Universidad de Lima – förlag

Esta investigación es el registro de lo que la prensa escrita limeña y sus directivos y periodistas testimoniaron sobre los hechos que hicieron noticia en el Perú y el mundo entre 1900 y el 2000. En sus dos tomos, esta historia del periodismo intenta responder a interrogantes tan complejas como si este es plural o si sirve a determinados intereses políticos, o cuánto valora el interés público.

¿Qué nos dice el cine peruano del siglo XXI sobre nuestra sociedad actual? Después del fin del conflicto armado interno (1980-2000) y con la reconstrucción del país dentro de la agenda neoliberal, la producción cinematográfica ha crecido en los últimos veinte años; pero este auge se enfrenta a una financiación y exhibición imprevisibles en muchos casos, así como a una limitada capacidad de consolidar un público nacional.Cynthia Vich y Sarah Barrow reúnen en este libro a académicos de habla hispana e inglesa, quienes desde diferentes disciplinas estudian el cine peruano más reciente como un espacio en el que se expresan y discuten las transformaciones políticas, económicas, sociales y culturales del país. Los análisis se centran en una amplia variedad de formas cinematográficas y sus respectivos modos de producción, distribución y exhibición.Este libro ofrece un panorama de la producción cinematográfica peruana, en su diversidad temática y estilística, otorgando el mismo valor y visibilidad a los distintos tipos de cine. Junto al prestigioso cine de festivales o al exitoso cine comercial, se discute y analiza el cine regional e independiente, ambos generalmente ignorados por la crítica.

La vida en sociedad genera relaciones jurídicas de armonía, pero también de controversia e incertidumbre. Para solucionarlas, existe la tutela ejecutiva, que es lo que se aborda en este libro. En el capítulo primero se enfatiza en la necesidad de satisfacer los presupuestos procesales generales y el presupuesto procesal especial para exigir la tutela ejecutiva (capítulo segundo). Sigue el mandato ejecutivo y su operatividad en los distintos procesos (capítulo tercero). Luego, la contradicción, donde se consideran las causales que puede alegar la parte ejecutada en el proceso (capítulo cuarto), y la absolución a la contradicción (capítulo quinto). La actividad probatoria (capítulo sexto) es tratada desde el punto de vista constitucional y específico para este tema. Es probable que dicha actividad requiera de una audiencia, por lo que se exponen las ideas esenciales para su desarrollo, vinculándola con la oralidad (capítulo séptimo). Culminada la fase probatoria, corresponde la decisión judicial (capítulo octavo). Una vez que esta queda firme, sigue la etapa de ejecución forzada (capítulo noveno), en la que se trabaja el procedimiento para realizar esta fase procesal. La tutela ejecutiva sin contradicción se explica en el capítulo décimo y final del libro. En suma, esta publicación ofrece a los lectores información confiable y actualizada sobre esta materia.

¿Puede la semiótica estudiar la ciudad? ¿Acaso no es una disciplina dedicada exclusivamente al lenguaje? ¿O puede aportar algo sobre la ciudad sin repetir lo estudiado por las ciencias sociales? Semiótica de la ciudad es un esfuerzo colectivo que busca responder a estas preguntas tomando como punto de partida al espacio urbano como un texto, un tejido y un testigo de la producción de sentido.Alejándose de las miradas desde afuera y desde lejos, los trabajos aquí reunidos se aproximan desde la gastronomía, la percepción de inseguridad, los ritos funerarios, las letras de las canciones, el cine e incluso las caricaturas, siempre con el objetivo de examinar desde cerca y desde adentro, concentrándose en los detalles que permiten dar forma a la vida en la ciudad.Así, este libro no solo brinda una metodología de análisis al estudioso del espacio urbano, sino que también invita al lector a mirar con y como el semiotista; es decir, como alguien que se aproxima a la manera del experto y del amateur, quien se especializa y el que, etimológicamente, es el amante de los signos, de las ciudades y del sentido.

