E.A. Seemann Henschel Verlag GmbH & Co. KG – förlag

Willi Sitte (1921–2013) ist der bekannteste und zugleich umstrittenste Maler der DDR. Diese Publikation zeigt erstmals seit der Wiedervereinigung das zwischen den 1930er Jahren und der Jahrtausendwende entstandene Gesamtwerk des Künstlers. Gleichzeitig rekonstruiert der Band sein Wirken als Kulturpolitiker und Präsident des Verbands Bildender Künstler in der DDR. Damit liegt nun die erste umfassende und sachliche Auseinandersetzung mit Leben und Werk des Künstlers vor.Willi Sitte war als Maler und Grafker, Hochschullehrer und einflussreicher Kulturfunktionär einer der wichtigsten Repräsentanten des offiziellen Kunstsystems der DDR. Die spannungsreiche Entwicklung des Künstlers – zwischen seinem Eintreten für Autonomie und Moderne sowie seinem Engagement für das Kunstprogramm des Sozialistischen Realismus – wird anhand wichtiger Werke aus öffentlichen und privaten Sammlungen ausführlich diskutiert. Viele von ihnen sind erstmals seit Jahrzehnten wieder gemeinsam in einer großen Retrospektive anlässlich seines 100. Geburtstags im Kunst-museum Moritzburg Halle (Saale) zu sehen. Das eindrucksvoll bebilderte Buch zeichnet das Agieren Sittes, seine Motivation und Beweggründe wie auch seine fortschreitend das System stärkende Rolle nach. Es setzt sich aber auch mit der Verschränkung von Kunst und Politik im DDR-Staatssystem auseinander. Die profund recherchierte Darstellung der Hintergründe vermittelt ein neues Bild vom Aufstieg des Malers zum einflussreichsten Künstler der DDR.

Kein anderer war in der deutschen Theaterlandschaft über Epochen und Systeme hinweg so präsent wie der Schauspieler und Regisseur Gustaf Gründgens (1899–1963). Auch 50 Jahre nach seinem Tod polarisiert der Künstler nicht zuletzt wegen seiner kontrovers diskutierten Rolle im Dritten Reich. Gründgens'' anhaltende Bedeutung zeigt sich auch in der großen Zahl der wissenschaftlichen Untersuchungen, Romane und Theaterstücke, die sich mit ihm und seinem Leben beschäftigen. Was die Biografie des Gründgens-Experten Thomas Blubacher aus diesen Werken heraushebt, ist die Fülle an neuen biografischen Details, die der Theaterwissenschaftler in akribischer Recherche und durch zahlreiche Gespräche mit Zeitzeugen herausgefunden hat. Seine lebendige Darstellung des "Mythos GG" ist somit das Porträt eines erstaunlich unsicheren, an sich selbst verzweifelnden, zutiefst einsamen Menschen. Blubacher zeigt, was häufig in Vergessenheit gerät: Gustaf Gründgens ist weit mehr als Mephisto, seine bekannteste Rolle.

"Traumberuf Tänzer" ist ein unentbehrliches Handbuch für alle, die sich über die Situation und beruflichen Möglichkeiten professioneller Tänzer informieren möchten. Junge Ballett-, Jazz-, Modern-Dance oder HipHop-Begeisterte, die ihr Hobby zum Beruf machen wollen, werden ebenso angesprochen wie Tänzer in und nach der Berufsausbildung, die ihren persönlichen Weg im Arbeitsfeld Tanz suchen. Der Leser erhält Einblick in den Berufsalltag von Tänzern sowie das nötige Know-How zu Ausbildungsmöglichkeiten und Arbeitsmarkt. Beleuchtet werden dabei auch Aspekte wie "Aufnahmeprüfung", "Auditions", "Tanzmedizin" und die "Transition" nach der Profikarriere. Ein umfassender Anhang mit Verzeichnissen zu Ausbildungsstätten, Jobbörsen, Tanzportalen, Fachliteratur etc. macht das Buch zugleich zu einem nützlichen Nachschlagewerk.

Viele junge Menschen, die gerne singen, verspüren den Drang, ihr Können zu professionalisieren. Nach wie vor gilt dabei die Oper als reizvolles berufliches Umfeld, das mit Anna Netrebko oder Jonas Kaufmann regelrechte Popstars hervorgebracht hat. Doch Opernsänger wird man nicht einfach so. Und selbst wenn man erfolgreich eine Ausbildung absolviert hat, ist dies noch keine Garantie dafür, dass der Einstieg in den Beruf glückt oder es mit der Karriere vorwärtsgeht. Der ehemalige Intendant der Sächsischen Staatsoper Gerd Uecker vermittelt in seinem Praxisratgeber anschaulich, welche Stufen der junge Sänger zu durchlaufen hat – angefangen bei den persönlichen Voraussetzungen über Ausbildungswege, Vorsingen und erste Engagements bis hin zu Opernalltag, Umgang mit der Stimme, Krisen und alternativen Berufswegen.

