Chris Wahl – författare

This volume is the first book-length study of the international phenomenon of multiple-language versions of new films from the early days of the sound era. Ufa Studios in Babelsberg, Germany, took the approach of shooting versions of each film in several different languages using German-speaking or multilingual actors“and they continued the practice throughout the 1930s, long after Hollywood studios had discarded it. Chris Wahl’s highly innovative study offers detailed analyses of individual films and well-grounded theoretical reflections on key questions of the original and the copy, of version and remake.

This volume is the first book-length study of the international phenomenon of multiple-language versions of new films from the early days of the sound era. Ufa Studios in Babelsberg, Germany, took the approach of shooting versions of each film in several different languages using German-speaking or multilingual actors“and they continued the practice throughout the 1930s, long after Hollywood studios had discarded it. Chris Wahl’s highly innovative study offers detailed analyses of individual films and well-grounded theoretical reflections on key questions of the original and the copy, of version and remake.

Wolfgang Kohlhaase (1931-2022), dessen Schaffen über 30 Filme umfasst und sich weit über ein halbes Jahrhundert erstreckt, gehört zu den bedeutendsten Drehbuchautoren der (deutsch-)deutschen Filmgeschichte. Seine Zusammenarbeit mit den Regisseuren Gerhard Klein und Konrad Wolf bei Filmen wie BERLIN - ECKE SCHÖNHAUSER (1957), ICH WAR NEUNZEHN (1968) oder SOLO SUNNY (1980) hat Meilen-, zugleich immer auch Stolpersteine in die Geschichte der DEFA gesetzt. Seine Drehbücher für Andreas Dresen (u.a. SOMMER VORM BALKON, 2005, ALS WIR TRÄUMTEN, 2015), aber auch Volker Schlöndorff (DIE STILLE NACH DEM SCHUSS, 2000) oder Matti Geschonneck (IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS, 2017) haben verlässlich für künstlerische Höhepunkte des Nachwendekinos gesorgt. Die Beiträge zu diesem Band schlagen thematische und motivische Schneisen durch das umfangreiche Gesamtwerk Kohlhaases. Sie widmen sich der Darstellung von Nationalsozialismus und Zweitem Weltkrieg in seinen Filmen, gehen dem wiederkehrenden Thema eines geteilten Deutschland nach, diskutieren seinen Umgang mit Frauenfiguren und jugendlichen Helden und betrachten das Wechselspiel von Humor und Lebensnähe. Ein persönliches Porträt Kohlhaases und unveröffentlichte Texte aus dem Nachlass runden den Band ab.

Jeanine Meerapfel ist eine der wichtigsten Autor- Regisseurinnen der Bundesrepublik. Migration und Mehrsprachigkeit, Heimatverlust und -suche sowie weibliche und jüdische Perspektiven prägen ihre Filme.Das Schaffen der 1943 in Buenos Aires geborenen Filmemacherin umfasst Spiel- und Dokumentarfilme wie Im Land meiner Eltern (1981), Malou (1980), La Amiga (1987/88) oder Eine Frau (2022). Als Professorin unterrichtete sie Filmstudierende und prägte als Präsidentin zehn Jahre lang die Akademie der Künste in Berlin. Ihr Werk trägt deutsch-jüdische Geschichte(n) von Flucht, Exil und (Un)Zugehörigkeit ebenso ins deutsche Kino wie einen Blick auf sogenannte Gastarbeiter:innen, den andauernden Rassismus der Bundesrepublik oder die fortwirkende NS Vergangenheit, die ihre Schatten auf die Gegenwart wirft und das Leben von nachgeborenen Generationen prägt. Doch Meerapfels Werk entzieht sich einer allzu einfachen Kategorisierung und erzählt in poetischen Bildern immer auch von der Schönheit des Lebens.Der Band widmet sich den Bezügen zu Lateinamerika, den Auseinandersetzungen mit bundesrepublikanischer Gegenwart, Generationenverhältnissen und dem Umgang mit Erinnerung in den Filmen Jeanine Meerapfels, begleitet von einem biografischen Porträt und einem Gespräch mit der Filmemacherin über ihre filmische Arbeit.

