er sich verpflichtet. Er geht seinen eigenen Weg.Heiner Goebbels eilt der Ruf voraus, ein unkonventioneller Komponist zu sein. Der Katalog seiner Werke umfasst Kompositionen für das Musiktheater und die Bühne, für größeres Orchester und kleinere Ensembles, auch Kammermusik. Hinzu kommen Ballett- und Filmmusiken, Tonbandkompositionen, Installationen und Hörstücke für das Radio. In jedem einzelnen Werk sucht Goebbels seinen eigenen Weg. Die Autorinnen und Autoren des Heftes versuchen, ihm ein Stück dieses Weges zu folgen.Die Beiträge des Heftes untersuchen dabei Werke wie "Schwarz auf Weiß" (1996), "Eislermaterial" (1998) und "Stifters Dinge" (2007). Zudem ist die intensive Beziehung zwischen Heiner Goebbels und Heiner Müller Gegenstand. Der Band enthält außerdem ein Gespräch zwischen Heiner Goebbels und Achim Heidenreich.

Heiner Goebbels (*1952) – weder der Tradition des Musikmuseums noch dem Fortschritt der Avantgarde fühlt er sich verpflichtet. Er geht seinen eigenen Weg.Heiner Goebbels eilt der Ruf voraus, ein unkonventioneller Komponist zu sein. Der Katalog seiner Werke umfasst Kompositionen für das Musiktheater und die Bühne, für größeres Orchester und kleinere Ensembles, auch Kammermusik. Hinzu kommen Ballett- und Filmmusiken, Tonbandkompositionen, Installationen und Hörstücke für das Radio. In jedem einzelnen Werk sucht Goebbels seinen eigenen Weg. Die Autorinnen und Autoren des Heftes versuchen, ihm ein Stück dieses Weges zu folgen.Die Beiträge des Heftes untersuchen dabei Werke wie "Schwarz auf Weiß" (1996), "Eislermaterial" (1998) und "Stifters Dinge" (2007). Zudem ist die intensive Beziehung zwischen Heiner Goebbels und Heiner Müller Gegenstand. Der Band enthält außerdem ein Gespräch zwischen Heiner Goebbels und Achim Heidenreich.

Alvin Luciers populärste Arbeit "I Am Sitting in a Room" aus dem Jahr 1969 gilt als eine der bedeutendsten experimentellen Kompositionen des 20. Jahrhunderts überhaupt.Der Komponist Alvin Lucier (*1931) ist ein wichtiger Vertreter der amerikanischen Musik der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ob während der Phase der Live-Elektronik in den 1960er und 1970er Jahren mittels Verbalpartituren oder seit den frühen 1980er Jahren anhand traditionell notierter Instrumentalstücke: Lucier fokussiert entsprechend konsequent akustische und akustisch generierte Phänomene wie minutiös geplante Schwebungen oder Raumresonanzen. Verstanden als ästhetische Reflexionen verweisen diese ebenso minimalistischen wie abwechslungsreichen Werke neben der Phänomenalität des Klangs stets auch auf die Wahrnehmung der Wahrnehmung selbst. Das gewöhnlich Unhörbare wird hörbar, aber auch Hörbares wird auf ungewöhnliche Weise sichtbar.

Alvin Luciers populärste Arbeit "I Am Sitting in a Room" aus dem Jahr 1969 gilt als eine der bedeutendsten experimentellen Kompositionen des 20. Jahrhunderts überhaupt.Der Komponist Alvin Lucier (*1931) ist ein wichtiger Vertreter der amerikanischen Musik der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ob während der Phase der Live-Elektronik in den 1960er und 1970er Jahren mittels Verbalpartituren oder seit den frühen 1980er Jahren anhand traditionell notierter Instrumentalstücke: Lucier fokussiert entsprechend konsequent akustische und akustisch generierte Phänomene wie minutiös geplante Schwebungen oder Raumresonanzen. Verstanden als ästhetische Reflexionen verweisen diese ebenso minimalistischen wie abwechslungsreichen Werke neben der Phänomenalität des Klangs stets auch auf die Wahrnehmung der Wahrnehmung selbst. Das gewöhnlich Unhörbare wird hörbar, aber auch Hörbares wird auf ungewöhnliche Weise sichtbar.