So können Musiker gut und gesund ein Leben lang spielenErfahrene Musiker kennen die Warnzeichen ihres Körpers: Ein leichter Spannungskopfschmerz, Schwindel oder Gelenkschmerzen sind ein sicheres Zeichen, dass ihnen die Musik in letzter Zeit wichtiger war als die eigene Gesundheit. Die Gründe für gesundheitliche Probleme bei Musikern und Sängern können vielfältig sein. Stress und Anspannung vor dem Konzert, ein zu hoher Lärmpegel im Orchestergraben oder Fehlhaltungen beim täglichen Üben sind nur einige der möglichen Faktoren.Hintergrundwissen zu den körperlichen und psychischen Grundlagen des gesunden Musizierens helfen, die Ursachen der eigenen Symptome zu finden und geeignete Gegenmaßnahmen zu ergreifen. Prof. Dr. Claudia Spahn, Leiterin des Freiburger Instituts für Musikermedizin, Prof. Dr. med. Bernhard Richter, Professor am Freiburger Institut für Musikermedizin und staatlich geprüfter Sänger (KA), und Alexandra Türk-Espitalier, Musikerin, Physiotherapeutin und Lehrbeauftragte, geben Berufsmusikern und Hobby-Musikern wertvolle Tipps: - Kompakte Informationen für Musikstudenten, Orchestermusiker, Musikpädagogen, Instrumentalisten und Sänger- Instrumentenspezifische Risiken und präventive Übungen für Pianisten, Bläser, Streicher, Schlagzeuger und viele andere- Praxiserprobte Tipps zum Umgang mit Stress und Emotionen beim Spielen und bei Auftritten- Berufsvorbereitung im Musikstudium und Praxistipps für den BerufsalltagGesundes Üben für Berufsmusiker und Hobby-MusikerPraktische Übungen zur Prävention, zur Verhinderung von Fehlhaltungen und zur Linderung bereits vorhandener Beschwerden runden das Buch ab. Dabei gehen die Autoren auf unterschiedliche Lebensphasen, Instrumente und Berufsfelder ein. Dirigenten und Musiklehrer, Orchester- und Kirchenmusiker, Opernsolisten und Choristen, Pop- und Rockmusiker finden konkrete Empfehlungen zur Steigerung von Beweglichkeit und körperlicher Fitness, zum Gehörschutz, zu gelenkschonenden Bewegungsabläufen sowie zum Umgang mit Lampenfieber, Angst und Stress. Mit diesem Wissen zu den physischen und psychischen Grundlagen des gesunden Musizierens behalten Sie die Freude an der Musik ein Leben lang!

Der profunde Ratgeber zum Thema StimmeFür jeden, der in seinem Beruf viel spricht oder singt, ist die Stimme wichtiges, vielleicht sogar wichtigstes Instrument. In diesem Buch werden in einer auch für medizinische Laien gut verständlichen Sprache Funktionsweise und Ausdruckspotenzial der Stimme vorgestellt – immer mit Blick auf die künstlerische Praxis. Atemtechniken sowie Stimmbildung und Stimmtraining, auch im Rahmen der Gesangsausbildung bzw. im Gesangsunterricht, werden erläutert – und auch, wie man Stimmkrisen vermeiden oder sie überwinden kann. Beiträge von Experten aus den Bereichen Stimmphysiologie, Gesangspädagogik, Künstlerischer Gesang, Stimmakustik und Psychosomatik bereichern das Buch, machen es interdisziplinär und den "Kosmos Stimme" in seiner ganzen Vielfalt begreifbar. - Anatomie, Physiologie, Akustik und psychologische Aspekte der Sing- und Sprechstimme- Handbuch für Sänger, Schauspieler, Sprecher, Logopäden, Stimmtherapeuten und Ärzte - angewandte Stimmphysiologie in der Ausbildung von Sängern und Schauspielern- Stimmlagen, Stimmgattungen, Stimmfächer und Stimmregister im klassischen und populären Gesang- mit Bildern sowie praktischen Hinweisen zur Pflege und Gesunderhaltung der Stimme sowie zur Überwindung von StimmkrisenDie Begeisterung für Musik und GesangDie Stimme ist sogar bei sprachlichen Äußerungen immer musikalisch und erreicht andere Menschen auf einer emotionalen Ebene. In diesem Sinne müssen auch bei Menschen, die in ihrem Beruf viel sprechen, die Ausdrucksmöglichkeiten geschult werden.  Darüber hinaus sind Musik und Gesang tief im kollektiven Bewusstsein verankert. Die weltweite Begeisterung dafür kennt keine Grenzen. Mehr Menschen denn je singen in einem Chor, haben Freude daran und wollen mehr über die Gesundheit von Stimmbändern, den Resonanzraum oder die Klangfarben von Gesangsstimmen erfahren. Auch für sie ist dieses Buch gedacht. Ein wichtiges Buch für das wichtigste Instrument "Die Stimme" ist der unverzichtbare Ratgeber für alle Stimminteressierten – egal ob Sänger, Schauspieler, Sprecher, Logopäde, Stimmtherapeut oder Arzt –, denen die Gesundheit der Stimme am Herzen liegt.

Lampenfieber verstehen und erfolgreich damit umgehenEin Auftritt steht bevor, eine Rede muss gehalten werden, das Publikum wartet gespannt – man spürt ein Prickeln, der Atem geht schneller, das Herz schlägt bis zum Hals … Mit derlei Anzeichen von Lampenfieber haben auftretende Künstler jeden Tag zu tun, in der Regel während ihres gesamten Berufslebens. Jedoch nicht nur künstlerisch Tätige, sondern auch Lehrer, Manager, Moderatoren, Politiker, Journalisten u. a. kennen Lampenfieber aus vielen beruflichen Situationen. Wie man mit seinem Lampenfieber umgehen kann, zeigt Claudia Spahn fundiert und anschaulich in diesem praktischen Handbuch. - Was ist Lampenfieber? Warum tritt es auf? Wie äußert es sich? Wie bekomme ich es in den Griff?- gut nachvollziehbare Erklärungen zum Lampenfieber, erweitert um Analyse und Maßnahmen- für Kreativschaffende in Theater, Film, Oper, aber auch für andere Berufe und Situationen- mit persönlichen Erfahrungen von z.B. Renée Fleming, Gerd Heinz, Gidon Kremer, Waltraud Meier u.a.- konkrete Übungen zum Warm-up, zur Aufrichtung, zur Bühnenpräsenz und zur Spannungsregulation Ein menschliches PhänomenWichtig ist, Lampenfieber als ganz normales und sinnvolles menschliches Phänomen zu begreifen, mit dem man gut umgehen kann und das beim Auftritt, in einem wichtigen Gespräch, bei einer Rede und in vielen anderen Situationen in kreative Energie umgewandelt werden kann. In diesem Buch werden die gesellschaftlichen, individuellen und situativen Faktoren analysiert, die zur Entstehung von Lampenfieber beitragen. So hat sich z.B. im Bereich der darstellenden Künste (Musik, Musiktheater, Schauspiel, Tanz) durch Livestreams bzw. Live-Darbietungen die Ausübung des Berufs komplett gewandelt. Aber auch mentale Vorstellungswelten haben sich geändert, Verunsicherungen entstehen aus einem falschen Anspruchsdenken, möglichst fehlerfrei, "cool" oder perfekt zu sein. Hier bietet der Ratgeber Hilfe, sich damit kritisch auseinanderzusetzen. Keine "Angst vor der Angst"Der Auftritt auf einer Bühne oder einem Podium ist immer eine Interaktion mit dem Publikum; man tritt zu diesem Publikum in eine Beziehung. Das kann ein besonderer, ein wunderbarer Moment werden – auch mithilfe ganz kleiner, aber hilfreicher Auftrittsrituale, die viele Musiker, Schauspieler und Tänzer pflegen. Also: Keine Angst – und auch keine "Angst vor der Angst", sondern aus der Anspannung eine positive Spannung machen!   Von Claudia Spahn ist ebenfalls erschienen: "Musikergesundheit in der Praxis. Grundlagen, Prävention, Übungen"

