Presses Universitaires de Vincennes – förlag

Traduit de l''anglais (États Unis) par Perton Camille.

La Shoah demeure à ce jour une référence fondamentale et unique pour toute enquête culturelle sur les violences de l''histoire. Mais, en dépit de ce discours sur sa singularité, la littérature et le cinéma français n''ont cessé de relier sa mémoire à d''autres régimes de violence, à l''époque du colonialisme comme dans le cadre post-colonial. Quelles carences et quels apports la mise en relation de la mémoire d''un crime historique avec un autre comporte-t-elle ? À travers une réflexion inédite sur la notion de complicité, Debarati Sanyal s''attache à montrer comment la littérature et le cinéma peuvent témoigner de la violence et de la barbarie lorsqu''ils rapprochent des réalités historiques éloignées et en font mémoire.

Traduit de l''anglais (États Unis) par Perton Camille.

La Shoah demeure à ce jour une référence fondamentale et unique pour toute enquête culturelle sur les violences de l''histoire. Mais, en dépit de ce discours sur sa singularité, la littérature et le cinéma français n''ont cessé de relier sa mémoire à d''autres régimes de violence, à l''époque du colonialisme comme dans le cadre post-colonial. Quelles carences et quels apports la mise en relation de la mémoire d''un crime historique avec un autre comporte-t-elle ? À travers une réflexion inédite sur la notion de complicité, Debarati Sanyal s''attache à montrer comment la littérature et le cinéma peuvent témoigner de la violence et de la barbarie lorsqu''ils rapprochent des réalités historiques éloignées et en font mémoire.

Parfois achevés à son insu, les livres de Pierre Michon peuvent rester longtemps en sursis, tels des tableaux dont l''heure n''est pas venue quand d''autres, plus récents, sortent de l''atelier. Mais tous semblent contemporains les uns des autres, pans détachés, selon une maturation inégale, du monument invisible, déjà là et à venir, de l''Œuvre : remise en chantier permanente, dans le doute et la joie, de questions toujours en suspens jusqu''au moment où, selon le mot de l''écrivain, ça marche. Le labyrinthe où, depuis l''inaugural Vies minuscules (1984), Michon chemine « à l''aveugle » semble ainsi se développer hors du temps, comme sous l''effet d''un secret principe organisateur.

S''appuyant sur la longue crise des Onze (2009) dont le dénouement tardif éclaire d''un jour nouveau un parcours singulier, cet essai analyse la « profonde nécessité non dite » qui opère à tous les niveaux de l''œuvre de Pierre Michon, du simple motif récurrent à l''architecture d''ensemble.

Parfois achevés à son insu, les livres de Pierre Michon peuvent rester longtemps en sursis, tels des tableaux dont l''heure n''est pas venue quand d''autres, plus récents, sortent de l''atelier. Mais tous semblent contemporains les uns des autres, pans détachés, selon une maturation inégale, du monument invisible, déjà là et à venir, de l''Œuvre : remise en chantier permanente, dans le doute et la joie, de questions toujours en suspens jusqu''au moment où, selon le mot de l''écrivain, ça marche. Le labyrinthe où, depuis l''inaugural Vies minuscules (1984), Michon chemine « à l''aveugle » semble ainsi se développer hors du temps, comme sous l''effet d''un secret principe organisateur.

S''appuyant sur la longue crise des Onze (2009) dont le dénouement tardif éclaire d''un jour nouveau un parcours singulier, cet essai analyse la « profonde nécessité non dite » qui opère à tous les niveaux de l''œuvre de Pierre Michon, du simple motif récurrent à l''architecture d''ensemble.