Rolf Riehm (*1937) ist ein eigenwilliger Künstler. Niemand vor ihm hat einen so komplexen Kosmos aus philosophischen Reflexionen, historischen Fakten, Mythen, Märchen, Erinnerungen, naturwissenschaftlichen Argumenten, Erhabenem und Trivialem, aktuellen gesellschaftspolitischen Befunden, ganz persönlichen Zutaten und Zuwendungen musikalisch versinnlicht.Die Musik von Rolf Riehm wird von dem moralischen Anspruch getragen, wahrhaftig zu sein. Sie setzt sich ins Verhältnis zur gegenwärtigen Welt und wird dadurch politisch. Dabei steht sie immer auch im Verhältnis zu ihren Hörern, die so ein jeweils einzigartiges Hörerlebnis aktiv mitgestalten sollen. Dadurch kann sie emotiv und kognitiv wirksam werden – menschlich. So wie die Welt und die Menschen ist Riehms Musik im Ausdruck stets wandelbar und nie vorhersehbar. Warum dies so ist und wie dies geschieht, danach fragt dieser Band.

Rolf Riehm (*1937) ist ein eigenwilliger Künstler. Niemand vor ihm hat einen so komplexen Kosmos aus philosophischen Reflexionen, historischen Fakten, Mythen, Märchen, Erinnerungen, naturwissenschaftlichen Argumenten, Erhabenem und Trivialem, aktuellen gesellschaftspolitischen Befunden, ganz persönlichen Zutaten und Zuwendungen musikalisch versinnlicht.Die Musik von Rolf Riehm wird von dem moralischen Anspruch getragen, wahrhaftig zu sein. Sie setzt sich ins Verhältnis zur gegenwärtigen Welt und wird dadurch politisch. Dabei steht sie immer auch im Verhältnis zu ihren Hörern, die so ein jeweils einzigartiges Hörerlebnis aktiv mitgestalten sollen. Dadurch kann sie emotiv und kognitiv wirksam werden – menschlich. So wie die Welt und die Menschen ist Riehms Musik im Ausdruck stets wandelbar und nie vorhersehbar. Warum dies so ist und wie dies geschieht, danach fragt dieser Band.

Sicherlich, es gibt klangliche Konstanten in der Tonsprache Vaughan Williams''. Dazu zählen nicht zuletzt die ''tudor tunes'', womit der Gebrauch modaler Skalen aus der Musik der englischen Renaissance, hauptsächlich der Volks- und Kirchenmusik, gemeint sein soll, oder die Verwendung einer spätromantischen Harmonik, die bewusst auf eine allgemeine Verständlichkeit von Musik abhebt, die im humanistischen Sinne Vaughan Williams'' nicht im elitären Geist geschaffen sein sollte. Es wäre allerdings reichlich verfehlt, den Kompositionsstil Vaughan Williams'' über einzelne Stilmerkmale identifizieren zu wollen, anstatt auf das Ganze seines musikalischen Ausdrucks zu gehen. Deshalb kommen im Sonderband nicht nur die bekannten und beliebten Sinfonien Vaughan Williams'' zu Sprache, sondern darüber hinaus auch seine weitere Instrumentalmusik, Kammermusik und Lieder sowie seine Chor- und Sakralmusik, seine Opern, vor allem "The Pilgrim''s Progress", und nicht zuletzt auch seine Bühnen- und Filmmusik – also das breite Spektrum einer Musik, die es verdient, im deutschsprachigen Raum noch weiter bekannt gemacht zu werden. Der Sonderband kann damit als eine Art Handbuch dienen.

Sicherlich, es gibt klangliche Konstanten in der Tonsprache Vaughan Williams''. Dazu zählen nicht zuletzt die ''tudor tunes'', womit der Gebrauch modaler Skalen aus der Musik der englischen Renaissance, hauptsächlich der Volks- und Kirchenmusik, gemeint sein soll, oder die Verwendung einer spätromantischen Harmonik, die bewusst auf eine allgemeine Verständlichkeit von Musik abhebt, die im humanistischen Sinne Vaughan Williams'' nicht im elitären Geist geschaffen sein sollte. Es wäre allerdings reichlich verfehlt, den Kompositionsstil Vaughan Williams'' über einzelne Stilmerkmale identifizieren zu wollen, anstatt auf das Ganze seines musikalischen Ausdrucks zu gehen. Deshalb kommen im Sonderband nicht nur die bekannten und beliebten Sinfonien Vaughan Williams'' zu Sprache, sondern darüber hinaus auch seine weitere Instrumentalmusik, Kammermusik und Lieder sowie seine Chor- und Sakralmusik, seine Opern, vor allem "The Pilgrim''s Progress", und nicht zuletzt auch seine Bühnen- und Filmmusik – also das breite Spektrum einer Musik, die es verdient, im deutschsprachigen Raum noch weiter bekannt gemacht zu werden. Der Sonderband kann damit als eine Art Handbuch dienen.

