In Marie Darrieussecq ou voir le monde à neuf, the first study in French of the novelist’s works to date, Colette Trout highlights the innovative qualities of her writing. Darrieussecq treats the themes of female sexuality, the search for identity, or the confrontation with death through a variety of narrative forms, melding the realistic with the fantastic. Giving special attention to the transgressive and courageous nature of Darrieussecq’s texts, Trout depicts her fearless deconstruction of the clichés that paralyze our thinking. Like an archeologist of the word, the author digs under multiple layers of language to return to words their power to “show us the world anew.” Dans Marie Darrieussecq ou voir le monde à neuf, première étude en français sur l’ensemble des textes de l’écrivaine à ce jour, Colette Trout met en lumière les qualités novatrices de son écriture. Darrieussecq aborde les thèmes de la sexualité féminine, de la recherche identitaire, ou de la confrontation avec la mort à travers une variété de formes, combinant style réaliste et fantastique. Trout souligne le côté transgressif et courageux de cette œuvre car Darrieussecq n’hésite pas à débusquer les clichés qui figent notre pensée. Véritable archéologue du verbe, elle creuse les différentes couches du langage pour redonner aux mots le pouvoir de « faire voir le monde à neuf ».

In Jacques Réda: Being There, Almost, Aaron Prevots studies the work of this major contemporary French writer since the 1950s—poetry, novels, literary essays, short prose, jazz histories. He particularly examines Réda’s explorations of place, including how the ‘world’s energy’ becomes the ideal dancing partner, poetry incarnate in one’s arms.Réda embodies ‘being there, almost’ because he wanders with great wisdom yet renounces any glory in this metaphorical dance. He aligns us with the outer world’s rhythms and time’s passage. Fleeting waves of perception create a voluptuous, unified whole. In considering the arc of Réda’s works from 1952-2015, Aaron Prevots locates a progression from post-Baudelairean flânerie to commemoration of childhood, classical antiquity, fellow writers, jazz, physics, swing, theology, and trains.

Dans cette monographie, Régis Lefort met en evidence le caractère pictural du poème de Bernard Vargaftig (1934-2012), et la composition musicale de l’œuvre. Il envisage le phénomène de renversement, que ne cesse de convoquer le poète, comme une esthétique poétique, comme l’identité même du poème. Commençant par le dernier vers et remontant jusqu’au premier, le poète creuse la langue du poème pour en identifier la source. Le renversement est aussi une façon de détruire, d’entrer dans l’avalanche, pour rebâtir, aller vers l’aube des mots. Il s’inscrit dans l’omnipresence de la culture hébraïque, selon laquelle la quête du réel ne dévoilerait aucune vérité, inaccessible à la raison humaine, mais produirait un bouleversement de la connaissance, de l’ordre de la connaissance ontologique.Régis Lefort's study of Bernard Vargaftig (1934-2012) highlights the pictorial character of his poems and the musical composition of his work. Lefort locates in the phenomenon of reversal, so frequently enacted by Vargaftig, a poetic aesthetic and the very identity of the poem. Beginning with the last line and working back to the first, the poet burrows deep into the language of the poem to identify its source. Reversal is also a means of destruction, of entering into an avalanche, in order to rebuild the poem and go towards the dawn of words. It marks in the work the omnipresence of Hebrew culture, according to which the search for the real can reveal no truth, since all truth is inaccessible to human reason, but rather entails an upheaval of knowledge that is in itself the very condition of ontological knowledge.

In André du Bouchet: Poetic Forms of Attention, Emma Wagstaff provides the first book-length study in English of this major poet of the second half of the twentieth century. She shows how Du Bouchet’s rigorous and innovative creative and critical writing advances our understanding of attention.Du Bouchet is known as a post-war poet of the natural world and the space of the page. Far from just a solitary writer, however, he engaged with others through his work as editor, critic, and translator, and his involvement in the protests of May 1968. Emma Wagstaff shows how his writing demonstrates nuanced attention to language, time, nature, and art, and incites a ‘slow’ response on the part of the reader.

