Editorial GG, S.L. – förlag

La teoría del color de Johannes Itten puede considerarse una referencia universal para todas aquellas personas —artistas, diseñadores, historiadores del arte, estudiantes— interesadas en el color y sus complejidades. No hay libro o curso de introducción al color que de forma directa o indirecta no haga referencia a las aportaciones teóricas y pedagógicas de Itten.Publicado en 1961, El arte del color recoge el material didáctico de los cursos que el autor impartió acerca del color en la famosa escuela de arte y arquitectura de la Bauhaus, un libro que, con el tiempo, se ha convertido en un clásico en plena vigencia. Con un enfoque esencialmente divulgativo, el estudio explica los conceptos, teorías y comportamientos del color comoel círculo cromático, los contrastes cromáticos, las mezclas de colores, el efecto espacial de los colores… Cuestiones fundamentales de la teoría del color que son planteadas con la maestría del artista y la sencillez del pedagogo.Esta edición abreviada de la obra de Itten se dirige a un público amplio, tanto a aquellas personas vinculadas al mundo de la creatividad como al lector interesado en la cultura visual.

El espacio vacío es una oportunidad, un encuentro activo.En este libro, Guridi reflexiona sobre cómo el cine, el teatro y la arquitectura articulan ese espacio, y sobre cómo podemos adaptar esas ideas en la creación de nuestras obras visuales.

Siempre se dice que lo más importante de cualquier proyecto es la idea. Pero sin argumento, sin relato que la defienda, una idea se queda huérfana. Las ideas hay que dotarlas de "verdad" y la verdad surge de tus vivencias, experiencias vividas y compartidas, es lo que define la singularidad de tu proyecto. Esto exige una implicación, ambición e ilusión importantes. En este nuevo libro el autor nos enseña cómo las conexiones entre los objetos cotidianos y las palabras producen imágenes y relatos que confluyen para definir su obra, su identidad

Profundamente revisada y ampliada, esta segunda edición de Pensar con tipos nos proporciona docenas de nuevas fuentes, ejemplos, ejercicios, ideas y consejos, además de una revisión y actualización exhaustiva de cada detalle. Con treinta y dos páginas nuevas respecto a la edición anterior, el nuevo contenido aporta, entre otras cosas, una amplia gama de familias tipográficas y un espacio para los trabajos de las diseñadoras, así como de otros colectivos históricamente silenciados.Convertido en un referente indiscutible, la obra se dirige a los lectores y escritores, diseñadores y editores, profesores y estudiantes cuyo trabajo esté relacionado con la impredecible vida de la palabra escrita, así como a todos aquellos interesados en las cuestiones culturales y teóricas que alimentan el diseño tipográfico.La obra se divide en tres secciones: letra, texto y maqueta. Partiendo de la unidad básica que es la letra, aborda después las particularidades de la organización de las palabras en cuerpos de texto coherentes y sistemas flexibles. Los proyectos de muestra y los ejercicios prácticos que se incluyen, explican no solo cómo se estructura la tipografía, sino por qué se hace así, con la intención de desvelar las bases funcionales y culturales que residen tras las convenciones del diseño.Pensar con tipos es un recurso inestimable para todos aquellos que alguna vez han tenido que atravesar el territorio abismal de la página en blanco y se han visto asediados por las preguntas ¿qué tipo usar?, ¿a qué tamaño?, ¿cómo componer, alinear y espaciar todas esas letras, palabras y párrafos? Una guía que nos enseña a movernos con imaginación dentro del conjunto de normas tipográficas y nos orienta sobre cuándo es conveniente romperlas.

"Lo que no queremos, aquello que simboliza la frustración, el bloqueo, lo incómodo. Aquello que en el fondo sabemos que es necesario para avanzar en lo que buscamos. [...] Un desecho útil para quien piense y sienta antes de actuar."En esta nueva edición, Guridi revisita el proceso creativo y ahonda en el papel del error con nuevas reflexiones y narraciones visuales. A caballo entre un manual de creatividad y un cuaderno de artista,el libro que tienes entre las manos es una invitación a pasear por los entresijos de la creación y las dobleces de la subjetividad para entender el arte en base a la autenticidad y la conexión.