Das Gedicht "Der Ginster oder die Blume der Wüste" (1834/37) von Giacomo Leopardi ist Inbegriff eines romantischen Pessimismus, der wie ein Stachel im Fleische der Aufklärung sitzt. Die Musik des Komponisten Klaus Ospald (*1956) ist der Poesie Leopardis im Geiste verwandt.Nicht von ungefähr hat Klaus Ospald in den Jahren 2005–12 einen Leopardi-Zyklus geschaffen, der sechs Werke vereint. Eines davon, die zweite Kammersinfonie "La ginestra o il fi ore del deserto" für Sopran und Kammerensemble (2005/06), stellt dieser Band vor. Andere Werke wie das "Quintett von den entlegenen Feldern" für Klarinette, Klavier, Violine, Viola, Violoncello und Live-Elektronik (2012) oder "Más raíz, menos criatura" ("Entlegene Felder" III) für Orchester, Kammerchor und Klavier nach einem Gedicht von Miguel Hernández (2014/15) werden ausführlich zur Sprache gebracht. Dabei erscheinen Ospalds Kompositionen von einer starken sinnlichen, teilweise erschütternden Kraft, die die Fantasie beflügeln durch Melancholie und Humor. Es scheint, als sei Ospalds Musik selbst der Ginster oder die Blume der Wüste – um mit Leopardi zu sprechen – auf dem "Sandkörnchen, das den Namen Erde trägt".

Das Gedicht "Der Ginster oder die Blume der Wüste" (1834/37) von Giacomo Leopardi ist Inbegriff eines romantischen Pessimismus, der wie ein Stachel im Fleische der Aufklärung sitzt. Die Musik des Komponisten Klaus Ospald (*1956) ist der Poesie Leopardis im Geiste verwandt.Nicht von ungefähr hat Klaus Ospald in den Jahren 2005–12 einen Leopardi-Zyklus geschaffen, der sechs Werke vereint. Eines davon, die zweite Kammersinfonie "La ginestra o il fi ore del deserto" für Sopran und Kammerensemble (2005/06), stellt dieser Band vor. Andere Werke wie das "Quintett von den entlegenen Feldern" für Klarinette, Klavier, Violine, Viola, Violoncello und Live-Elektronik (2012) oder "Más raíz, menos criatura" ("Entlegene Felder" III) für Orchester, Kammerchor und Klavier nach einem Gedicht von Miguel Hernández (2014/15) werden ausführlich zur Sprache gebracht. Dabei erscheinen Ospalds Kompositionen von einer starken sinnlichen, teilweise erschütternden Kraft, die die Fantasie beflügeln durch Melancholie und Humor. Es scheint, als sei Ospalds Musik selbst der Ginster oder die Blume der Wüste – um mit Leopardi zu sprechen – auf dem "Sandkörnchen, das den Namen Erde trägt".

Der Komponist Jürg Baur (1918–2010) lehnte sich nie an eine Schule oder Richtung an. Immer ging er einen eigenen Weg und bezog dabei all das ein, was ihn interessierte. Sein Ziel war es, komplexe avantgardistische Techniken in eine ausdrucksvolle, moderne Sprache umzuwandeln.Ein Grund für die Popularität und Aktualität seiner Musik dürfte vor allem in der Eigenheit seiner Kompositionen liegen, die die Geschichte gewordene Avantgarde überdauert hat. Seinem eigenen Bekunden nach war Jürg Baur "nie Avantgardist" (Baur 1968), Darmstadt und Donaueschingen waren nicht seine Welt. Weder sind seine Kompositionen von einem dogmatisch gefassten Materialbegriff bestimmt noch von einem ideologisch motivierten Fortschrittsglauben getragen. Dennoch war Baur kein Anti-Avantgardist. Seine kompositorische Entwicklung vollzog sich nämlich nicht gegen, sondern gewissermaßen mit der Avantgarde und der Zeit, die sich im Laufe der Jahre änderte wie der Kompositionsstil Baurs auch, ohne dass dieser beliebig geworden wäre. Baur war kein Postmoderner. Indem er die Musik der Vergangenheit (Gesualdo, Mozart, Schumann) in seinen Werken gegenwärtig werden ließ, schlug er eine Brücke in unsere Zukunft. Baur behauptete keineswegs die Kontinuität der Geschichte – er war kein Traditionalist –, behauptete aber auch nicht das Gegenteil. Die Musik Jürg Baurs ist in der Gegenwärtigkeit nicht gefangen, sie ist ihr entflohen.