Dans Esther Tellermann: Énigme, prière, identité, première monographie consacrée à l’œuvre de l’écrivain, Aaron Prevots met en lumière un regard poétique novateur sur des réalités tant intérieures qu’extérieures. Il montre comment Tellermann (1947-) explore l’intime du monde, ses textures et ses contours, ses terres insituables semblant s’entrecroiser, et le rêve et le mythe faits tremplin pour une traversée renouvelée de l’Histoire et du deuil. Il appréhende le caractère énigmatique de longues suites de chants dont la forme peut s’apparenter à celle de la prière, ainsi que les enjeux identitaires d’un dire singulièrement ouvert à l’Autre. En examinant des textes de 1999-2019, Aaron Prevots souligne le lyrisme décentré d’un poète majeur et la présence de ses pairs comme interlocuteurs. In Esther Tellermann: Enigma, Prayer, Identity, the first book-length study of the writer’s œuvre, Aaron Prevots highlights her innovative poetic approach to inner and outer realities. He shows how Tellermann (1947-) explores the world’s innermost structures, its textures and contours, its indeterminate places that seemingly intersect, and dreams and myth as springboards for experiencing anew historical turning points and timeless rites of mourning. He considers the enigmatic quality of long suites of poetic song whose form can resemble that of prayer, as well as the stakes regarding identity when poetic expression foregrounds openness to the Other. In examining texts from 1999-2019, Aaron Prevots emphasizes this major poet’s decentered lyricism and the presence of fellow writers as interlocutors.

Après une introduction synthétique offrant une vue d'ensemble de l'œuvre de Georges Perec et de sa réception critique, le livre met en lumière la diversité des genres, des registres et des stratégies d'écriture pratiqués par l'auteur de La Vie mode d'emploi. L'enjeu dépasse les questions souvent débattues du mélange des genres, du métissage ou de l'hybridation. Il s'agit avant tout de dialogues, de la prise en compte des différences radicales des discours en présence, notamment entre fiction et autobiographie. Face à une œuvre foncièrement polymorphe, l'approche se veut multipolaire et résolument ouverte, refusant toute clôture générique, thématique ou biographique. Ainsi, l'examen approfondi d'un livre comme W ou le souvenir d'enfance éclaire la complexité des relations entre texte et péritexte. L'accent mis sur le montage de récits antithétiques donne lieu à une approche comparatiste: de Faulkner à Barthes et Robbe-Grillet. L'importance accordée au dialogue des genres permet d'inscrire l'œuvre dans le contexte plus large de la Nouvelle Autobiographie. Souligner le rôle primordial des contraintes ouvre sur des problèmes théoriques relatifs aux différentes stratégies de lecture mises en jeu. La nouvelle place donnée à l'espace textuel conduit à réfléchir sur un aspect longtemps négligé de la poétique perecquienne : la dimension scriptographique. Celle-ci n'est plus perçue comme une composante externe et contingente (paratextuelle), mais participe pleinement de la textualité de l'œuvre.

This closely focused study of the inner movements, dynamic tensions and tactile richness of an intensely sensual but deeply searching poetry, is the first full-length monograph devoted to one of France’s foremost contemporary woman poets. Marie-Claire Bancquart’s work explores, primarily through the vulnerabilities and sensitivities of the body (hence this book’s ‘carnal’ title), the possibility of releasing a cry: a salvation of language and spirit from indifference, abstraction and dehumanisation, a celebration of a moment’s reunion with the recreative vitality of the physical universe, an act of love in its most private yet cosmic expression. Bancquart has described her language as a ‘braille of the living’: minimal, interrupted and riddled with obscurities and gaps of the unsayable, but apprehending the world and composing its significance in a singularly tactile translation. This study will appeal to those keen to discover one of the most original voices of present-day European poetry, the distinctive poetic resonances of one of its most self-aware and vibrant female sensibilities, and the provocative orientations of ‘new writing’ traversed by the dilemmas and paradoxes of our own era.

Présence de Lorand Gaspar s’attache à montrer l’importance de l’œuvre du poète par une étude attentive à son espace textuel et à la densité de son questionnement.Les analyses présentées explorent dans leurs lignes de force les domaines de réflexion d’une poésie qui, associant la démarche d’écriture à l’énergie inhérente au vivant, nourrit une pensée en quête de compréhension de l’humain. Au centre de ce livre, la parole de Lorand Gaspar et la réflexion que dans sa passion du vivant le poète mène sur la poésie, là où se tissent les liens entre parole et vie, parole et silence, parole et regard sur le monde.Une voix est là qui parle au lecteur, l’appelant à partager, dans la tension d’une quête de silence, de lumière et de nudité, les grandes questions que pose la présence au monde de l’homme, ce corps-esprit où rien n’est séparable.Ce livre s’adresse à tous ceux qu’intéresse une réflexion sur la poésie, à tous ceux aussi qui s’interrogent sur la médiation du langage et sur le rôle qu’il joue dans la saisie du « réel ». Mais son souci premier est d’inciter le lecteur à entrer dans une œuvre exigeante et à nouer le dialogue avec un poète qui est l’une des figures majeures de la poésie contemporaine.