Desde collares, diademas y pendientes hasta bolsos, cojines y maceteros, con esta práctica guía aprenderemos a crear 20 simples y hermosos proyectos con macramé inspirados en la belleza de la naturaleza.Con claras instrucciones paso a paso, ilustraciones y fotografías, y con el estilo escandinavo que la caracteriza, la artista Fanny Zedenius nos invita a descubrir las ilimitadas posibilidades que nos ofrece esta técnica ancestral y a crear todo tipo de accesorios.

Tras el éxito de Acuarela creativa, Acuarela creativa con técnica mixta y Armonía de color para artistas, la acuarelista mexicana Ana Victoria Calderón nos invita a sumergirnosen un nuevo viaje de autodescubrimiento creativo a través de las formas y la simbología de la geometría sagrada.• Descubre los fundamentos de la geometría sagrada, su papel en las diversas culturas y su influencia sobre algunos artistas.•Conoce los materiales, técnicas y aspectos esenciales del dibujo técnico que te permitirán crear figuras básicas llenas de simbolismo: el círculo, la Vesica Piscis, el nudo gordiano...•Ejercita tu creatividad y aprende a crear efectos sorprendentes a través de fascinantes proyectos conformados por motivos inspiradores y universales, como la semilla de la vida, la flor de la vida, el cubo de metatrón o el anillo.

Descubre el arte del bordado botánico contemporáneo junto a la artista Arounna Khounnoraj. Con este completo manual, aprenderemos todo lo necesario para crear asombrosas piezas botánicas y descubriremos la versatilidad de este maravilloso arte ancestral.Conoce las herramientas, materiales y técnicas básicas de bordado que te permitirán explorar y adaptar la práctica a tu estilo, así como las claves del proceso de diseño.Accede a un completo directorio de puntos de bordado explicados paso a paso: puntos de contorno (punto de hilván, pespunte, de cadeneta...), de remate (punto de festón, de mosca, de pluma...) y de relleno (satén, tendido, de onda...).Bellos y variados proyectos con instrucciones paso a paso: desde una funda de cojín con flores de lana y unas servilletas florales hasta un monedero con margaritas, un top con hojas, una bandolera con follaje o un herbario bordado.

Principios de ilustración es una introducción básica al oficio de ilustrador que expone de forma clara y exhaustiva las claves de la práctica profesional. A partir de un enfoque eminentemente pragmático de la disciplina, el libro explica todo lo que hay que saber para adentrarse de lleno en el mundo profesional: desde cómo generar ideas o qué medios y utensilios pueden emplearse para dibujar, hasta cuáles son los sectores del mercado que suelen requerir los servicios de un ilustrador, las claves para elaborar un portfolio y otros materiales de presentación y, finalmente, los aspectos básicos sobre la producción y la impresión de trabajos de ilustración.Una guía pensada para que ilustradores, diseñadores e incluso clientes conozcan las especificidades de este sector profesional.

Una verdadera bíblia del dibujo anatómico pensada para facilitar y enriquecer la práctica del dibujo al natural y la obervación.Con el fin de complementar la exitosa colección «Anatomía artística», en la presente antología Michel Lauricella reúne y amplía el contenido de tres de sus volúmenes clave: el esqueleto, articulaciones y funciones musculares, y grasas y pliegues de la piel. Aborda así las formas del cuerpo humano de forma completa, con atención a los sistemas óseo, articular, muscular y adiposo, e incluye más de 200 dibujos inéditos del autor acompañados de las respectivas consideraciones.Michel Lauricella, formado en la École Nationale Supérieure des Beaux-arts de París, es profesor de dibujo anatómico en L''Institut Supérieur des Arts Appliqués (Lisaa) y en el taller Fabrica114, en París. Lleva más de veinte años impartiendo clases de morfología humana a través del dibujo en diferentes centros de Francia. Es autor de diversos manuales de dibujo entre los que destacan los de la serie «Anatomía artística», publicados por esta editorial.