Erste Biografie über die Bühnenkönige der Zwanziger JahreBerlin in den "Goldenen Zwanzigern": Das Metropol-Theater, das Residenz-Theater, das Theater des Westens, das Lessing-Theater, der Admiralspalast und andere mehr sind als die "Rotterbühnen" bekannt. Wer auf diesen Brettern stehen darf, hat es geschafft: Die Brüder Fritz und Alfred Rotter gehören zu den bekanntesten und erfolgreichsten Theaterdirektoren in der Weimarer Republik. Auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs feiern sie vor allem mit Operetten große Triumphe. Fritzi Massary, Richard Tauber, Hans Albers, Käthe Dorsch, Grete Mosheim und viele andere werden von den Rotters entdeckt und teils zu Stars gemacht.- beispiellose jüdische Lebensgeschichte für ein großes Lesepublikum- die Rotters entdeckten Hans Albers, Käthe Dorsch und viele andere- Kulturleben vom Kaiserreich über Weimarer Republik bis zur Nazi-Diktatur- Eintauchen in die große Theaterzeit der Zwanziger Jahre- akribisch recherchiert, mit bislang unveröffentlichtem Text- und FotomaterialWeltwirtschaftskriseDoch der Bühnenkonzern ist auf große Investitionen, stabile Einnahmen und Kredite angewiesen. In der Weltwirtschaftskrise bricht das Unternehmen zusammen. Über 1300 Angestellte verlieren ihre Arbeitsplätze. Bereits in dieser Zeit werden Fritz und Alfred Rotter als Juden gebrandmarkt, angefeindet und in NS-Zeitungen verächtlich gemacht: Die Nationalsozialisten schmähen sie als "jüdische Finanzhasardeure" und "verkrachte Theaterjuden". Dabei haben sie wie wenige andere das kulturelle Leben der Stadt bereichert und bestimmt – und mit untrüglichem Gespür für dramaturgische Stoffe, Melodien und Stars ihre Erfolgsoperetten (mit Franz Lehár, Ralph Benatzky, Paul Abraham und anderen) geschaffen. Doch nun gibt es niemanden mehr, der für sie einsteht. Sie fliehen Anfang 1933 nach Liechtenstein: vor den erstarkenden Nazis und den Schulden.Kriminalfall: Von den Nazis den Tod getriebenDoch auch in Liechtenstein können sie sich nicht retten. Genau schildert die vorliegende Biografie die dramatischen Umstände, unter denen Fritz und Alfred Rotter von vier Liechtensteinern und zwei Deutschen am 5. April 1933 entführt werden sollten, worauf Alfred und Gertrud Rotter oberhalb von Vaduz in den Tod stürzten. Die anschließenden Prozesse in Liechtenstein gegen die Täter werden anhand von Prozess- und Verhörakten wieder greifbar, und der Autor beschreibt anhand von Zeitzeugenberichten und Dokumenten, wann genau und wie Fritz Rotter 1939 in Frankreich tragisch ums Leben kam. "Fritz und Alfred Rotter" ist nicht nur eine starke Biografie, die viel über das Kultur- und Gesellschaftsleben der Zeit zu berichten weiß, sondern auch eine berührende und beispiellose Geschichte, die als Drama in fünf Akten den Absturz vom Theaterhimmel in die Dunkelheit erzählt und sprachlos zurücklässt.

WIEDERENTDECKUNG EINER FASZINIERENDEN UND FAST VERGESSENEN KÜNSTLERINRahel Blindermann, ein jüdisches Mädchen von der Schwarzmeerküste, macht sich zu Beginn des 20. Jahrhunderts auf, um ihren großen Traum zu verwirklichen: Schauspielerin zu werden. Mit nur 16 Jahren wird sie in Sankt Petersburg vom Leiter der Schauspielschule des Wiener Burgtheaters entdeckt und in die Wiener Schauspielklasse aufgenommen. Mit Temperament, Witz, Phantasie und Unabhängigkeit begeistert sie bereits als junge Elevin Theaterintendanten und letztlich gelingt ihr – als Maria Orska – der Aufstieg zum Star am deutschsprachigen Theater.Eine einzigartige Karriere beginnt, sie wird zum Publikumsmagneten in der Kulturszene der goldenen Zwanziger Jahre. Diese atemberaubend starke Künstlerin treibt mit Spielfreude und einer großen Begabung für expressionistische Dramatik in Hamburg, Wien und Berlin die Theatermoderne voran. Sie spielt wie "im Rausch", die Besprechungen sind hymnisch. Als »Lulu« ist sie »Wedekinds schönstes Tier«, in Stücken von Strindberg, Ibsen, Wilde oder Schnitzler offenbart sie "ihre ganze Menschlichkeit", im Stummfilm wirkt sie geheimnisvoll. Regisseure, Schriftsteller, Theaterkritiker und Publikum liegen ihr zu Füßen, Fritz Kortner und Alfred Kerr schwärmen von ihr.- Das exzessive Leben des Theater- und Stummfilmstars der Zwanziger Jahre- Für alle Leser außergewöhnlicher, dramatischer Lebensgeschichten- Die Wiederentdeckung einer betörenden Schauspielerin- Sie war die Lulu- Romanbiografie mit vielen Fotos in einem sorgfältig gestalteten und mit Gold geprägten BandDER RUHM UND SEINE SCHATTENSEITENDoch nur wenige Zeit später verliert sie den Halt. Tagsüber zeigt sie sich strahlend auf Partys oder bei Pferderennen in Berlin-Grunewald, sie verkehrt in den Villen der Berliner High Society, unter anderem bei Eleonora von Mendelssohn. Doch in den Bars des Berliner Nachtlebens ist ihre Sucht nach Rauschmitteln ein offenes Geheimnis. Ihre geliebte Schwester begeht Suizid, zudem werden ihre Affären, ihre Ehe mit einem stadtbekannten Lebemann sowie die skandalumwitterte Scheidung von der Klatschpresse aufgegriffen. Am Ende kosten »Lulu« und »Salome« Kraft, die sie nicht mehr hat: Drogenabhängig stirbt Maria Orska 1930 in ihrer Wiener Wohnung.PACKEND ERZÄHLTE BIOGRAFIE ÜBER EINE AUSNAHMESCHAUSPIELERINDer letzte Akt ihres Dramas findet nach ihrem Tod statt: Im September 1930 werden in ihrer Wohnung in Wien Kunstgegenstände und Mobiliar versteigert. Kurze Zeit später kommen die Nationalsozialisten an die Macht, niemand hat mehr ein Interesse daran, die Erinnerung an eine freie, moderne, jüdische Frau wachzuhalten. Es folgt der Weltkrieg, Maria Orska ist vergessen. Ursula Overhages intensiv recherchiertes Buch macht die Geschichte dieser Ausnahmeschauspielerin wieder lebendig.