Soupçonnée d’imposture dès sa première rentrée littéraire, accusée d’être un homme âgé publiant sous un pseudonyme invraisemblable, Amélie Nothomb est une auteure qui – plus que d’autres – a dû s’inventer. Dans Les Identités d’Amélie Nothomb, Mark D. Lee revient sur les circonstances qui ont marqué les débuts d’une carrière extraordinaire et pour la première fois, il confronte les multiples constructions médiatiques de notre ‘barge belge’ avec l’énigme de l’invention identitaire qui se déploie dans son écriture fascinante, surtout dans Métaphysique des tubes. A travers des analyses accessibles aux spécialistes comme aux amateurs, Lee trace les différentes variations d’un roman familial dans la fiction de l’auteure et il explore l’élaboration et l’échec de sa version japonaise dans ses œuvres autobiographiques. Juxtaposant interviews et récits littéraires, Lee identifie ensuite un ‘désastre onomastique’, point de départ et fondement de la quête identitaire nothombienne et explore son retour unheimliche – étrangement inquiétant – dans la représentation de la sexualité, de la nationalité, et jusque dans la scène même de l’écriture. Entre baptêmes et ‘dé-baptêmes’, entre noyades, exorcismes et fantasmes nippons, Les Identités d’Amélie Nothomb est une étude fondamentale pour ceux et celles qui veulent comprendre la question cruciale de l’identité chez cette auteure.

Jean Genet. Une écriture des perversions est la première étude consacrée entièrement au sujet de la perversion dans l’œuvre de Jean Genet (1910-1986). Ce sujet – primordial pour Genet – est ici analysé selon trois perspectives à la fois distinctes et profondément liées : les perversions morales, les perversions sexuelles et les perversions textuelles.Voleur, pédéraste et écrivain, Genet attaque la société dite « normale » en arborant ses « perversions » au grand jour. En même temps, il subvertit la dichotomie perversion/normalité et chante la gloire de ceux qui osent se libérer du discours normatif. Car, comme il le dit lui-même, Genet ne voit pas double : il voit « le double des choses ».

Quoi dire, mal dire, ouïr, mal entendre, en-deçà du langage, à l’écoute d’un manque, mèr(e) morte ou « souffle-esprit » ? Dans et hors de la langue, triviale ou spirituelle, aimée ou haïe, anglaise ou française, exil ou patrie... Le travail de Beckett, dans ses pièces théâtrales, télévisuelles et radiophoniques, est le travail d’un poète sur la matière des mots, dénudés de leurs sens par trop utilisés, travail musical et rythmique, d’une exigence qui dépasse la frontière des langues dans leur labilité. Le théâtre beckettien donne à écouter une présence (peut-être celle du « mot perdu »), la présence d’une absence qui n’en finirait plus…Ainsi le néologisme de « spirivial » – qui provient (tout comme son dérivé, la « spirivialité ») de la jonction (ou bien encore du va-et-vient) entre le mot « trivial » et le mot « spirituel » – permet-il de désigner le passage ou bien encore l’anamorphose au cœur du processus de destruction-reconstruction, propre au langage beckettien. Il peut s’agir, par extension, du « lieu-non-lieu » de la Question ou du mystère qui palpite au centre d’un mouvement paradoxal-spiroïdal, involutif-évolutif, à la fois creuset et matrice de la « matière-idée ».

Vassilis Alexakis: Exorciser l’exil est le premier ouvrage critique consacré à l’œuvre littéraire de l’auteur grec d’expression française Vassilis Alexakis, lauréat du prix Médicis en 1995 et du Grand prix du roman de l’Académie française en 2007. Les schémas de dépossessions culturelles, de quêtes linguistiques, de crises identitaires et de déplacements géographiques propres aux écrits d’Alexakis y sont analysés selon trois axes (autofictionnel, linguistique et spatial) dans les œuvres publiées entre 1974 et 2007 afin de révéler une esthétique du déplacement qui permet à l’auteur de se libérer progressivement de la problématique de l’exil. Cette étude critique s’adresse particulièrement à ceux qui s’intéressent aux écrits contemporains en langue française, aux études littéraires francophones, au bilinguisme littéraire ou à l’autotraduction. L’ouvrage comporte un entretien exclusif avec l’auteur effectué en janvier 2010 à Athènes.