El color ejerce una enorme influencia sobre nuestros comportamientos, decisiones y emociones. Tras un breve repaso a la historia y las distintas teorías, en esta pequeña guía Karen Haller nos introduce en el funcionamiento de la percepción del color y su relación con nuestras emociones.En forma de herramientas prácticas, tablas informativas y consejos, El pequeño libro del color pone además a nuestro alcance un sinfín de maneras de utilizar el potencial transformador del color en distintos ámbitos: desde nuestra forma de vestir y decorar nuestro hogar hasta su papel en el entorno de trabajo y las relaciones.

Con sus bonitos proyectos, que podemos realizar con solo seis colores, ''El gran libro de crochet de miffy'' hará las delicias de grandes y pequeños, así como de expertos y principiantes en el mundo del crochet.Amigos: Crea suaves peluches de Miffy y sus amigos: Melanie, Poppy, Snuffy y pájaro.Fiesta: Organiza una celebración por todo lo alto gracias a los puntos de crochet: desde una tarta y una guirnalda hasta salvamanteles, posavasos y una corona de fiesta.Habitación infantil: Teje bonitos adornos para el cuarto de los más pequeños: un móvil con lunay estrellas, un mordedor, un peluche, una manta enorme y un elegante cojín.

Esta obra contiene 412 láminas con un total de 3.500 motivos artísticos seleccionados de entre los más diversos estilos, épocas y culturas, con el fin de proporcionar temas e ideas a una amplia gama de profesionales (dibujantes, arquitectos, escultores, cerrajeros, ebanistas, joyeros, calígrafos, etc.) en el desarrollo de sus creaciones.Por ello, Manual de ornamentación de F.S. Meyer es un verdadero catálogo de motivos ornamentales que resulta extremadamente útil para los artistas en cualquier momento de su proceso de trabajo.

La biografía de los más célebres arquitectos recorre las páginas de Vidas Construidas, una galería de personajes, veinte retratos-relatos que narran historias edificadas por clientes osados y artistas aventureros. Del renacimiento al movimiento moderno, multitud de mecenas, ciudades, materiales, técnicas e invenciones hilvanan unos relatos que quieren mostrar la trastienda humana de la historia de la arquitectura.

Este Manual de tipografía es una introducción a todo lo que cualquier estudiante o profesional del diseño gráfico debe saber sobre tipografía para desarrollar una sensibilidad y unos conocimientos tipográficos bien fundamentados.El libro expone los principios básicos de la tipografía y principales aplicaciones mediante una equilibrada combinación de historia, teoría y práctica. Así, el lector encontrará en estas páginas desde la descripción de las partes de la letra o la clasificación de los diferentes tipos, a la explicación de cómo se compone el texto en la página o cómo funcionan los sistemas de retículas. Pero también encontrará una breve y reveladora historia de la tipografía así como numerosos ejemplos y ejercicios prácticos que pretenden ayudar a adquirir un conocimiento experiencial de la disciplina.Esta segunda edición revisa algunos contenidos de la primera e incorpora nuevos diagramas explicativos y nuevos materiales sobre la composición de textos, la elección de tipos y el uso del color. El libro se apoya además en un nuevo sitio web www.atypeprimer.com (en inglés) que alberga materiales adicionales y una serie de ejercicios prácticos.

Cómo se construye una vivienda constituye un manual básico de todos aquellos problemas que atañen a la construcción de viviendas unifamiliares. El libro explica los pasos a seguir una vez realizado el proyecto y por ello su contenido completa el desarrollado en el manual Cómo se proyecta una vivienda.

Cómo se proyecta una vivienda constituye un manual básico de todos aquellos problemas que atañen al proyecto de viviendas unifamiliares. El recorrido del libro sigue los procesos que deben tenerse en cuenta a la hora de proyectar una casa, desde el planteamiento previo, las consideraciones acerca del lugar y las necesidades de los clientes, pasando por la elaboración de organigramas funcionales, el estudio de cada una de las piezas, su interrelación y las circulaciones, hasta las decisiones generales sobre los materiales de acabado interiores y exteriores. Con ello se ofrece al lector las claves para entender los problemas específicos de una casa, claves que se completan con un segundo manual (Cómo se construye una vivienda, Editorial Gustavo Gili) que explica los pasos a seguir una vez realizado el proyecto.