Hélène Cixous publie depuis 1967 une œuvre devenue considérable. Chaque livre publié est un corollaire de ceux qui le précèdent, dans le sens qu’il est un « prolongement », une « suite logique » ou « naturelle ». L’ouvrage propose plusieurs pistes à partir desquels s’orienter dans le vaste paysage textuel d’Hélène Cixous : la puissance de la littérature, l’écriture de l’Histoire, l’impossibilité de l’autobiographie, la capacité de l’écriture à rendre la vie aux êtres disparus et le style « cixousien ».

Hélène Cixous publie depuis 1967 une œuvre devenue considérable. Chaque livre publié est un corollaire de ceux qui le précèdent, dans le sens qu’il est un « prolongement », une « suite logique » ou « naturelle ». L’ouvrage propose plusieurs pistes à partir desquels s’orienter dans le vaste paysage textuel d’Hélène Cixous : la puissance de la littérature, l’écriture de l’Histoire, l’impossibilité de l’autobiographie, la capacité de l’écriture à rendre la vie aux êtres disparus et le style « cixousien ».

À l''heure d''internet, un vaste public s''est mis à écrire. Or ce phénomène n''est pas nouveau. Après la Révolution française, à mesure que progressait la scolarisation, les classes laborieuses et les gens ordinaires se sont emparés de l''écrit. Comment la littérature, comment les écrivains professionnels, qui jusqu''alors détenaient sinon un monopole, du moins un pouvoir sur la langue écrite ont-ils accueilli ce nouveau partage ? Comment ont-ils réagi à cette concurrence inédite ? Y ont-ils vu une ressource ou une menace ? Ce livre tente de répondre à de telles questions en explorant les œuvres littéraires. Si Gustave Flaubert et Virginie Despentes forment les bornes chronologiques de cet ouvrage, la réflexion s''appuie principalement sur un corpus de huit auteurs témoins : Marcel Proust, Colette, Louis Guilloux, Henry Poulaille, Annie Ernaux, François Bon, François Bégaudeau et Ivan Jablonka. On verra, chemin faisant, que la littérature éclaire les débats les plus contemporains sur l''école, l''oral et l''écrit, les fractures culturelles, l''illetrisme et la marginalité.

À l''heure d''internet, un vaste public s''est mis à écrire. Or ce phénomène n''est pas nouveau. Après la Révolution française, à mesure que progressait la scolarisation, les classes laborieuses et les gens ordinaires se sont emparés de l''écrit. Comment la littérature, comment les écrivains professionnels, qui jusqu''alors détenaient sinon un monopole, du moins un pouvoir sur la langue écrite ont-ils accueilli ce nouveau partage ? Comment ont-ils réagi à cette concurrence inédite ? Y ont-ils vu une ressource ou une menace ? Ce livre tente de répondre à de telles questions en explorant les œuvres littéraires. Si Gustave Flaubert et Virginie Despentes forment les bornes chronologiques de cet ouvrage, la réflexion s''appuie principalement sur un corpus de huit auteurs témoins : Marcel Proust, Colette, Louis Guilloux, Henry Poulaille, Annie Ernaux, François Bon, François Bégaudeau et Ivan Jablonka. On verra, chemin faisant, que la littérature éclaire les débats les plus contemporains sur l''école, l''oral et l''écrit, les fractures culturelles, l''illetrisme et la marginalité.

Cet ouvrage entend interroger le constat porté par la quasi-totalité des chercheurs en science sociale : nos sociétés sont saturées de mémoires, historiques, culturelles, sociales, savantes, individuelles, que le discours ordinaire pare de toutes les vertus et de toutes les obligations morales. Qu’en est-il de ce constat lorsque nous parlons d’intégration européenne ?

Cet ouvrage entend interroger le constat porté par la quasi-totalité des chercheurs en science sociale : nos sociétés sont saturées de mémoires, historiques, culturelles, sociales, savantes, individuelles, que le discours ordinaire pare de toutes les vertus et de toutes les obligations morales. Qu’en est-il de ce constat lorsque nous parlons d’intégration européenne ?