Wolfgang Kohlhaase (1931-2022), dessen Schaffen über 30 Filme umfasst und sich weit über ein halbes Jahrhundert erstreckt, gehört zu den bedeutendsten Drehbuchautoren der (deutsch-)deutschen Filmgeschichte. Seine Zusammenarbeit mit den Regisseuren Gerhard Klein und Konrad Wolf bei Filmen wie BERLIN - ECKE SCHÖNHAUSER (1957), ICH WAR NEUNZEHN (1968) oder SOLO SUNNY (1980) hat Meilen-, zugleich immer auch Stolpersteine in die Geschichte der DEFA gesetzt. Seine Drehbücher für Andreas Dresen (u.a. SOMMER VORM BALKON, 2005, ALS WIR TRÄUMTEN, 2015), aber auch Volker Schlöndorff (DIE STILLE NACH DEM SCHUSS, 2000) oder Matti Geschonneck (IN ZEITEN DES ABNEHMENDEN LICHTS, 2017) haben verlässlich für künstlerische Höhepunkte des Nachwendekinos gesorgt. Die Beiträge zu diesem Band schlagen thematische und motivische Schneisen durch das umfangreiche Gesamtwerk Kohlhaases. Sie widmen sich der Darstellung von Nationalsozialismus und Zweitem Weltkrieg in seinen Filmen, gehen dem wiederkehrenden Thema eines geteilten Deutschland nach, diskutieren seinen Umgang mit Frauenfiguren und jugendlichen Helden und betrachten das Wechselspiel von Humor und Lebensnähe. Ein persönliches Porträt Kohlhaases und unveröffentlichte Texte aus dem Nachlass runden den Band ab.

Jeanine Meerapfel ist eine der wichtigsten Autor- Regisseurinnen der Bundesrepublik. Migration und Mehrsprachigkeit, Heimatverlust und -suche sowie weibliche und jüdische Perspektiven prägen ihre Filme.Das Schaffen der 1943 in Buenos Aires geborenen Filmemacherin umfasst Spiel- und Dokumentarfilme wie Im Land meiner Eltern (1981), Malou (1980), La Amiga (1987/88) oder Eine Frau (2022). Als Professorin unterrichtete sie Filmstudierende und prägte als Präsidentin zehn Jahre lang die Akademie der Künste in Berlin. Ihr Werk trägt deutsch-jüdische Geschichte(n) von Flucht, Exil und (Un)Zugehörigkeit ebenso ins deutsche Kino wie einen Blick auf sogenannte Gastarbeiter:innen, den andauernden Rassismus der Bundesrepublik oder die fortwirkende NS Vergangenheit, die ihre Schatten auf die Gegenwart wirft und das Leben von nachgeborenen Generationen prägt. Doch Meerapfels Werk entzieht sich einer allzu einfachen Kategorisierung und erzählt in poetischen Bildern immer auch von der Schönheit des Lebens.Der Band widmet sich den Bezügen zu Lateinamerika, den Auseinandersetzungen mit bundesrepublikanischer Gegenwart, Generationenverhältnissen und dem Umgang mit Erinnerung in den Filmen Jeanine Meerapfels, begleitet von einem biografischen Porträt und einem Gespräch mit der Filmemacherin über ihre filmische Arbeit.

Carl Theodor Dreyer (1889–1968) ist der bedeutendste Filmemacher des dänischen Kinos und bis heute einer der eigensinnigsten Künstler, die im Laufe der Filmgeschichte in diesem Medium gearbeitet haben.Dreyers ästhetisch kompromisslose Haltung führte dazu, dass er über den Zeitraum eines knappen halben Jahrhunderts in fünf verschiedenen Ländern lediglich 14 Spielfilme realisieren konnte. Nimmt man nur die bekanntesten – "La Passion de Jeanne d''Arc" (1928), "Vampyr" (1932), "Ordet" (1955) und "Gertrud" (1964) – zum Maßstab, so deutet sich in ihnen bereits eine thematische und formale Vielfalt an, die für sein Schaffen insgesamt charakteristisch ist. Das allen seinen Filmen Gemeinsame und Besondere wird dabei oft an ihrer Spiritualität festgemacht. Für Chris Marker waren Dreyers Filme schlicht an die Ewigkeit gerichtet. Paul Schrader sprach gar von einem "transzendenten Stil", mit dem die gewohnten Raum- und Zeitverhältnisse zur Auflösung gebracht werden. Das Geheimnis der Unverwechselbarkeit eines Dreyer-Films ist damit jedoch längst noch nicht gelöst. Die Beiträge zu diesem Band setzen ganz eigene Schlaglichter auf ein Werk, dessen innere Komplexität und unverbrüchliche Schönheit es immer wieder neu zu entdecken gilt.