La capacidad es un tema de interés transversal en el derecho, está presente en todos sus ámbitos. Es un atributo que tiene todo sujeto a través del cual puede realizar actos que no le estén prohibidos. Desde el 2018, a través del Decreto Legislativo 1384, contamos con un nuevo tratamiento de la capacidad en el Código Civil que se adecúa a las directrices en pro de la autonomía y la plena capacidad jurídica de las personas con discapacidad, en concordancia con lo que dictamina la Convención Internacional de los Derechos de las Personas con Discapacidad. El régimen de sustitución de la voluntad de las personas incapaces es reemplazado por un modelo social a través de los apoyos y salvaguardias. Nos encontramos frente a un modelo inclusivo, democrático, de acuerdo con el respeto a los derechos humanos de todos los ciudadanos, (dignidad e igualdad), que parte del principio de que las personas con discapacidad tienen capacidad de ejercicio plena en igualdad de condiciones en todos y cada uno de los aspectos de su vida, y que reconoce su derecho a tomar sus propias decisiones así como el derecho a equivocarse.

La televisión se ha expandido por múltiples pantallas gracias a la tecnología digital. Esta versatilidad ha dado pie a una verdadera revolución en el medio, una que, anclando raíces en lo mejor de su tradición, ha encumbrado a la serialidad como uno de los grandes productos culturales de hoy. En esa línea, los autores reunidos en este libro le toman el pulso a la ficción contemporánea, interesándose en las constantes y variantes que operan detrás de los géneros (las series románticas, las de terror, las históricas, las de superhéroes, las de animación o los documentales), así como en sus estrategias narrativas, sus hibridaciones y sus implicancias culturales. De alguna manera, las páginas de este libro confirman que la ficción televisiva se ha convertido en el dispositivo que mejor refleja nuestras filias y fobias, nuestras ideas acerca del mundo, de la vida y la muerte, del bien y del mal, cuestionando y redefiniendo nuestras particulares nociones acerca del pasado, el presente y el futuro.

El relato policial surge en el siglo XIX, estrechamente vinculado con los cambios que trae la modernidad, como la ajetreada vida en las grandes ciudades y la exaltación del raciocinio lógico-deductivo. De ahí que, en su período clásico, narre las aventuras de brillantes investigadores que hacen alarde de sus poderes de deducción, como A. Dupin, S. Holmes o H. Poirot. Luego llegarían los desencantados detectives de la novela negra estadounidense, como Sam Spade o Philip Marlowe. En América Latina el policial adquiere una fisonomía particular, en especial a partir de la obra de Borges. Pero en el Perú su desarrollo es más bien tardío. Este libro aborda, precisamente, la pregunta del porqué de ese retraso.En Caso abierto: la novela policial peruana entre los siglos XX Y XXI, Alejandro Susti y José Güich Rodríguez ofrecen un panorama del desarrollo del policial y analizan en profundidad cinco destacadas novelas peruanas que permiten graficar los senderos por los cuales transita este género en nuestro país. Completa el volumen un apéndice en el que treinta y seis autores y especialistas peruanos responden a un interrogatorio sobre su relación con el policial y el desarrollo del mismo en el Perú.

En esta serie de ensayos, Óscar Quezada Macchiavello construye una mirada que interpela el sentido de fenómenos socioculturales y textos artísticos desde la semiótica y la filosofía. Luego de analizar los discursos que configuraron la escena política en el caso de Lucchetti Perú (1997-1998), pasa revista a mitos recogidos en el Manuscrito de Huarochirí (principios del siglo XVII) y, además, a obras de César Vallejo, José María Arguedas, Julio Ramón Ribeyro y Jorge Luis Borges. Ensayos semióticos: teoría, mito, literatura presenta un modo de lectura apoyada en las aplicaciones críticas de modelos teóricos que invitan a explorar e interpretar mundos de sentido en los que nos encontramos inmersos como seres productores de significación.

¿Qué tipo de vínculo existe entre el cerebro y la conciencia? Si uno desaparece, ¿la otra también se desvanece? Es decir, si la persona muere, ¿se apaga igualmente la conciencia, que es la parte espiritual del ser? A lo largo de la historia, se pueden distinguir pensadores inmanentistas, quienes creen que el alma desaparece con la muerte; y trascendentalistas, que afirman que el alma es inmortal y que se separa de su parte carnal cuando muere el individuo. Jean-Paul Lafrance explora esta cuestión fundamental a través de la neurociencia, la filosofía, los mitos seculares de creación del mundo y del hombre, las religiones, la física cuántica y los viajes astrales de los más iluminados experientes. Según Spinoza, el filósofo de la alegría, todos somos atributos de Dios y en nuestra muerte volvemos al logos divino.