In Marie Darrieussecq ou voir le monde à neuf, the first study in French of the novelist’s works to date, Colette Trout highlights the innovative qualities of her writing. Darrieussecq treats the themes of female sexuality, the search for identity, or the confrontation with death through a variety of narrative forms, melding the realistic with the fantastic. Giving special attention to the transgressive and courageous nature of Darrieussecq’s texts, Trout depicts her fearless deconstruction of the clichés that paralyze our thinking. Like an archeologist of the word, the author digs under multiple layers of language to return to words their power to “show us the world anew.” Dans Marie Darrieussecq ou voir le monde à neuf, première étude en français sur l’ensemble des textes de l’écrivaine à ce jour, Colette Trout met en lumière les qualités novatrices de son écriture. Darrieussecq aborde les thèmes de la sexualité féminine, de la recherche identitaire, ou de la confrontation avec la mort à travers une variété de formes, combinant style réaliste et fantastique. Trout souligne le côté transgressif et courageux de cette œuvre car Darrieussecq n’hésite pas à débusquer les clichés qui figent notre pensée. Véritable archéologue du verbe, elle creuse les différentes couches du langage pour redonner aux mots le pouvoir de « faire voir le monde à neuf ».

In Jacques Réda: Being There, Almost, Aaron Prevots studies the work of this major contemporary French writer since the 1950s—poetry, novels, literary essays, short prose, jazz histories. He particularly examines Réda’s explorations of place, including how the ‘world’s energy’ becomes the ideal dancing partner, poetry incarnate in one’s arms.Réda embodies ‘being there, almost’ because he wanders with great wisdom yet renounces any glory in this metaphorical dance. He aligns us with the outer world’s rhythms and time’s passage. Fleeting waves of perception create a voluptuous, unified whole. In considering the arc of Réda’s works from 1952-2015, Aaron Prevots locates a progression from post-Baudelairean flânerie to commemoration of childhood, classical antiquity, fellow writers, jazz, physics, swing, theology, and trains.

Dans cette monographie, Régis Lefort met en evidence le caractère pictural du poème de Bernard Vargaftig (1934-2012), et la composition musicale de l’œuvre. Il envisage le phénomène de renversement, que ne cesse de convoquer le poète, comme une esthétique poétique, comme l’identité même du poème. Commençant par le dernier vers et remontant jusqu’au premier, le poète creuse la langue du poème pour en identifier la source. Le renversement est aussi une façon de détruire, d’entrer dans l’avalanche, pour rebâtir, aller vers l’aube des mots. Il s’inscrit dans l’omnipresence de la culture hébraïque, selon laquelle la quête du réel ne dévoilerait aucune vérité, inaccessible à la raison humaine, mais produirait un bouleversement de la connaissance, de l’ordre de la connaissance ontologique.Régis Lefort's study of Bernard Vargaftig (1934-2012) highlights the pictorial character of his poems and the musical composition of his work. Lefort locates in the phenomenon of reversal, so frequently enacted by Vargaftig, a poetic aesthetic and the very identity of the poem. Beginning with the last line and working back to the first, the poet burrows deep into the language of the poem to identify its source. Reversal is also a means of destruction, of entering into an avalanche, in order to rebuild the poem and go towards the dawn of words. It marks in the work the omnipresence of Hebrew culture, according to which the search for the real can reveal no truth, since all truth is inaccessible to human reason, but rather entails an upheaval of knowledge that is in itself the very condition of ontological knowledge.

In André du Bouchet: Poetic Forms of Attention, Emma Wagstaff provides the first book-length study in English of this major poet of the second half of the twentieth century. She shows how Du Bouchet’s rigorous and innovative creative and critical writing advances our understanding of attention.Du Bouchet is known as a post-war poet of the natural world and the space of the page. Far from just a solitary writer, however, he engaged with others through his work as editor, critic, and translator, and his involvement in the protests of May 1968. Emma Wagstaff shows how his writing demonstrates nuanced attention to language, time, nature, and art, and incites a ‘slow’ response on the part of the reader.