MUSIKMETROPOLE DANK DER BÜRGERWarum zog gerade Leipzig so viele Künstler, Komponisten, Musiker und Musikerinnen aus der ganzen Welt an? Warum kulminiert in Leipzig europäische Musikgeschichte? Und was macht die Stadt bis heute so besonders? Deutlich wird: Was hier entstand, schufen die Bürger der Messestadt selbst, die schon immer selbstbewusst Kultur gestalteten. Aus kleinen Orchestern, die den hohen Anspruch dieses Bürgertums spiegeln, wurden bedeutende Traditionen, so zum Beispiel das "Große Concert", das heute als Gewandhausorchester zu den renommiertesten Ensembles der Welt gehört.Diese Biografie erzählt von Menschen, die Inspiration, Kreativität und Schöpfertum neu definierten. Acht Jahrhunderte Kulturgeschichte setzen sich auf diese Weise zu einem farbenprächtigen Mosaik zusammen, das von der Entstehung des Thomanerchors und legendären Opernerstaufführungen über die Beatdemo 1965 und die Etablierung der Leipziger Jazztage bis hin zur Passionsaufführung via Live-Stream im 21. Jahrhundert reicht.- kenntnisreiche und sehr nahbare Lektüre über das Leben und Musizieren in acht Jahrhunderten- Musik und Kultur im Wandel der Zeiten: vom Thomanerchor bis zur Livestream-Aufführung- Geschichten von Triumph und Tragödien bei Komponisten, Musiker*innen, Thomaskantoren, Dirigenten- Leben und Alltag von Johann Sebastian Bach, Clara und Robert Schumann, Felix Mendelssohn Bartholdy, Richard Wagner, Gustav Mahler, Kurt Masur u.v.a.- legendäre Opernaufführungen und Klavierkonzerte, Jazz und Neue Musik, Chorgesang RockkonzerteVOM "BURNOUT" BACHS BIS ZU DEN MUSIKALISCHEN EXPERIMENTEN IM 20. JAHRHUNDERT"Gesang vom Leben" lässt eintauchen in Musik und Kultur vergangener und heutiger Zeiten, berichtet von frierenden Sängern vor den Bürgerhäusern, vom »Burnout« Johann Sebastian Bachs, von den Verwüstungen während der Völkerschlacht und der Erschöpfung des musikalischen Wunderkinds Felix Mendelssohn Bartholdy. Zwischen ruhmreicher Vergangenheit und vergebenen Chancen, zwischen größtem Triumph und persönlicher Tragödie liegt manchmal nur ein Wimpernschlag. Das beweisen die Geschichten um Künstlerinnen und Künstler wie Clara und Robert Schumann, Max Reger, Gustav Mahler, Richard Wagner, Albert Lortzing, Franz Konwitschny und Kurt Masur."VOM LEBEN SINGEN" – UND NICHT SCHWEIGENAuch das zerrissene 20. Jahrhundert, das Leben und Sterben der Kultur unter dem Hakenkreuz, der schwierige Neuanfang nach dem Zweiten Weltkrieg und die Friedliche Revolution gehören dazu. Zu DDR-Zeiten wagt man Experimente und will doch Musik zum Schweigen bringen. Nach 1989 erobern Kreative abseits der sogenannten Hochkultur mit viel Leidenschaft die Stadt: auf dem Jazzfestival, in den Clubs und Fabriken, auf Rock- und Popkonzerten.Am Karfreitag des Jahres 2020 schließlich sorgt eine weltweit übertragene Johannespassion mit drei Musikern dafür, dass die Reihe an Leipziger Passionsaufführungen nicht abreißt und die Welt nicht still bleibt. Denn schließlich fanden sich auch in einem mehrmals von der Pest heimgesuchten oder von Kriegen zermürbten Leipzig Musiker, Sänger und Publikum zusammen. Musik ist und bleibt der »Gesang vom Leben«, wie im gleichnamigen großen Deckengemälde von Sighard Gille im Gewandhaus, das weithin in die Mitte der Stadt strahlt.