El tráfico jurídico de las empresas: la transferencia definitiva. Hacia la compraventa gira en torno al trinomio empresario, empresa y actividad económica. En este libro, Alonso Víctor Manuel Morales Acosta hace una exhaustiva revisión de la doctrina y la jurisprudencia para plantear un concepto realista de empresa, que refleje su naturaleza jurídica de bien complejo (que aglutina capital y trabajo), el cual es susceptible de sujetarse a una titularidad, y ser valorizado y transado en el mercado.Por tanto, la compraventa de una empresa no se trata de una simple transmisión de acciones, sino de la transmisión de un patrimonio en su conjunto. Sin embargo, las normas sobre la compraventa del derecho común no calzan con este tipo de operaciones mercantiles empresariales. Así pues, se expone una propuesta legislativa, que se introduciría en el Código Civil, para facilitar la tipificación del contrato de compraventa de la empresa, en el que no solo se transfieren derechos de propiedad, sino también cualesquiera otros derechos, como el usufructo, los créditos personales, los derechos sobre el título de crédito o los valores mobiliarios como intangibles o derechos intelectuales, así como los pasivos.

Con apenas un poco más de un siglo y cuarto de existencia, el cine no se inscribe cómodamente en el sistema de estilos y épocas que la historia del arte prescribe para disciplinas milenarias como la pintura, la música o la literatura. En este libro, Isaac León Frías nos acerca a las particularidades de la historia del cine y al desarrollo de sus distintas estéticas. Esta es la historia del ascenso de un modelo clásico de narración audiovisual que pronto se vuelve hegemónico y, también, de la aparición de formas disidentes —las modernidades— que contestan esa hegemonía y proponen nuevas estéticas narrativas y hasta antinarrativas. Con singular claridad, desbordante erudición y puntillosa atención a los matices y los casos particulares, Isaac León Frías nos muestra cómo la irrupción de las modernidades viene anunciada por el paulatino desarrollo de premodernidades que se gestan al interior mismo del modelo clásico. Así, Del clasicismo a las modernidades es una puesta en escena de las tensiones entre las convenciones impuestas por la industria y la independencia y creatividad de los autores, así como del modo en que estas entran en juego con los contextos social, cultural y tecnológico. Tensiones estéticas que se agudizan y se modulan, que se disgregan y que convergen a lo largo del tiempo y que van dando forma a ese maravilloso universo de expresiones que es el cine.

Derecho marítimo y comercio internacional. Capítulos sobre puertos, transporte y comercio marítimo reúne noventa y ocho breves escritos basados principalmente en unas notas que, en forma de entrevistas, fueron publicadas en el portal Mundo Marítimo entre mediados del 2017 y comienzos del 2022. Son reflexiones y análisis acerca de temas actuales vinculados con el transporte marítimo, el arbitraje, las actividades portuarias, los seguros marítimos, la logística y el comercio internacional, abordados desde distintos ángulos, con predominancia del derecho marítimo, el derecho portuario y el derecho del comercio internacional, sin perder de vista algunas aproximaciones históricas.  Cada ensayo ha sido planteado como un elemento autónomo de corta extensión y pretende divulgar aspectos de las disciplinas antes mencionadas con el rigor necesario, pero con un lenguaje claro.

Leer a César Vallejo es, para muchos, una experiencia cautivante. Los heraldos negros, uno de sus poemarios más conocidos, es estudiado desde una perspectiva novedosa que revela la presencia, muchas veces conflictiva, de varios estilos en el texto: el estilo romántico convive con el estilo modernista de Rubén Darío, y surge en varios poemas el estilo netamente vallejiano.  Camilo Fernández Cozman parte de la notable contribución académica de los estudios sobre César Vallejo, que comenzó desde la publicación del poemario en 1919 y continúa hasta nuestros días. Su aporte se basa en la lingüística cognitiva de George Lakoff y Mark Johnson, y de la Retórica General Textual de Bottiroli. Primero, delinea el contexto a partir del análisis de los antecedentes de Vallejo en la tradición poética peruana y de su relación con el Romanticismo y el Grupo Norte. Luego, examina las metáforas orientacionales, los personajes más relevantes y los estilos de pensamiento en algunos de los poemas que constituyen las seis partes de Los heraldos negros. Finalmente, confronta el poemario vallejiano con La canción de las figuras de José María Eguren, Alma América de José Santos Chocano y los textos poéticos de Abraham Valdelomar