Comment réfléchir les relations entre design et sciences, à une époque où l’omniprésence du design dans la société semble aller de paire avec la difficulté de sa définition ?Cet ouvrage propose une synthèse inédite des liens interdisciplinaires situant le design à l’enchevêtrement entre l’anthropologie de l’image, l’esthétique, l’histoire de l’art, les Sciences and Technological Studies (STS) et la culture visuelle des sciences. Il s’agit de proposer une analyse d’exemples historiques comme de pratiques de recherches contemporaines qui situeraient le design entre recherche et science.

Comment réfléchir les relations entre design et sciences, à une époque où l’omniprésence du design dans la société semble aller de paire avec la difficulté de sa définition ?Cet ouvrage propose une synthèse inédite des liens interdisciplinaires situant le design à l’enchevêtrement entre l’anthropologie de l’image, l’esthétique, l’histoire de l’art, les Sciences and Technological Studies (STS) et la culture visuelle des sciences. Il s’agit de proposer une analyse d’exemples historiques comme de pratiques de recherches contemporaines qui situeraient le design entre recherche et science.

« Le prénom de Dieu » est le premier livre publié par Hélène Cixous, en 1967. Il aura été le Point de Départ, un départ pour un long voyage, qui compte déjà plus de quatre-vingts escales et dure depuis cinq décennies. Comme l’a écrit Jacques Derrida, sur qui ce recueil est arrivé comme un olni (« objet littéraire non identifié »), dans cet ouvrage « s’annonce, se nomme sans se nommer, se prénomme un grand absent. On pourrait croire à la reprise, par une écriture littéraire à la fois picaresque, fantastique, kafkaïenne, joycienne, des opérations de la théologie négative ». Pour Hélène Cixous, écrire, cet « acte violent d’amour », est le « morcellement d’un cri », un cri qui peut être une manifestation de la douleur d’exister, mais aussi un appel vers ce qui promet et qu’on nomme parfois « Dieu », faute de mieux.

« Le prénom de Dieu » est le premier livre publié par Hélène Cixous, en 1967. Il aura été le Point de Départ, un départ pour un long voyage, qui compte déjà plus de quatre-vingts escales et dure depuis cinq décennies. Comme l’a écrit Jacques Derrida, sur qui ce recueil est arrivé comme un olni (« objet littéraire non identifié »), dans cet ouvrage « s’annonce, se nomme sans se nommer, se prénomme un grand absent. On pourrait croire à la reprise, par une écriture littéraire à la fois picaresque, fantastique, kafkaïenne, joycienne, des opérations de la théologie négative ». Pour Hélène Cixous, écrire, cet « acte violent d’amour », est le « morcellement d’un cri », un cri qui peut être une manifestation de la douleur d’exister, mais aussi un appel vers ce qui promet et qu’on nomme parfois « Dieu », faute de mieux.

Les formes et les modalités concrètes de la socialisation familiale, alors même qu''elles sont considérées comme centrales pour comprendre les mécanismes de reproduction des inégalités scolaires et sociales, ont logtemps été postulées ou déduites plutôt qu''étudiées.Cet ouvrage entend contribuer à ouvrir la « boîte noire » que constitue encore en grande partie la famille, en portant la focale sur les processus concrets de construction familiale des dispositions sociales enfantines. Il réunit les contributions de chercheurs venus d''horizons divers, qui se proposent de mettre à l''épreuve de la discussion leurs approches et leurs manières de questionner et d''investir empiriquement la question de la construction de la différenciation sociale de l''enfance.

Les formes et les modalités concrètes de la socialisation familiale, alors même qu''elles sont considérées comme centrales pour comprendre les mécanismes de reproduction des inégalités scolaires et sociales, ont logtemps été postulées ou déduites plutôt qu''étudiées.Cet ouvrage entend contribuer à ouvrir la « boîte noire » que constitue encore en grande partie la famille, en portant la focale sur les processus concrets de construction familiale des dispositions sociales enfantines. Il réunit les contributions de chercheurs venus d''horizons divers, qui se proposent de mettre à l''épreuve de la discussion leurs approches et leurs manières de questionner et d''investir empiriquement la question de la construction de la différenciation sociale de l''enfance.