Dans Esther Tellermann: Énigme, prière, identité, première monographie consacrée à l’œuvre de l’écrivain, Aaron Prevots met en lumière un regard poétique novateur sur des réalités tant intérieures qu’extérieures. Il montre comment Tellermann (1947-) explore l’intime du monde, ses textures et ses contours, ses terres insituables semblant s’entrecroiser, et le rêve et le mythe faits tremplin pour une traversée renouvelée de l’Histoire et du deuil. Il appréhende le caractère énigmatique de longues suites de chants dont la forme peut s’apparenter à celle de la prière, ainsi que les enjeux identitaires d’un dire singulièrement ouvert à l’Autre. En examinant des textes de 1999-2019, Aaron Prevots souligne le lyrisme décentré d’un poète majeur et la présence de ses pairs comme interlocuteurs. In Esther Tellermann: Enigma, Prayer, Identity, the first book-length study of the writer’s œuvre, Aaron Prevots highlights her innovative poetic approach to inner and outer realities. He shows how Tellermann (1947-) explores the world’s innermost structures, its textures and contours, its indeterminate places that seemingly intersect, and dreams and myth as springboards for experiencing anew historical turning points and timeless rites of mourning. He considers the enigmatic quality of long suites of poetic song whose form can resemble that of prayer, as well as the stakes regarding identity when poetic expression foregrounds openness to the Other. In examining texts from 1999-2019, Aaron Prevots emphasizes this major poet’s decentered lyricism and the presence of fellow writers as interlocutors.

Après une introduction synthétique offrant une vue d'ensemble de l'œuvre de Georges Perec et de sa réception critique, le livre met en lumière la diversité des genres, des registres et des stratégies d'écriture pratiqués par l'auteur de La Vie mode d'emploi. L'enjeu dépasse les questions souvent débattues du mélange des genres, du métissage ou de l'hybridation. Il s'agit avant tout de dialogues, de la prise en compte des différences radicales des discours en présence, notamment entre fiction et autobiographie. Face à une œuvre foncièrement polymorphe, l'approche se veut multipolaire et résolument ouverte, refusant toute clôture générique, thématique ou biographique. Ainsi, l'examen approfondi d'un livre comme W ou le souvenir d'enfance éclaire la complexité des relations entre texte et péritexte. L'accent mis sur le montage de récits antithétiques donne lieu à une approche comparatiste: de Faulkner à Barthes et Robbe-Grillet. L'importance accordée au dialogue des genres permet d'inscrire l'œuvre dans le contexte plus large de la Nouvelle Autobiographie. Souligner le rôle primordial des contraintes ouvre sur des problèmes théoriques relatifs aux différentes stratégies de lecture mises en jeu. La nouvelle place donnée à l'espace textuel conduit à réfléchir sur un aspect longtemps négligé de la poétique perecquienne : la dimension scriptographique. Celle-ci n'est plus perçue comme une composante externe et contingente (paratextuelle), mais participe pleinement de la textualité de l'œuvre.

This closely focused study of the inner movements, dynamic tensions and tactile richness of an intensely sensual but deeply searching poetry, is the first full-length monograph devoted to one of France’s foremost contemporary woman poets. Marie-Claire Bancquart’s work explores, primarily through the vulnerabilities and sensitivities of the body (hence this book’s ‘carnal’ title), the possibility of releasing a cry: a salvation of language and spirit from indifference, abstraction and dehumanisation, a celebration of a moment’s reunion with the recreative vitality of the physical universe, an act of love in its most private yet cosmic expression. Bancquart has described her language as a ‘braille of the living’: minimal, interrupted and riddled with obscurities and gaps of the unsayable, but apprehending the world and composing its significance in a singularly tactile translation. This study will appeal to those keen to discover one of the most original voices of present-day European poetry, the distinctive poetic resonances of one of its most self-aware and vibrant female sensibilities, and the provocative orientations of ‘new writing’ traversed by the dilemmas and paradoxes of our own era.

Présence de Lorand Gaspar s’attache à montrer l’importance de l’œuvre du poète par une étude attentive à son espace textuel et à la densité de son questionnement.Les analyses présentées explorent dans leurs lignes de force les domaines de réflexion d’une poésie qui, associant la démarche d’écriture à l’énergie inhérente au vivant, nourrit une pensée en quête de compréhension de l’humain. Au centre de ce livre, la parole de Lorand Gaspar et la réflexion que dans sa passion du vivant le poète mène sur la poésie, là où se tissent les liens entre parole et vie, parole et silence, parole et regard sur le monde.Une voix est là qui parle au lecteur, l’appelant à partager, dans la tension d’une quête de silence, de lumière et de nudité, les grandes questions que pose la présence au monde de l’homme, ce corps-esprit où rien n’est séparable.Ce livre s’adresse à tous ceux qu’intéresse une réflexion sur la poésie, à tous ceux aussi qui s’interrogent sur la médiation du langage et sur le rôle qu’il joue dans la saisie du « réel ». Mais son souci premier est d’inciter le lecteur à entrer dans une œuvre exigeante et à nouer le dialogue avec un poète qui est l’une des figures majeures de la poésie contemporaine.