En este libro, Julio-César Mateus nos conduce a una inmersión en las obras de un extenso número de autores para comprender la evolución del pensamiento sobre la educación mediática en todos sus aspectos y a través del tiempo. Para el autor, la educación mediática es aquel proceso formativo que vincula tres niveles: social, institucional e individual. Esta estructura permite o no el desarrollo de condiciones para el avance de la alfabetización mediática, entendida como el proceso individual, formal o informal, de adquisición y desarrollo de capacidades críticas y creativas para interactuar con los medios. Su recuento minucioso y respetuoso de las fuentes bibliográficas, así como su trabajo de campo, tienen la virtud de establecer los vínculos entre lo digital y la vida cotidiana de los actores en la educación, razón por la cual están presentes los afectos y las emociones de los usuarios.Las ideas compartidas a lo largo de este libro, fruto de varios años de indagación teórica y trabajo de campo por parte de Julio-César Mateus, pretenden ser un alegato a favor de una educación de ciudadanos libres y responsables, que demanden información de calidad, espacios seguros en las plataformas tecnológicas en las que interactúan y que potencien sus capacidades expresivas con una actitud crítica. Ciudadanos que combatan la "servidumbre digital voluntaria" y la subordinación a intereses y mecanismos que no pueden desconocerse ni dejarse a la intuición, sobre todo en esta época pospandemia, en la que es tan necesaria la estimulación del pensamiento crítico.

En este libro Carlos Rivadeneyra Olcese analiza el desarrollo y el estado actual de ese ecosistema comunicacional al que llama la podcastfera peruana. Para ello aborda las similitudes, diferencias y tensiones entre el podcasting como medio nativo digital y su pariente análogo más cercano: la radio. Echa, además, una mirada al contenido de los podcasts peruanos y al papel de los amateurs y de los grandes medios de comunicación en la configuración de una tipología de nuestros podcasts. Y nos explica las posibilidades, a veces aprovechadas y a veces no, del transcasting.Con este estudio, Rivadeneyra Olcese deja en claro que el podcasting ha venido para quedarse y que está alcanzando su primera madurez entre nosotros. El estudio ofrece una inicial mirada a este nuevo medio de comunicación y traza las líneas que han de seguir, de aquí en adelante, los estudios que lo aborden.

Imagen por imagen, originalmente publicado en 1987, recoge ensayos sobre la naturaleza del cine y estudios y críticas sobre más de doscientas películas, publicados por Desiderio Blanco en las revistas Hablemos de Cine y Oiga, entre 1965 y 1977. Ordenados cronológicamente, los textos permiten al lector atestiguar el paulatino desarrollo de las herramientas conceptuales y de los principios teóricos que fueron dando forma a la concepción del cine que Desiderio Blanco después formalizaría en su trabajo académico.Complementan el contenido de la edición original de Imagen por imagen tres textos fundamentales: el artículo escrito por Desiderio Blanco con motivo de cumplirse los diez años del estreno de Viaje a Italia de Roberto Rossellini, considerada el albor de la modernidad cinematográfica; el análisis estético e ideológico de Escenas de la vida conyugal, de Ingmar Bergman, con el que Blanco da inicio al análisis semiótico del cine en el Perú; y una entrevista concedida por Blanco a Giancarlo Carbone en la que explica su derrotero, sustenta la elección de su punto de vista como crítico y responde a múltiples cuestionamientos.Además de recoger textos fundamentales sobre la apreciación del cine en nuestro país, esta reedición busca ser, a poco de su partida, un homenaje a Desiderio Blanco, pionero de la crítica cinematográfica en el Perú.