ERFOLGREICH UND UMSICHTIG BALLETT UNTERRICHTENBallett ist ein klassischer Tanz, der dem menschlichen Körper äußerste Präzision und jahrelanges Training abverlangt. Der Tanz setzt sich aus vielen einzeln zu erarbeitenden und dabei komplexen Bewegungsabläufen zusammen, die einzig durch ausdauerndes Training zur Perfektion gebracht werden. Dieses Training muss sehr gut aufbereitet sein. Das Ballett stellt hohe Ansprüche an die Ballettpädagog:in, die erfolgreich und zeitgemäß unterrichten möchte.Vor knapp 100 Jahren hat die visionäre Ballettpädagogin Agrippina Waganowa ihre Methode in dem Buch "Grundlagen des Klassischen Tanzes" niedergelegt. Diese Methode ist zum Klassiker geworden und bis heute weltweit die Grundlage für die Ballettausbildung an allen Ballettschulen und Akademien. Das gesamte Bewegungsvokabular des klassisch-akademischen Tanzes wird bei Waganowa Element für Element beschrieben und erarbeitet.Die Autorin Judith Frege ist überzeugt, dass die Waganowa-Methode die beste Lehrmethode des klassischen Tanzes ist, doch einen modernen tanzpädagogischen Ansatz benötigt. Schüler:innen und Ballettlehrer:innen bekommen nun ein weiterführendes unverzichtbares Lehrwerk geliefert: Zum ersten Mal wird die Waganowa-Methodik dezidiert und strukturiert für die Ausbildungsjahre 1 bis 3 aufbereitet, so dass daraus genaue Übungsstunden für den heutigen Ballettunterricht abgeleitet werden können. Schritt-für-Schritt-Anleitungen und Formulierungshilfen ermöglichen den direkten Einsatz des Lehrwerks im Tanzsaal.- endlich: die Waganowa-Methode in einem praktischen Lehrbuch des 21. Jahrhunderts- das reich bebilderte Arbeitsbuch für alle Ballettpädagog:innen- die ersten 3 Ausbildungsjahre in Stufen-Lehrplänen detailliert dargestellt- mit Übersichten und Tipps, worauf besonders zu achten ist- mit ca. 350 Fotos informativ bebildert, inkl. Glossar und LiteraturverzeichnisPRAKTISCHES LEHRBUCH DES 21. JAHRHUNDERTSJedes der drei Ausbildungsjahre ist in Stufe A, B, und C mit jeweiligem Lehrplan eingeteilt. Diese Lehrpläne dienen als Leitfaden für die Erstellung von Ballett-Unterrichtsstunden. Sie umfassen alle Basis-Übungen, Bewegungen und Positionen (z.B. die Positionen der Füße, Grundpositionen der Arme, Haltung der Finger und Hände, Exercices an der Stange, korrekte und gerade Körperhaltung, Grundschritte, Sprünge, Pirouetten, Ballettfiguren und vieles mehr) inklusive einer Erklärung der Begriffe. Zusätzlich wird der Lehrstoff durch Aufwärm- und Dehnungsübungen sowie Korrekturen ergänzt, ebenso durch Hinweise zur musikalischen Begleitung und zur Schaffung einer guten Unterrichtsatmosphäre. Grafisch hervorgehobene Tipps, worauf bei bestimmten Übungen besonders zu achten ist, erleichtern die Arbeit.ARBEITSINSTRUMENT UND LEITFADENJudith Frege ist es ein Herzensanliegen, mit diesem Buch Ballettschüler:innen beim Erlernen der Waganowa-Methode (in anderer Schreibweise: Vaganova) zu unterstützen und Ballettpädagog:innen ein geeignetes Arbeitsinstrument in die Hand zu geben. Damit kann die Methodik des klassisch-akademischen Tanzes sowohl in einer didaktisch-klugen Struktur als auch in einer ganzheitlichen, anatomisch korrekten Weise unterrichtet werden.Band II (für die Ausbildungsjahre 4 bis 8) ist ebenfalls erhältlich.

MIT WAGANOWA ZEITGEMÄSS BALLETT LERNENVor knapp 100 Jahren hat die visionäre Ballettpädagogin Agrippina Waganowa ihre Ausbildungsmethode in dem Buch "Grundlagen des Klassischen Tanzes" niedergelegt. Diese Methode ist zum Klassiker geworden und bis heute die Grundlage für eine achtjährige Ballettausbildung an Ballettschulen und Akademien weltweit. Die Autorin und Tanzlehrerin Judith Frege hat die Methodik nun zum ersten Mal in zwei Bänden bis ins Detail aufbereitet und einer modernen Unterrichtsform angepasst. Mit diesen praktischen Lehrbüchern kann der klassisch-akademische Tanz sowohl in einer didaktisch-klugen Struktur als auch in einer ganzheitlichen und anatomisch korrekten Weise unterrichtet werden. Der erste Band widmet sich den Ausbildungsjahren 1 bis 3, der hier vorliegende zweite Band den Ausbildungsjahren 4 bis 8. Er baut auf den Ausbildungsinhalten der ersten Jahre auf und bietet ein übersichtliches und detailliertes Übungsprogramm für fortgeschrittene Tänzer:innen.BAND 2: BALANCEN, PIROUETTEN, SPRÜNGE, AUSDRUCKIm zweiten Band werden bereits erlernte Ballett-Elemente variiert oder miteinander kombiniert und anspruchsvolle Balancen, Pirouetten und Sprünge eingeübt. Gezielte Übungen sorgen für einen optimalen Muskelaufbau und stärken die Ausdauer und Koordinationsfähigkeit der Tänzer:innen. Ein gesondertes Kapitel am Ende des Buches bietet zudem eine Auswahl an Bodenübungen für ein ergänzendes Mattentraining. Darüber hinaus stehen Präzision, Musikalität und künstlerische Ausdruckskraft im Fokus dieser Ausbildungsjahre. Die angehenden Profi-Tänzer:innen werden allumfassend auf die Bühne vorbereitet, indem sie ihr tänzerisches Bewegungsvokabular perfektionieren und Choreografien und Variationen aus dem gängigen Ballett-Repertoire erarbeiten.-Endlich: die Waganowa-Methode in zwei praktischen Lehrbüchern für das 21. Jahrhundert-Band 2: Die Ausbildungsjahre 4 bis 8 systematisch und übersichtlich erklärt-Reich bebilderte Schritt-für-Schritt-Anleitungen zur Veranschaulichung der Bewegungsabläufe-Wertvolle Hinweise zur Perfektion von Ausdauer, Kraft und künstlerischem Ausdruck-Mit einem Extra-Kapitel für ein ergänzendes Bodentraining, zahlreichen Abbildungen sowie einem Glossar und RegisterPRAKTISCHES LEHRWERK UND ARBEITSINSTRUMENTKlar verständlich und sehr übersichtlich werden die Ausbildungsinhalte in didaktisch strukturierten Stufen-Lehrplänen erklärt. Zahlreiche Abbildungen und Fotografien veranschaulichen die Bewegungsabläufe und ermöglichen es, sie Schritt für Schritt nachzuvollziehen. Damit haben Ballettschüler:innen und Ballettlehrer:innen ein unverzichtbares Lehrwerk vor sich, das sich ideal für den Ballettunterricht eignet und direkt im Tanzsaal eingesetzt werden kann. Ein Must-Have für den zeitgenössischen Ballettunterricht.Auch als E-Book (Fixed Layout) erhältlich