En el mundo contemporáneo las apariencias han sustituido a la realidad. No obstante, la fotografía, una tecnología históricamente al servicio de la verdad, sigue ejerciendo una función de mecanismo ortopédico de la conciencia moderna: la cámara no miente, toda fotografía es una evidencia. A partir de vivencias personales, el autor crítica esta creencia y reflexiona sobre aspectos fundamentales de la creación y de la cultura actual.Además de un nuevo diseño, cubierta y encuadernación, esta nueva edición incluye un prefacio del autor, escrito en abril de 2011, en el que explica el origen y gestación de El beso de Judas así como su recorrido hasta hoy.

El cambio de paradigma tecnológico al que la fotografía se ha visto sometida en los últimos años no sólo ha puesto de nuevo de manifiesto la naturaleza fotográfica de nuestra cultura, sino que ha zarandeado algunos de los fundamentos que parecían formar parte indisociable de lo fotográfico. A través del estilo desenfadado e irónico que siempre ha caracterizado a Joan Fontcuberta, La cámara de Pandora aborda la refundación de este medio en el nuevo entorno digital para repensar aquellas cuestiones que van más allá de lo estrictamente fotográfico y para abrirse a los nuevos principios que se plantean con la nueva fotografía.Con artículos de marcado tono lúdico como muestran sus propios títulos -''Yo conocí a las Spice Girls'' o ''El misterio del pezón desaparecido''-, el autor retoma el hilo conductor que ya marcara en El beso de Judas. Fotografía y verdad y, en esta nueva entrega de dieciséis ensayos, desgrana lo que queda de la fotografía: los restos de la autenticidad, los restos de lo documental, los restos de unos valores que hicieron que la fotografía moldeara la mirada moderna y contribuyera a nuestra felicidad. Y, fiel al principio de que una fotografía vale más que mil mentiras, el autor elucida la naturaleza de la nueva fotografía (digital) y sus extravíos. De ahí derivan reflexiones críticas y evocaciones poéticas que rastrean los empeños de una posmoderna cámara de Pandora que ya no se limita a describir nuestro entorno sino que ambiciona poner orden y transparencia en los sentimientos, la memoria y la vida.

En la primera década del siglo XXI, una premiada imagen del fotoperiodista Javier Bauluz y otra de Clemente Bernad protagonizaron dos sonadas polémicas. Sin entrar en el fondo del debate, Joan Fontcuberta interpreta las razones esgrimidas, camufladas bajo un manto de indiferencias cruzadas. ¿Es la cámara indiferente al suceso fotografiado? ¿Se puede fotografiar la indiferencia? ¿Pueden fotógrafo y modelo mantenerse indiferentes? ¿Es la fotografía indiferente al soporte que la vehiculiza? Tras esas cuestiones cabe desentrañar diferentes formulaciones de lo fotográfico. Discutir valores éticos e ideológicos implica entonces confrontarnos con modelos teóricos e historiográficos previos. Pero todo ello no es más que la coartada que permite a Fontcuberta entregarse a su obsesión de siempre: la frágil, dolorosa relación de la imagen con la verdad.

Arquitectura y política afronta una cuestión clave de la arquitectura contemporánea: su responsabilidad en relación a la sociedad. Para ello, a partir de una recopilación de textos agrupados en cinco capítulos Historias, Mundos, Metrópolis, Vulnerabilidades y Alternativas la obra lleva a cabo un recorrido histórico que narra el papel social de los arquitectos y los urbanistas hasta la actual era de la globalización. A partir de temas como la vida comunitaria, la participación, la igualdad de género y la sostenibilidad, este libro establece tanto las vulnerabilidades contemporáneas como aquellas alternativas ya experimentadas, de ahí su subtítulo Ensayos para mundos alternativos.