Las empresas de hoy requieren profesionales creativos e innovadores que formulen las mejores propuestas de valor para sus clientes. Y, por supuesto, todos podemos entrenarnos en estas cualidades. Este manual reúne las principales herramientas para desarrollar la creatividad y la innovación aplicadas a los negocios. Así, tenemos el mapa de empatía, fundamental para conocer bien a los clientes, y el mapa de experiencia del cliente para mejorar los procesos. El diseño y mejora de productos y servicios se aborda con el design thinking, el SCAMPER, la matriz de ideas y las analogías forzadas. El storyboard y el storytelling sirven para la presentación ante el cliente, y la gamificación se plantea como forma de motivación y fidelización. Para los modelos de negocios, se propone Lean canvas. Finalmente, se ofrecen divertidos warm ups para despertar la creatividad.

Para Isaac León Frías, editor del presente volumen, Pier Paolo Pasolini (Italia, 1922-1975), a cien años de su nacimiento y casi cincuenta de su trágica muerte, sigue siendo nuestro contemporáneo. Poeta, narrador y ensayista —además de guionista, pintor y columnista de opinión—, Pasolini fue una rara avis, a la vez comprometido y disidente y, quizá por ello mismo, voz y consciencia crítica de su país y su época. Y, a pesar de que se iniciaría recién al borde de los cuarenta años en la dirección de cine, nos legaría una filmografía fulgurante y polémica. Sobre ella versan los textos que componen El cine de Pasolini. En los extramuros de la historia. Estas distintas aproximaciones al cine de Pasolini ofrecen miradas panorámicas que recorren toda su producción, ensayos puntuales sobre sus más importantes filmes, aproximaciones a sus cortos y documentales, así como indagaciones acerca de su influencia en la producción fílmica del último medio siglo. Como los lectores y lectoras podrán constatar, cada uno de estos aportes permite comprobar cómo, aún a pesar del paso del tiempo, el cine de Pier Paolo Pasolini aún nos interpela.

Si hay algo que ha caracterizado al surrealismo, sea que estemos hablando de poesía, fotografía, cine o artes plásticas, es el interés por la exploración del cuerpo, de las figuras que lo representan. En ese ámbito, llaman la atención no solo los puntos en común, sino también los contrastes que podemos hallar entre las distintas expresiones de esta vanguardia, sobre todo entre los versos y las películas. Cuerpo y surrealismo: de la poesía al cine parte de una inmersión semiótica en las figuras del cuerpo del poemario La tortuga ecuestre de César Moro y el cortometraje Un perro andaluz de Luis Buñuel para apreciarlos como dos obras emblemáticas: por un lado, de cómo los poetas usualmente comprendieron las imágenes corporales como una encarnación mítica y vital del mundo, y por otro, de la manera en que los cineastas las plasmaban con frecuencia para tomar conciencia de las represiones impuestas por la sociedad y de la fragilidad ante la muerte. De este modo, se analiza la obra de poetas diversos ubicados en los orígenes del surrealismo (Breton o Éluard), al igual que en sus prolongaciones latinoamericanas (Westphalen o Paz) o españolas (Aleixandre o García Lorca). Asimismo, se aborda la obra de cineastas que formaron parte de distintas épocas del surrealismo o que fueron influenciados, en mayor o menor medida, por la vanguardia: Cocteau, Deren, Hitchcock, Fellini, Jodorowsky, Svankmajer, Lynch, Mandico, entre otros. En paralelo, se toman en cuenta las representaciones del cuerpo en la obra plástica o fotográfica de artistas como Dalí, Magritte o Man Ray.

En este volumen, Ricardo Bedoya ofrece una visión panorámica de ciertos motivos, tendencias estilísticas y tratamientos rastreables en el cine internacional desde el inicio del siglo XXI. El volumen recoge apuntes sobre centenares de filmes, sopesados desde la perspectiva de un cinéfilo que no reconoce placeres culposos ni jerarquías entre las películas consideradas de arte y ensayo y aquellas que no abrigan tales pretensiones.El volumen se organiza a partir de algunas de las líneas recurrentes en el cine producido desde el año 2000. Comienza con una mirada a los títulos finales o póstumos de cineastas que cerraron sus carreras a inicios del siglo y sigue con un repaso por las distintas modalidades narrativas del cine de no ficción.El repaso continúa con una revisión de los diálogos que se establecen con los géneros cinematográficos, desde el wéstern hasta el terror, siempre vigentes, pero releídos a la luz de las sensibilidades contemporáneas, y presta atención también a las franquicias que abundan en secuelas, precuelas, reboots y spin offs.Otras líneas de aproximación incluyen los modos de imaginar cuerpos y mentes en el nuevo siglo, así como las miradas a la historia y a los conflictos de la actualidad o a la construcción de identidades e intimidades de individuos y grupos, entre otras tendencias del cine del nuevo siglo. Un libro imprescindible para quien quiera orientarse en la diversidad y riqueza de la cinematografía contemporánea.