Ce livre montre comment, dans les années 1960-1970, la censure française du cinéma, qui coupe et interdit des films pour des raisons morales et politiques, se transforme en une instance de classification. Plus généralement, il interroge, par le prisme de cette institution, les rapports entre art, mœurs et politique dans une phase critique située autour de 1968. L''enquête s''appuie principalement sur des archives publiques, des articles de presse et des entretiens. Elle se situe à la croisée de plusieurs disciplines ; la science politique, la sociologie, l''histoire et les études cinématographiques.

Ce livre montre comment, dans les années 1960-1970, la censure française du cinéma, qui coupe et interdit des films pour des raisons morales et politiques, se transforme en une instance de classification. Plus généralement, il interroge, par le prisme de cette institution, les rapports entre art, mœurs et politique dans une phase critique située autour de 1968. L''enquête s''appuie principalement sur des archives publiques, des articles de presse et des entretiens. Elle se situe à la croisée de plusieurs disciplines ; la science politique, la sociologie, l''histoire et les études cinématographiques.

Comment l''expérience du changement de langue - de vie et d''écriture - a contribué de manière décisive à l''élaboration de la poétique d''Agota Kristof ?Sara De Balsi répond en abordant l’œuvre de l''écrivaine hongroise, exilée en Suisse romande, à partir de la dimension peu exploitée du translinguisme. Comment l''auteure en vient-elle à écrire en français, une langue qu''elle ne connaissait pas avant son exil ? Quelles conséquences ce choix comporte-t-il sur le plan littéraire ?Mode d''existence ainsi que thème constant de l’œuvre, le translinguisme constitue un accès privilégié aux textes d''Agota Kristof. C''est par ce prisme que Sara De Balsi examine l''imaginaire des langues et de la traduction de l''auteure, propose une analyse sociologique et sociodiscursive de l’œuvre, étudie son cheminement à travers les genres et interroge la place, en son sein, du thème fondamental de la frontière.

Comment l''expérience du changement de langue - de vie et d''écriture - a contribué de manière décisive à l''élaboration de la poétique d''Agota Kristof ?Sara De Balsi répond en abordant l’œuvre de l''écrivaine hongroise, exilée en Suisse romande, à partir de la dimension peu exploitée du translinguisme. Comment l''auteure en vient-elle à écrire en français, une langue qu''elle ne connaissait pas avant son exil ? Quelles conséquences ce choix comporte-t-il sur le plan littéraire ?Mode d''existence ainsi que thème constant de l’œuvre, le translinguisme constitue un accès privilégié aux textes d''Agota Kristof. C''est par ce prisme que Sara De Balsi examine l''imaginaire des langues et de la traduction de l''auteure, propose une analyse sociologique et sociodiscursive de l’œuvre, étudie son cheminement à travers les genres et interroge la place, en son sein, du thème fondamental de la frontière.

De la peinture de Francis Bacon aux films d’Alain Resnais, les œuvres visuelles de prédilection de Gilles Deleuze s’inscrivent dans une esthétique qui valorise l’excès, l’errance et la sublimation. De l’hystérie en peinture au surgissement de l’image-temps au cinéma, Deleuze promeut la propagation directe des forces que l’image véhicule, privilégiant la pure présence de ce qui est image. Sa critique de la mimésis et des distances réflexives de la représentation témoigne d’une forte défense des états de fusion et d’une fuite dans l’imaginaire.

L’approche philosophique de Deleuze a pour singularité de penser l’image sans transcendance, sans manque et sans absence.Ce livre incite à considérer les origines et les conséquences d’une telle affirmation de l’immanence de l’image, y compris ses contradictions, tout en ouvrant un questionnement plus général sur le rapport entre image et subjectivité.