50%-FRAUENQUOTE IN DER THEATERREGIE: DAS ENDE DER KUNST?Als die Leiterin des renommierten Berliner Theatertreffens Yvonne Büdenhölzer im Jahr 2019 die 50%-Frauenquote einführte, wurde sie scharf kritisiert. Schließlich verleitet die Quote geradezu reflexhaft zum Widerspruch: Trifft die eingeladenen Regisseurinnen nicht der Generalverdacht, dass sie es nur aufgrund der Frauenquote ins Rampenlicht geschafft haben? Ist bei so einer Vorgabe sogar die Unabhängigkeit der Auswahl-Jury in Gefahr? Und wird damit nicht die Qualität des bedeutendsten Theaterfestivals im deutschsprachigen Raum minimiert? Andererseits: Kann es einzig an der künstlerischen Kompetenz liegen, wenn in den 56 Festival-Jahren zuvor 27 eingeladene Frauen 193 Männern gegenüberstanden?- Aktueller Debattenbeitrag über die Quotenregelungen in der Kultur- Regisseurinnen über ungleiche Produktionsbedingungen und Gender-Pay-Gap- Profilierte Theaterfrauen berichten aus dem Berufsalltag: Barbara Frey, Yael Ronen, Anne Lenk, Florentina Holzinger und Pınar Karabulut- Lebendige Porträts, persönliche Interviews und einordnende Essays- Der Begleitband zum Berliner Theatertreffen VIER JAHRE SPÄTER BETRACHTET DAS BUCH DIE ENTWICKLUNGDie profilierten Theaterkritikerinnen Sabine Leucht, Petra Paterno und Katrin Ullmann, die es zusammengerechnet auf acht Jahre Jurytätigkeit beim Berliner Theatertreffen bringen, nehmen diese Fragen zum Ausgangspunkt ihrer Publikation. Zum Berliner Theatertreffen eingeladene Regisseurinnen wie Barbara Frey, Yael Ronen, Anne Lenk, Florentina Holzinger und Pınar Karabulut sprechen darin über weibliche Ästhetik und Arbeitsweisen, über Erfolge, Hürden sowie Wirkung und Sinn der Quote. Die Herausgeberinnen möchten wissen: Wie gestaltet sich für Frauen die künstlerische Arbeit am Theater? Was verändert eine Quotenregelung in der Regie? Wo existieren strukturelle Ungleichheiten und wie könnten diese in Zukunft behoben werden? UMFASSENDE DARSTELLUNG DER PRODUKTIONSBEDINGUNGEN AM THEATERDas Ergebnis ist vielstimmig und erhellend: Erstmals äußern sich Theaterfrauen offen zu ungleichen Produktionsbedingungen, mangelndem Respekt, sexistischen Verhaltensweisen und zum Gender-Pay-Gap.Das Buch stellt alle zwischen 2020 und 2023 zum Theatertreffen eingeladenen Regisseurinnen vor, macht Kunstproduktion transparent und liefert somit einen differenzierten Beitrag zur Strukturdebatte am Theater. Das Buch ist ein Muss für alle Kulturschaffenden, die sich mit Fragen von Gleichstellung in der Kunst beschäftigen. Darüber hinaus liefert es wertvolle Erkenntnisse über das heutige Arbeiten am deutschsprachigen Theater.

MIT SPIELFREUDE, NEUGIERDE UND OFFENHEIT ZUM VORSPRECHENMöchtest du Schauspieler:in werden? Bereitest du dich schon auf Aufnahmeprüfungen an den Schauspielschulen vor? Oder denkst du darüber nach, ob der Beruf richtig für dich sein könnte? Dieses E-Book gibt eine praktische sowie einfühlsame Anleitung dazu, wie der Weg vom langgehegten Traum zur realen Vorbereitung eingeschlagen werden kann. Gleichzeitig räumt es mit einigen Missverständnissen auf und gibt konkrete Hilfestellung. Zum Beispiel: Schauspielerei ist ein Handwerk, das erst im Studium erlernt wird. Die Ausbildungsstätte erwartet nicht, dass es bereits beim Vorsprechen beherrscht wird. Es gilt, sich mit Spielfreude, Neugierde und Offenheit der Aufnahmeprüfung zu nähern.Wie funktioniert die Vorbereitung auf die Prüfung? Wie können passende Texte für das Vorsprechen recherchiert und erarbeitet werden? Wie kommt man ins Spiel? Wie kann mit Blockaden und Ängsten umgegangen werden? Was leistet eine staatliche Schauspielschule, was eine private Schule? Was unterscheidet Bühnenspiel von dem Spiel vor der Kamera? Diesen und mehr Fragen wird mit Sachkenntnis und Einfühlungsvermögen auf den Grund gegangen.- Wichtige Infos und Einschätzungen zur Berufswahl Schauspieler:in und zum Ausbildungsweg auf der Bühne und vor der Kamera- Praktische Anleitung für die Vorbereitung einzelner Szenen, die kreative Text- und Probenarbeit und den Ablauf der Prüfungssituation- Wertvolle Tipps für den Umgang mit Blockaden, Ängsten sowie (negativem) Feedback- Viele persönliche Erfahrungen, Literaturempfehlungen und praktische Hilfestellungen- Mieke Schymura ist erfolgreiche und langjährige Coachin für angehende Schauspieler:innenTIPPS VON DER ERFAHRENEN COACHIN MIEKE SCHYMURAMieke Schymuras Buch zeichnet sich durch einen persönlichen und nahbaren Stil aus. Durch ihre langjährige Erfahrung als erfolgreiche Schauspielerin und Coachin hat sie einen direkten Zugang zu den Fragen und Bedürfnissen der angehenden Schauspieler:innen. Sie liefert konkrete Anleitungen und intensive Hilfestellungen auf dem herausfordernden Weg zum Ausbildungsplatz und Traumberuf.EIN GANZES SCHAUSPIELLEBEN LANG: VORSPRECHEN UND CASTINGSAngespannte Situationen bei Vorsprechen und Castings sind auch nach der Ausbildung essentieller Teil des Schauspielberufs. Das Buch hilft früh, das Vorsprechen als einen produktiven Bestandteil des künstlerischen Alltags zu verstehen und diese Prüfungssituationen konstruktiv zu meistern. Der Ratgeber ist eine anregende Lektüre und absolutes Muss für junge Schauspieler:innen! Auch als Printausgabe erhältlich.