Jean-Luc Godard (París, 1930 - Rolle, Suiza, 2022) fue uno de los revolucionarios críticos que, desde las páginas de Cahiers du Cinéma, promovieron la "política de autores": una renovada concepción del director de cine como creador que, mediante la puesta en escena, convertía sus películas en obras de arte. Fue, quizá el más audaz de los cineastas de la nueva ola del cine francés de los años sesenta. Si bien, para muchos, su imagen se diluye un poco luego de esa época dorada, Godard es, sin duda —y no solo por su obra temprana—, uno de los cineastas más influyentes de todos los tiempos. Este volumen recoge veintitrés ensayos que abordan distintos aspectos de la prolífica carrera cinematográfica de Godard. Desde sus inicios como crítico y su paso a la dirección, hasta los filmes que hizo en el ocaso de su vida, pasando por esas primeras y deslumbrantes cintas que retaban las convenciones narrativas, sus filmes-ensayo, su política incursión en la creación colectiva, sus experimentos con el video, su empeño por llevar al límite los supuestos del lenguaje cinematográfico y el modo en que el cine de este siglo ha asumido su legado. El cine de Jean-Luc Godard: rupturas y aperturas le rinde homenaje a esa figura radical —tanto en el sentido de ''extremo'' como en el de ''raigal''— que dejó una huella indeleble en el modo que tenemos de entender el cine.

"¡Por terrible que sea, quiero saber la verdad, doctor!", le implora, desesperado, un paciente a su médico. "¿Ser un ser humano es una enfermedad incurable?". Así es el humor de Quino: sin anestesia nos echa en cara las dudas existenciales, la soledad, el miedo a la muerte, los abusos del poder y la lucha cotidiana por mantener la cordura en el caos de la sociedad contemporánea.En estas páginas, Óscar Quezada se embarca en la aventura de explicarnos cómo es que Quino logra arrancarnos una sonrisa (y a veces una carcajada) con tan lóbregos temas. Y, al hacerlo, le da un giro, con una perspectiva novedosa, a la tradición de quienes, como Umberto Eco, Luis Gasca y Roman Gubern, Daniele Barbieri o Jean Marie Floch, han abordado las historietas desde el arsenal teórico de la semiótica.Explicar cómo funcionan los mecanismos del humor es cosa seria. Por eso en estas páginas resuenan las teorías de Greimas, Courtés, Fontanille; Zibelberg y Landowski, así como la filosofía de Nietzsche, Deleuze, Lipovetsky, Lyotard, Ortega y Gasset y Baudrillard. Pero Quezada ejerce el arte –semiótico y filosófico– de la interpretación sin perder la gracia y nos enseña que pensar y reír pueden ser dos caras de la misma moneda.

Sobre la base de los conceptos de transculturación narrativa de Ángel Rama y de heterogeneidad cultural de Antonio Cornejo Polar, pero adaptándolos al análisis de la poesía, Camilo Fernández Cozman aborda en este estudio el diálogo que se evidencia, en la poesía de César Vallejo, Antonio Cisneros y José Watanabe, entre culturas distintas desde el discurso de sujetos descentrados o fragmentados cuyas identidades se constituyen gracias a una pluralidad de voces. Esa condición del migrante, cuya perspectiva permite que se despliegue la interculturalidad en el discurso, es analizada en sus distintos niveles con gran rigor metodológico. Gracias a ello, Fernández Cozman nos muestra cómo en la poesía de Vallejo aflora la simbología andina en Trilce y asistimos a la universalización de lo andino en Poemas humanos; cómo un sujeto afroperuano nos habla en Comentarios reales y de qué manera una comunidad campesina obligada a migrar da forma a Crónica del Niño Jesús de Chilca, de Cisneros; por último, nos revela la impronta del haiku como manifestación de la cultura japonesa y de la cosmovisión de Laredo en El huso de la palabra e Historia natural de Watanabe.