Las bañeras, las cocinas y los tenedores esconden una historia. La vida privada dice tanto de una civilización como el análisis de sus batallas y contiendas. Todo sobre la casa desgrana, estancia por estancia, la evolución de la vivienda a lo largo de la historia y nos descubre el origen de nuestros arraigados hábitos domésticos.Si los romanos comían acostados y durante la Edad Media se impuso la costumbre bárbara de comer sentado alrededor de una mesa, los reyes renacentistas, en cambio, solían comer solos frente a un numeroso séquito que permanecía de pie a su alrededor. Las primeras camas construidas eran estructuras elevadas para evitar humedades, corrientes y ratas, y más que un mueble destinado al descanso, para la nobleza medieval el lecho fue uno de los epicentros de la actividad social de la corte, donde se recibían visitas o se trataban asuntos de Estado. Los baños no gozaron de un espacio propio en la vivienda hasta bien entrado el siglo xx, cuando convergió la generalización de las tuberías, el agua caliente y las doctrinas higienistasAnatxu Zabalbeascoa narra en este libro una crónica amena y apasionante de aquellos hechos que, como éstos, han configurado la evolución de la casa y de nuestros hábitos domésticos. Arquitectura, tecnología y vida privada confluyen en esta obra transdisciplinar que, partiendo de un análisis social y antropológico, nos narra la historia de seis espacios baño, cocina, dormitorio, jardín, salón, comedor para desvelarnos la evolución de nuestra propia cotidianidad. Por sus páginas no sólo desfilan Le Corbusier y Chippendale, el estilo Imperio y los jardines colgantes de Babilonia, sino también inventores y decoradores, políticos y monarcas, así como nobles, burgueses y campesinos.El estudio de la autora discurre en paralelo a las potentes ilustraciones de Riki Blanco, que han sido minuciosamente creadas para este relato, y logran captar y trasladar al lector a ambientes pretéritos con excepcional agudeza.

Leer es respirar, es devenir es la primera publicación que recoge los textos de Olafur Eliasson escritos hasta la fecha. A través de veinticuatro ensayos breves y de las evocativas imágenes de algunas de sus obras, el artista danés de origen islandés presenta los temas más recurrentes de su trayectoria artística y nos invita a reflexionar sobre su complejo universo estético y perceptivo: desde el papel que desempeñamos como observadores en un museo o nuestras reacciones frente al color y la luz, hasta los diferentes tipos de movimiento o la percepción del paisaje en el tiempo. Al igual que en su obra artística, en este libro con prefacio del propio Eliasson el artista nos anima a formar parte de sus reflexiones abiertas, a recorrer los diversos temas planteados y, sobre todo, a que tomemos partido como lectores y vayamos más allá de la propia obra.

Un estilista de moda es la persona responsable de elegir un look y unas prendas y, más a menudo, de comunicar una idea, una tendencia o un tema de moda, o de anunciar un producto del sector. Los estilistas trabajan en el cuidado del estilismo para editoriales de moda (en revistas y periódicos), anuncios comerciales de moda (en publicidad), desfiles de moda y eventos, o como estilistas personales para clientes individuales.Además de su naturaleza práctica, el estilista cuestiona la manera en que percibimos la moda y el estilo, ya que en ocasiones conjuga las piezas de un modo inicialmente no pretendido por el diseñador, y conduce la indumentaria hacia una nueva dirección.Estilismo de moda analiza las diversas vertientes de esta disciplina en rápida expansión, examina las diferencias entre el estilismo comercial y el editorial, así como el tipo de habilidades que cada uno de ellos requiere, y describe la vida laboral cotidiana del estilista. Constituye una guía exhaustiva y eficaz para todos aquellos que estén interesados en el proceso de creación de imágenes de moda (el proceso fotográfico se explica de forma pormenorizada, paso a paso, analizando la selección y la preparación de las prendas, el día de la sesión y las fases de posproducción) y nos informa sobre cómo y por qué el estilista se ha transformado en parte integrante de revistas, diarios y campañas publicitarias y, más recientemente, en asesor de diseñadores y marcas de moda.El libro está ampliamente ilustrado con imágenes de estilismos diseñados tanto por profesionales como por estudiantes que demuestran que, incluso con un presupuesto limitado, con grandes dosis de imaginación y energía es posible crear obras bellas y adecuadas para cada necesidad.