DAS HANDBUCH FÜR DIE SCHAUSPIELPRAXISSchauspielen ist ein Handwerk, das sich mit viel Technikarbeit und kontinuierlicher praktischer Übung erlernen lässt. Der Schauspieler und Schauspieldozent Stephan Richter hat mit seinem Handbuch einen Klassiker der Schauspielausbildung geschaffen, der sowohl angehende als auch erfahrene Schauspieler:innen bei ihrem Rollenstudium unterstützt. Die nun aktualisierte Version stellt über 130 Übungen zusammen, mit denen schauspielerische Fähigkeiten erlernt, trainiert und weiterentwickelt werden können. Auch einem Ausbrennen der Kreativität kann so vorgebeugt werden. Darüber hinaus werden die wichtigsten Arbeitsbegriffe und Regeln der Schauspielmethodik übersichtlich und prägnant von A bis Z erklärt. Gleichzeitig dient das Handbuch als perfekte Arbeitsgrundlage für Schauspiellehrer:innen, Regisseur:innen, Coachs und Theaterpädagog:innen, die Übungen in ihren Theatergruppen anleiten möchten.-Das Handwerk des Schauspielens erlernen und trainieren-Über 130 Übungen für angehende Schauspieler:innen, Profis und Lehrende-Wertvolle Expertentipps des erfahrenen Schauspielcoachs Stephan Richter-Der Klassiker umfassend überarbeitet und umfangreich erweitert-Neue Sprech- und Körperübungen für die Rollenarbeit einzeln, zu zweit oder in der GruppeVOM GRUNDLAGENTRAINING BIS ZU ANSPRUCHSVOLLEN ÜBUNGENDas Spektrum der Übungen reicht vom einfachen Grundlagentraining in der Gruppe bis hin zu anspruchsvollen Einzel- und Partnerübungen, bei denen vorher Gelerntes angewendet und mit Improvisation verknüpft wird. Das Ziel ist es, ein eigenständiges und authentisches Handeln sowohl auf der Bühne als auch vor der Kamera zu ermöglichen. Zahlreiche Entspannungs- und Lockerungsübungen helfen dabei, sich vor Proben, Auftritten und Drehs aufzuwärmen oder Anspannungen zu lösen.DER KLASSIKER DER SCHAUSPIELAUSBILDUNG NEU AUFGELEGTFür diese Neuauflage hat Stephan Richter sein renommiertes Handbuch 2024 umfassend aktualisiert und erweitert. Über 40 neue Übungen, basierend auf seiner langjährigen Erfahrung als Schauspiellehrer, wurden ergänzt. Neu hinzu kommen außerdem Beispiellisten für die Arbeit mit Handlungszielen, Aktionsverben und Public Personas sowie wertvolle Hilfestellungen für eine konstruktive Kommunikation zwischen Regie und Schauspielenden. Das Handbuch ist damit ideal für den Unterricht, die Probenarbeit oder das Selbststudium geeignet und das perfekte Arbeitsmittel für die Schauspielpraxis!

DER SCHLÜSSEL ZU KONSENSBASIERTEM ARBEITEN IM DARSTELLENDEN SPIELMit der Intimitätskoordination hat sich in den vergangenen Jahren ein neuer Beruf entwickelt, dessen Ziel es ist, Film- und Bühnenproduktionen bei der Inszenierung intimer Szenen zu unterstützen und die übereinstimmende Zusammenarbeit aller Beteiligten zu gewährleisten. Dabei ist die Mitarbeit an der künstlerischen Vision der Produktionen fester Bestandteil des Berufsbildes. Während auf den Sets in den USA und Großbritannien längst mit Intimitätskoordinator:innen gearbeitet wird, steckt ihre Integration hierzulande jedoch in den Anfängen. Dieser Ratgeber beleuchtet erstmals die Entwicklung des Berufes im deutschsprachigen Raum und zeigt seine Vorteile auf. Er führt in die Grundlagen und Methoden der Intimitätskoordination ein und beantwortet zentrale Fragen: Wann und warum sollte mit Intimitätskoordinator:innen gearbeitet werden? Wie gestaltet sich die Arbeitsweise? Welche Methoden und Techniken kommen in der Praxis zum Einsatz? Mit welchen Gewerken wird wie zusammengearbeitet? Welche Unterschiede bestehen zwischen Film und Bühne? Wie ist die Ausbildung von Intimitätskoordinator:innen organisiert? - Neue Impulse für ein Umdenken im darstellenden Spiel- Erste deutschsprachige Veröffentlichung zu einem neuen Berufsfeld- Grundlagen, Methoden, Praxisbeispiele- Sachliche Sprache, De-Roling und Intimbedeckungen: Techniken und Hilfsmittel für die praktische Arbeit- Umfassender Anhang mit Glossar, Weiterbildungsmöglichkeiten, Verzeichnis aller Verbände sowie weiterführender Literatur GRUNDLAGEN FÜR DIE PRAKTISCHE ARBEITRenommierte Expert:innen teilen in diesem Buch ihre Erfahrungen, stellen Best Practices vor und erläutern bewährte Methoden für die Praxis. Vom genauen Vorgehen im konsensbasierten Arbeiten über sachliche Sprache bis hin zur Erarbeitung spezifischer Choreografien – jeder Beitrag beleuchtet einen zentralen Aspekt des Berufs. Ebenso wird die Darstellung queerer Intimität, kultureller Unterschiede und sexualisierter Gewalt eingehend behandelt. Ein umfassender Anhang bietet ein Glossar wichtiger Begriffe, Übersichten zu Weiterbildungsmöglichkeiten und relevanten Verbänden, weiterführende Literatur sowie Beispielmaterialien. WICHTIGE LEKTÜRE FÜR ALLE BERUFE DES DARSTELLENDEN SPIELSDieses Buch zeigt auf, warum professionelle Intimitätskoordination unerlässlich ist: Sie ermöglicht sichere Rahmenbedingungen für alle Beteiligten einer Theater-, Opern- oder Filmproduktion und schafft einen künstlerischen Freiraum, der intime Szenen überzeugend werden lässt. Das Buch liefert unverzichtbares Wissen für alle Intimitätskoodinator:innen, Schauspieler:innen, Regisseur:innen, Produzent:innen und Intendant:innen.