De la peinture de Francis Bacon aux films d’Alain Resnais, les œuvres visuelles de prédilection de Gilles Deleuze s’inscrivent dans une esthétique qui valorise l’excès, l’errance et la sublimation. De l’hystérie en peinture au surgissement de l’image-temps au cinéma, Deleuze promeut la propagation directe des forces que l’image véhicule, privilégiant la pure présence de ce qui est image. Sa critique de la mimésis et des distances réflexives de la représentation témoigne d’une forte défense des états de fusion et d’une fuite dans l’imaginaire.

L’approche philosophique de Deleuze a pour singularité de penser l’image sans transcendance, sans manque et sans absence.Ce livre incite à considérer les origines et les conséquences d’une telle affirmation de l’immanence de l’image, y compris ses contradictions, tout en ouvrant un questionnement plus général sur le rapport entre image et subjectivité.

Ce recueil de textes inédits ou introuvables de Claudine Eizykman, flamboyante cinéaste théoricienne, constitue une refondation radicale de la théorie du cinéma, élaborée et approfondie de 1970 à 2018. Renversant les doctrines fondées sur les standards de la narration-représentation, elle part du principe cinématographique comme mouvement paradoxal dont elle situe l''expérience originaire dans les avant-gardes et le cinéma expérimental, qui deviennent des lieux à partir desquels construire une pensée productive sur le cinéma. Sa méthode holistique, ses concepts ciselés, ses lectures éclairées de la quasi-exhaustivité des grands textes philosophiques, scientifiques, esthétiques à propos du cinéma, de Bergson à Warhol, ses analyses affutées des films d''Alexeïeff, Anger, Eggeling, Fihman, Kubelka, Len Lye, Man Ray, Mekas, O''Neil, Richter, Snow, Willoughby, jusqu''à Men in Black ou Mulholland Drive, constituent à la lecture autant d''expériences de pensée en cinéma stimulantes et émancipatrices : une forme prenante et surprenante de film-après-coup.

Ce recueil de textes inédits ou introuvables de Claudine Eizykman, flamboyante cinéaste théoricienne, constitue une refondation radicale de la théorie du cinéma, élaborée et approfondie de 1970 à 2018. Renversant les doctrines fondées sur les standards de la narration-représentation, elle part du principe cinématographique comme mouvement paradoxal dont elle situe l''expérience originaire dans les avant-gardes et le cinéma expérimental, qui deviennent des lieux à partir desquels construire une pensée productive sur le cinéma. Sa méthode holistique, ses concepts ciselés, ses lectures éclairées de la quasi-exhaustivité des grands textes philosophiques, scientifiques, esthétiques à propos du cinéma, de Bergson à Warhol, ses analyses affutées des films d''Alexeïeff, Anger, Eggeling, Fihman, Kubelka, Len Lye, Man Ray, Mekas, O''Neil, Richter, Snow, Willoughby, jusqu''à Men in Black ou Mulholland Drive, constituent à la lecture autant d''expériences de pensée en cinéma stimulantes et émancipatrices : une forme prenante et surprenante de film-après-coup.

Issu d’un paradigme culturel étranger au système des beaux-arts, puisant ses ressources dans la liturgie afro-chrétienne et dans les pratiques carnavalesques, frayant dès son apparition avec la comédie musicale ou plus tard, avec le happening moderniste, le jazz a toujours débordé le domaine de la musique. « Le Jazz et la scène » propose d’appréhender ces débordements comme les manifestations d’une théâtralité aux multiples visages. À travers l’analyse du geste instrumental, des signes explicites et des insinuations discrètes, cet ouvrage montre comment la performance jazz transcende l’abstraction musicale pour faire de la scène un espace de représentation, mais aussi un instrument de légitimation culturelle et de constructions des identités.