¿Cómo se construye el sentido de lo cotidiano, de aquello que pasa inadvertido o está desgastado por la rutina? Observar desde la etnosemiótica significa encontrar las conexiones que producen sentido en todo aquello que el mundo nos propone, con las herramientas de la semiótica y la distancia de la etnografía. Trazados de etnosemiótica reúne una serie de artículos que invitan al lector a observar experiencias cotidianas, como los espacios y las relaciones del cuidado personal, los baños, la "coreografía" de las personas en el paseo Buozzi, en Monterotondo (Italia), la intersubjetividad y los compromisos que implican los regalos de la lista de novios, la fenomenología de buscar y ver pornografía en internet, la práctica del tarot, e incluso los componentes de una galleta o de una tostada, entre otros. Francesco Marsciani plantea trazados para recorrer, más que instrucciones para seguir. Cada uno de sus trabajos enseña con preguntas, dudas e incertidumbres, antes que plantear certezas unívocas e incuestionables.

El Sudeste Asiático y América Latina están separados por grandes distancias físicas, así como por culturas e idiomas muy diferentes. Desde un enfoque de "arriba hacia abajo", las relaciones comerciales entre ambas regiones se establecen por estrategias estatales y de organismos internacionales. Corrado G. M. Letta, respaldado por una rigurosa investigación de campo, muestra en este libro que la conectividad entre América Latina y los países del Sudeste Asiático debe profundizarse, no a nivel institucional, sino a nivel personal para ser integral y sostenible. La clave del proceso es conocer y apreciar las culturas y mentalidades del "otro". En su obra Engineering East Asia-Latin America Economic Relations (2015), Letta se dedica a cubrir el déficit de información que tienen los empresarios del Sudeste Asiático sobre los países de América Latina. Este libro complementa el trabajo anterior presentando a los empresarios latinoamericanos los países del Sudeste Asiático: Brunéi, Camboya, Indonesia, Laos, Malasia, Birmania, Filipinas, Singapur, Tailandia y Vietnam.Como enseña Lao-Tse, la prudencia aconseja proceder paso a paso, porque un viaje de mil millas comienza con un paso individual, ambicioso y humilde.

Edición a cargo de Guillermo Takano. Con prólogo de Juan Carlos Doblado y ensayos de Enrique Bonilla di Tolla, Silvia Arango y Guillermo TakanoEste volumen recoge una selección de textos escritos por Augusto Ortiz de Zevallos a lo largo de cinco décadas. En un medio en que la crítica de arquitectura es un oficio que brilla por su ausencia, la voz de AOZ ha contribuido de manera fundamental a la conciencia crítica de nuestra arquitectura. Desde diversos medios, pero sobre todo desde su columna "El espacio habituado" en la revista Debate, AOZ puso en cuestión los dogmas del movimiento moderno, animó el debate sobre el posmodernismo, reflexionó sobre la identidad de la arquitectura peruana y reseñó el trabajo de destacados arquitectos locales y extranjeros. En otros medios, AOZ publicó urgentes reflexiones acerca de la problemática urbana de Lima, en las que plantea la recuperación del tejido urbano, la puesta en valor del espacio público y se pregunta sobre la relación entre los edificios y la memoria cultural de la ciudad. Siempre con mirada crítica, discutió también los supuestos y la aplicación de la política de vivienda en el Perú. Esta antología recoge, además, un conjunto de apuntes de AOZ sobre el carácter y el espíritu de distintas ciudades en las que vivió, como Ámsterdam, Londres, Berlín, París y Barcelona. Complementan el volumen un prólogo de Juan Carlos Doblado y ensayos sobre la "arquitectura escrita" de AOZ, a cargo de Enrique Bonilla di Tolla, Silvia Arango y Guillermo Takano, que revelan la concepción de AOZ del arquitecto como actor fundamental en la planificación de la ciudad y en la construcción de la sociedad en su conjunto.