DAS STANDARDWERK FÜR EIN GESUNDES UND SICHERES TANZTRAININGOb Ballett, Hip-Hop oder Jazz Dance – in jeder Tanzsportart wird der Körper intensiv beansprucht. Gesundheit ist deshalb das A und O für alle Tänzer:innen. Nur mit einem gesunden Körper ist eine lange und erfüllte Tanzlaufbahn möglich. Dieses Buch erklärt anschaulich die Anatomie des Körpers und zeigt, wie Tänzer:innen sowohl in der Tanzausbildung als auch in der künstlerischen Praxis körperliche Beschwerden vorbeugen können. Mit gezielten Übungen und einer genauen Eigenanalyse lassen sich Schmerzen, typische Be- und Überlastungen sowie Fehlhaltungen vermeiden. Das betrifft die Wirbelsäule genauso wie das Becken, die Hüfte, Knie, Füße sowie Schultern und Arme. Aber auch die Seele tanzt mit: Wie sehr Tanzkorrekturen das Selbstverständnis von Tänzer:innen beeinflussen können, was der Spiegel im Trainingssaal erzählt und wie der Abschied vom aktiven Tanz gelingt – all dies vermittelt dieses umfassende Standardwerk der renommierten Tanzmedizinerin Liane Simmel. - für Tänzer:innen, Choreograf:innen und Tanzpädagog:innen- Füße, Knie, Hüfte, Schultern, Becken, Wirbelsäule: typische Be- und Überlastungen anschaulich erklärt- über 250 Fotos und anatomische Zeichnungen sowie viele praktische Tipps und Übungen- neues Kapitel zu Zyklus, Menstruation, Periodenbeschwerden, Antibabypille und zyklusbasiertem Tanztraining- mit Anleitungen zur Eigenanalyse sowie wertvollen Hinweisen zu Wachstum, Ernährung und dem Umgang mit Stress ERWEITERTE AUSGABE: ZYKLUS UND FASZIENObwohl rund 90% aller Tänzer:innen weiblich sind, ist das Thema Menstruation im Tanzsport noch immer tabuisiert und unterrepräsentiert. Die hier vorliegende erweiterte Ausgabe möchte diese Lücke schließen und erklärt alles rund um den Zyklus: Welche Hormone wirken in welchen Zyklusphasen? Wie wirkt sich der Zyklus auf Dehnbarkeit, Stabilität und Verletzungsrisiken aus? Wann sind Beschwerden und Unregelmäßigkeiten bedenklich? Was macht ein zyklusadaptiertes Tanztraining aus? Und wie gelingt ein offener und positiver Umgang mit dem Thema im Unterricht? Außerdem werden neue Erkenntnisse über Faszien, die zentral für die körperliche Beweglichkeit sind, vorgestellt. DER SCHLÜSSEL FÜR MEHR SICHERHEIT UND SELBSTVERTRAUENEin Bewusstsein für die eigenen körperlichen Grenzen, sportmedizinisches Grundwissen und die gezielte Prävention von Verletzungen sind der Schlüssel zu einem gesunden Tanztraining. Mit "Tanzmedizin in der Praxis" liegt ein Standardwerk vor, geschrieben von einer Expertin und Fachärztin mit langjähriger Tanz- und Praxiserfahrung, das allen Tänzer:innen und Tanzpädagog:innen nicht nur Wissen vermittelt, sondern auch Sicherheit und Vertrauen schenkt.

Der im märkischen Wachow als Sohn eines Fleischers geborene Jochen Kowalski wusste schon früh, dass er unbedingt Sänger werden wollte. Doch seine Ausnahmebegabung wurde zunächst nicht erkannt, so dass er sich der Opernbühne auf Umwegen nähern musste: als Requisiteur. Fünf Jahre später gelang ihm als Tenor die Aufnahmeprüfung an der Musikhochschule, doch weltberühmt wurde er in einem anderen Stimmfach: als Altus. Mit dem festen Engagement an der Komischen Oper Berlin ab 1983 begann der Erfolg, der sich trotz Mauer bald auch im Westen fortsetzte, bis nach Tokio und New York. Jochen Kowalski begeistert sein Publikum nicht nur mit Barockmusik – auch namhafte Neutöner wie Olga Neuwirth oder Johannes Kalitzke wissen seine in jeder Hinsicht herausragende Stimme für ihre Kompositionen zu nutzen. In diesem Buch erzählt Jochen Kowalski der Musikautorin Susanne Stähr seine bewegte Geschichte: ehrlich, offen und mit erfrischendem Humor.