Issu d’un paradigme culturel étranger au système des beaux-arts, puisant ses ressources dans la liturgie afro-chrétienne et dans les pratiques carnavalesques, frayant dès son apparition avec la comédie musicale ou plus tard, avec le happening moderniste, le jazz a toujours débordé le domaine de la musique. « Le Jazz et la scène » propose d’appréhender ces débordements comme les manifestations d’une théâtralité aux multiples visages. À travers l’analyse du geste instrumental, des signes explicites et des insinuations discrètes, cet ouvrage montre comment la performance jazz transcende l’abstraction musicale pour faire de la scène un espace de représentation, mais aussi un instrument de légitimation culturelle et de constructions des identités.

En 1969, dans un contexte de fortes revendications sociales, des artistes décident d’œuvrer dans la rue, au risque de passer inaperçus : ce sont les « Street Works ». À cette occasion, Vito Acconci décide de suivre chaque jour, durant vingt-trois jours, une personne différente dans les rues de New York jusqu’à ce qu’elle entre dans un lieu privé. C’est peut-être la première fois dans l’histoire de l’art qu’une œuvre se doit de ne pas être vue en tant que telle. Elle se dérobe à toute visibilité artistique par le spectateur pour n’acquérir une reconnaissance qu’a posteriori.Pour explorer ce paradoxe entre imperceptibilité du geste et visibilité de l’œuvre, cet ouvrage convoque différents cadres d’analyses, de la tradition littéraire aux philosophies de la modernité en passant par la psychanalyse. Ce faisant, il relie ces actions furtives semble-t-il novatrices à une tradition plus ancienne, à même d’appréhender leurs enjeux politiques et sociaux.

En 1969, dans un contexte de fortes revendications sociales, des artistes décident d’œuvrer dans la rue, au risque de passer inaperçus : ce sont les « Street Works ». À cette occasion, Vito Acconci décide de suivre chaque jour, durant vingt-trois jours, une personne différente dans les rues de New York jusqu’à ce qu’elle entre dans un lieu privé. C’est peut-être la première fois dans l’histoire de l’art qu’une œuvre se doit de ne pas être vue en tant que telle. Elle se dérobe à toute visibilité artistique par le spectateur pour n’acquérir une reconnaissance qu’a posteriori.Pour explorer ce paradoxe entre imperceptibilité du geste et visibilité de l’œuvre, cet ouvrage convoque différents cadres d’analyses, de la tradition littéraire aux philosophies de la modernité en passant par la psychanalyse. Ce faisant, il relie ces actions furtives semble-t-il novatrices à une tradition plus ancienne, à même d’appréhender leurs enjeux politiques et sociaux.

« Ce qui arrive en Chine arrive dans le monde, et ce qui arrive dans le monde arrive en Chine ». Ce simple énoncé, aux faux airs de tropisme, assume en une phrase toute la radicalité d’Arif Dirlik. Ce sinologue américain d’origine turque est à l’écoute de ce que nous dit la Chine, sans jamais s’exempter de nous rappeler les complicités économiques, politiques, managériales ou académiques qui accompagnent son incroyable développement. Les origines du mot « Chine », l’importation des sciences sociales, l’influence de l’anarchisme sur les premiers marxistes chinois, la trahison des promesses de la révolution, la Chine postsocialiste et le postmodernisme, le renouveau nationaliste, la destruction massive de l’environnement et la croissance continue des inégalités… voici la liste non exhaustive des sujets abordés par Arif Dirlik dans cet ouvrage qui échappe aux pièges de la sentimentalité victimaire et des discours exceptionnaliste comme essentialiste de la supposée « altérité » chinoise qui ont marqué les esprits au tournant du xxie siècle. Ce premier choix de textes, fait avec leur auteur, permet de découvrir la logique imparable qui lie histoire, langage et théorie critique dans une longue et fructueuse carrière, achevée trop tôt en décembre 2017.