Carl Theodor Dreyer (1889–1968) ist der bedeutendste Filmemacher des dänischen Kinos und bis heute einer der eigensinnigsten Künstler, die im Laufe der Filmgeschichte in diesem Medium gearbeitet haben.Dreyers ästhetisch kompromisslose Haltung führte dazu, dass er über den Zeitraum eines knappen halben Jahrhunderts in fünf verschiedenen Ländern lediglich 14 Spielfilme realisieren konnte. Nimmt man nur die bekanntesten – "La Passion de Jeanne d''Arc" (1928), "Vampyr" (1932), "Ordet" (1955) und "Gertrud" (1964) – zum Maßstab, so deutet sich in ihnen bereits eine thematische und formale Vielfalt an, die für sein Schaffen insgesamt charakteristisch ist. Das allen seinen Filmen Gemeinsame und Besondere wird dabei oft an ihrer Spiritualität festgemacht. Für Chris Marker waren Dreyers Filme schlicht an die Ewigkeit gerichtet. Paul Schrader sprach gar von einem "transzendenten Stil", mit dem die gewohnten Raum- und Zeitverhältnisse zur Auflösung gebracht werden. Das Geheimnis der Unverwechselbarkeit eines Dreyer-Films ist damit jedoch längst noch nicht gelöst. Die Beiträge zu diesem Band setzen ganz eigene Schlaglichter auf ein Werk, dessen innere Komplexität und unverbrüchliche Schönheit es immer wieder neu zu entdecken gilt.

Yorgos Lanthimos gehört zu den prägnantesten, gleichzeitig wandelbarsten Regisseuren des Gegenwartskinos. Seine Wurzeln hat er im sogenannten Weird Greek Cinema, dessen international bekanntester Vertreter er wurde.Lanthimos'' noch in Griechenland produzierte Filme "Alps" und vor allem "Dogtooth" wurden zu Klassikern eines neuen Kinos der Groteske, in deren Mittelpunkt provokante Sozialkritik im Sinne einer Sezierung der Kommunikations- und Emotionsdefizite zeitgenössischer Gesellschaften steht. Diese Themen übertrug er dann auch auf seine internationalen Produktionen wie "The Lobster" oder "The Killing of a Sacred Deer", für die er trotz ihrer Sperrigkeit schnell Starbesetzungen aufbieten konnte. Gleichzeitig blieb Lanthimos seinen Wurzeln treu, neben dem opulenten Oscar-prämierten Kostümfilm "Poor Things" produzierte er zeitgleich den "kleinen", an seine frühen griechischen Filme angelehnten Ensemblefilm "Kinds of Kindness". Dass er mit "The Favourite" auch bedenkenlos ins Mainstream-Fach wechseln konnte, ohne seine ihm eigene Bildsprache zu verlieren, spricht für die Vielseitigkeit und Kreativität eines der interessantesten Filmemacher unserer Zeit.

Yorgos Lanthimos gehört zu den prägnantesten, gleichzeitig wandelbarsten Regisseuren des Gegenwartskinos. Seine Wurzeln hat er im sogenannten Weird Greek Cinema, dessen international bekanntester Vertreter er wurde.Lanthimos'' noch in Griechenland produzierte Filme "Alps" und vor allem "Dogtooth" wurden zu Klassikern eines neuen Kinos der Groteske, in deren Mittelpunkt provokante Sozialkritik im Sinne einer Sezierung der Kommunikations- und Emotionsdefizite zeitgenössischer Gesellschaften steht. Diese Themen übertrug er dann auch auf seine internationalen Produktionen wie "The Lobster" oder "The Killing of a Sacred Deer", für die er trotz ihrer Sperrigkeit schnell Starbesetzungen aufbieten konnte. Gleichzeitig blieb Lanthimos seinen Wurzeln treu, neben dem opulenten Oscar-prämierten Kostümfilm "Poor Things" produzierte er zeitgleich den "kleinen", an seine frühen griechischen Filme angelehnten Ensemblefilm "Kinds of Kindness". Dass er mit "The Favourite" auch bedenkenlos ins Mainstream-Fach wechseln konnte, ohne seine ihm eigene Bildsprache zu verlieren, spricht für die Vielseitigkeit und Kreativität eines der interessantesten Filmemacher unserer Zeit.

Seit Beginn des 21. Jahrhunderts erleben kontrafaktische NSDarstellungen einen Boom, der stark von audiovisuellen Medien geprägt ist. Längst finden sich solche Produktionen nicht mehr nur in Genre-Nischen, sondern erreichen ein breites Publikum. Kinofilme wie Inglourious Basterds, Serien wie The Man in the High Castle oder Computerspiele wie Wolfenstein weichen drastisch und erkennbar vom historischen Geschehen ab. Durch die Freiheit, die sie im Umgang mit der Vergangenheit an den Tag legen, sperren sie sich gegen Erwartungen an die audiovisuelle Repräsentation des Nationalsozialismus: Sie entziehen sich Fragen der Angemessenheit und unterlaufen didaktische Anliegen. Gegenüber den Konventionen der Erinnerungskultur bilden kontrafaktische Darstellungen eine Geste der Provokation. Das stellt dieser Band zur Diskussion und liefert dazu Ansätze aus unterschiedlichen Disziplinen, Einblicke in verschiedene mediale Kontexte und eine Vielzahl von Beispielen.