En la orden de trabajo del supervisor que inicia la jornada, en la charla breve con los compañeros durante el tiempo libre, en la circulación de la palabra en el call center, en la negociación del comerciante, en la palabra del profesor, en la escritura del poeta y en el grito del ambulante que llama a su futuro cliente constamos que lenguaje y trabajo son realidades íntimamente ligadas, a tal punto que podríamos afirmar que el ser humano es un animal que habla y que trabaja. Si a ello le agregamos que producir y consumir objetos es también producir y consumir significaciones, se abre ante nosotros un camino –pocas veces transitado, hay que decirlo– para poner las herramientas de la semiótica al servicio de la comprensión del trabajo. Los ensayos que componen este volumen abordan cuestiones teóricas y metodológicas que discurren entre la semiótica, la filosofía del lenguaje y el análisis materialista del trabajo e invitan al debate a investigadores italianos y latinoamericanos. Esta conexión entre Latinoamérica e Italia proporciona una perspectiva ampliada para reflexionar sobre las transformaciones contemporáneas del trabajo en el seno de la sociedad capitalista globalizada y nos invitan a pensar lo que nos deparará el futuro. Participan del volumen, además de los editores, Óscar Quezada Macchiavello, Francesco Galofaro, Augusto Ponzio, Giorgio Borrelli, Gianluca De Fazio, Angelo Nizza Moisés K. Rojas, Baal Delupi y Rodrigo Vera.

A fines de 1956, Sebastián Salazar Bondy llega a París becado por el gobierno francés para seguir estudios en el Conservatoire National d''Art Dramatique con Jean Vilar, por entonces una de las figuras más prominentes de la cultura francesa. Durante su estadía europea, que se prolongará por diez meses, Salazar Bondy viajará a ciudades como Oslo, Copenhague, Avignon, Madrid y Barcelona, entre otras, y escribirá sobre literatura, arte, cine y teatro, pero también sobre la política, la opinión pública, la experiencia urbana y otros aspectos de la vida en el Viejo Continente. Enviadas a Lima apenas escritas, esas crónicas se publican en el diario La Prensa. Meses después, en el barco de regreso, Salazar Bondy escribirá "son muchos los días de la travesía, muchos e idénticos, y los dos cabos del viaje son de un extremo Europa y del otro América. Entre esos dos polos está en este instante nuestra vida, como en una pausa que conduce, por su flujo lento e implacable, a la meditación" con lo cual describe el talante de sus textos que, a pesar del tema europeo, no dejan de tener al Perú como horizonte pues todo lo que absorbió y describió fue destinado a servir de espejo en el que los peruanos pudiéramos vernos reflejados y entendernos mejor a nosotros mismos.

Es conocida la frase de Peter Bogdanovich de que se puede estudiar la historia de Estados Unidos a través de las películas de John Ford. Esa frase, nos dice Isaac León Frías, editor de este volumen, hay que comprenderla en la perspectiva en que la asumió el cineasta: no como cronista o historiador, sino, simultáneamente, como narrador y poeta. A través del cine, Ford se acerca a los hechos de manera parecida a la de Homero en la Iliada y la Odisea. De allí que la historia estadounidense que se despliega en su filmografía esté atravesada por la fábula y el mito o –en una palabra más abarcadora– la leyenda. Uno de los grandes directores de la edad de oro de Hollywood, John Ford dejó una obra que no ha dejado de influir en grandes cineastas de las últimas décadas, quienes, además, lo han reconocido expresamente: Clint Eastwood, Steven Spielberg, Martin Scorsese, Jean-Marie Straub o Pedro Costa. En este volumen, veintidós autores se ocupan de la obra de Ford desde distintas perspectivas, que van desde el análisis propiamente fílmico a nuevas miradas que estudian algunos aspectos de su obra desde los estudios culturales, la antropología, la historia, la temática de la etnicidad y de los roles de género. Este volumen recoge contribuciones de Jaime Bailón, Ricardo Bedoya, María Alejandra Bernedo, Antonella Bertocchi, Brunella Bertocchi, Gustavo Cabrera, Ascanio Cavallo, Óscar Contreras, Alonso Díaz de la Vega, Carlos Esquives, Sha Sha Gutiérrez Ñahui, Claudio Huck, Isaac León Frías, Rogelio Llanos, Miguel Marías, Giovanna Pollarolo, Gabriel Quispe Medina, Eduardo Rojas, Eduardo A. Russo, Alberto Servat, Enrique Silva, Carlos Torres Rotondo y José Carlos Yrigoyen.