Ropa de hombre ofrece una perspectiva atractiva y actual de esta área de la moda. Para ello, examina la evolución sociohistórica de la ropa de hombre a través de las distintas épocas y la influencia de la corte en ellas, así como la impronta que los estilos de la indumentaria mercantil y militar han tenido en nuestra vestimenta contemporánea.El libro repasa la complejidad de la historia de la moda, cómo la indumentaria masculina ha servido de inspiración a la ropa de mujer y viceversa y aborda el tema de la sastrería tradicional masculina, comparando las tradiciones sartoriales de Savile Row, en Londres, con la sastrería tradicional italiana o con el look universitario estadounidense. Dedica también una atención especial a la ropa deportiva de hombre y al impacto que causó la aparición del tejido denim.El libro incluye también entrevistas con estilistas y diseñadores de marcas contemporáneas, que proporcionan puntos de vista diversos sobre los diferentes estilos y modelos de rol masculino y su influencia en la ropa de hombre del siglo XXI.Mediante una gran variedad de imágenes inspiradoras y con la contribución inestimable de especialistas en ropa masculina, este libro estimula el interés por este fascinante campo de la moda y permite una mayor apreciación de las numerosas tecnologías y tradiciones que forman parte de su proceso de diseño.

El Diseño de exposiciones es una disciplina compleja y multidisciplinar, de carácter efímero, en constante evolución, y que responde a un contexto cultural y comercial cambiante. Este libro constituye una introducción básica al tema que examina el papel del diseñador como profesional creativo al servicio de una enorme industria y que ofrece los recursos necesarios para que los estudiantes y los profesionales del diseño de interiores puedan entender su complejidad específica y los diversos actores que intervienen en su proceso creativo.El libro está organizado en seis capítulos temáticos. El primero de ellos introduce el tema y sus problemas inherentes: los diferentes entornos de trabajo, los stands para las ferias de muestra y los montajes en exposiciones internacionales, museos o presentaciones de marcas.A continuación se analiza el contexto de las ferias y las exposiciones, sus problemas y el diseño de una narrativa, para terminar con la integración de las diferentes técnicas y profesiones que intervienen en el proceso, como son la iluminación, el diseño gráfico o los recorridos. Los últimos capítulos están dedicados al propio montaje y constituyen una guía básica para su ejecución.Acompaña a cada uno de los temas una exhaustiva serie de ilustraciones con ejemplos de montaje de exposiciones en museos, ferias o exposiciones internacionales. Como conclusión, y al final de cada apartado, se propone un ejemplo práctico resuelto por un estudiante, donde se plantean las preguntas claves para abordar el problema.

La asociación entre arquitectura y firmas comerciales es, hoy en día, algo más que una cuestión funcional. A la necesidad de personalizar el espacio donde una empresa expone su mercancía, se le ha sumado la tiranía del marketing y la creación en unos metros cuadrados de una tienda o expositor que refleje la personalidad y la filosofía del producto, los cuales son a su vez el mensaje de un estilo de vida ideal al alcance del consumidor. Desde hace pocas décadas, y a medida que la conducta y los hábitos sociales han ido cambiando en relación con el consumo, el diseño de tiendas se ha convertido en un género en sí mismo.

Este libro ofrece una introducción completa al apasionante mundo de la fotografía creativa aplicada. La estructura del libro conduce al lector desde las bases teóricas del hecho fotográfico, hasta la realización de un brief profesional, todo ello acompañado de explicaciones sobre el modo de utilización de los aspectos más técnicos. El objetivo de esta obra es la creación de imágenes, no solamente como método de expresión personal sino como práctica orientada hacia el mundo laboral.Principios de fotografía creativa aplicada es una visión única de las prácticas profesionales en el ámbito de la industria de creación de imágenes. Constituye la introducción perfecta para quienes buscan un empleo en la industria, estudian o enseñan módulos prácticos en el marco de los estudios de artes visuales de base fotográfica, así como para todos aquellos que han llegado a la industria por otras vías y buscan una fuente informativa de apoyo.