Soupçonnée d’imposture dès sa première rentrée littéraire, accusée d’être un homme âgé publiant sous un pseudonyme invraisemblable, Amélie Nothomb est une auteure qui – plus que d’autres – a dû s’inventer. Dans Les Identités d’Amélie Nothomb, Mark D. Lee revient sur les circonstances qui ont marqué les débuts d’une carrière extraordinaire et pour la première fois, il confronte les multiples constructions médiatiques de notre ‘barge belge’ avec l’énigme de l’invention identitaire qui se déploie dans son écriture fascinante, surtout dans Métaphysique des tubes. A travers des analyses accessibles aux spécialistes comme aux amateurs, Lee trace les différentes variations d’un roman familial dans la fiction de l’auteure et il explore l’élaboration et l’échec de sa version japonaise dans ses œuvres autobiographiques. Juxtaposant interviews et récits littéraires, Lee identifie ensuite un ‘désastre onomastique’, point de départ et fondement de la quête identitaire nothombienne et explore son retour unheimliche – étrangement inquiétant – dans la représentation de la sexualité, de la nationalité, et jusque dans la scène même de l’écriture. Entre baptêmes et ‘dé-baptêmes’, entre noyades, exorcismes et fantasmes nippons, Les Identités d’Amélie Nothomb est une étude fondamentale pour ceux et celles qui veulent comprendre la question cruciale de l’identité chez cette auteure.

Jean Genet. Une écriture des perversions est la première étude consacrée entièrement au sujet de la perversion dans l’œuvre de Jean Genet (1910-1986). Ce sujet – primordial pour Genet – est ici analysé selon trois perspectives à la fois distinctes et profondément liées : les perversions morales, les perversions sexuelles et les perversions textuelles.Voleur, pédéraste et écrivain, Genet attaque la société dite « normale » en arborant ses « perversions » au grand jour. En même temps, il subvertit la dichotomie perversion/normalité et chante la gloire de ceux qui osent se libérer du discours normatif. Car, comme il le dit lui-même, Genet ne voit pas double : il voit « le double des choses ».

Quoi dire, mal dire, ouïr, mal entendre, en-deçà du langage, à l’écoute d’un manque, mèr(e) morte ou « souffle-esprit » ? Dans et hors de la langue, triviale ou spirituelle, aimée ou haïe, anglaise ou française, exil ou patrie... Le travail de Beckett, dans ses pièces théâtrales, télévisuelles et radiophoniques, est le travail d’un poète sur la matière des mots, dénudés de leurs sens par trop utilisés, travail musical et rythmique, d’une exigence qui dépasse la frontière des langues dans leur labilité. Le théâtre beckettien donne à écouter une présence (peut-être celle du « mot perdu »), la présence d’une absence qui n’en finirait plus…Ainsi le néologisme de « spirivial » – qui provient (tout comme son dérivé, la « spirivialité ») de la jonction (ou bien encore du va-et-vient) entre le mot « trivial » et le mot « spirituel » – permet-il de désigner le passage ou bien encore l’anamorphose au cœur du processus de destruction-reconstruction, propre au langage beckettien. Il peut s’agir, par extension, du « lieu-non-lieu » de la Question ou du mystère qui palpite au centre d’un mouvement paradoxal-spiroïdal, involutif-évolutif, à la fois creuset et matrice de la « matière-idée ».

Vassilis Alexakis: Exorciser l’exil est le premier ouvrage critique consacré à l’œuvre littéraire de l’auteur grec d’expression française Vassilis Alexakis, lauréat du prix Médicis en 1995 et du Grand prix du roman de l’Académie française en 2007. Les schémas de dépossessions culturelles, de quêtes linguistiques, de crises identitaires et de déplacements géographiques propres aux écrits d’Alexakis y sont analysés selon trois axes (autofictionnel, linguistique et spatial) dans les œuvres publiées entre 1974 et 2007 afin de révéler une esthétique du déplacement qui permet à l’auteur de se libérer progressivement de la problématique de l’exil. Cette étude critique s’adresse particulièrement à ceux qui s’intéressent aux écrits contemporains en langue française, aux études littéraires francophones, au bilinguisme littéraire ou à l’autotraduction. L’ouvrage comporte un entretien exclusif avec l’auteur effectué en janvier 2010 à Athènes.