Nationalmusei utställningskatalog - Böcker

Anders Zorns liv och karriär har få motsvarigheter i den svenska konsthistorien. Efter sin uppväxt i Dalarna tog han sig ut i världen med hjälp av en närmast osannolik förmåga att plötsligt befinna sig långt in i olika maktkretsar, lika hemma i USA:s finanselit som i Paris kulturelit och Londons societet. Beundrad för sin tekniska skicklighet navigerade han med en stor social begåvning och blev en framgångssaga på båda sidor Atlanten. Som person var Zorn en fascinerande kombination av världsmedborgare och hembygdsvårdare, som konstnär balanserade han livet ut mellan det kosmopolitiskt eleganta och det lantligt rustika. I denna omfattande och rikt illustrerade presentation av hans konstnärskap möter vi Anders Zorn i alla hans skepnader.

Detta är den sjunde volymen som behandlar Nationalmuseums samling av gamla mästarteckningar. Här presenteras samlingens allra äldsta del och omfattar teckningar från den tidiga renässansen framför allt i Florens. Den härrör från konstnären, teckningssamlaren och konstvetaren Giorgio Vasari (1511-1574). Med hans monumentala arbete, Vite de' più eccelenti Pittori, Scultori ed Architettori (1550), lades grunden till den nya tidens konsthistoria. Detta är en för svensk publik anpassad upplaga av katalogen.

The history surrounding logotypes provides a basis for our understanding of the ways in which artists and designers interpret the world around them. Trade marks have, as a concept, attracted broader multidisciplinary interest and have served as the starting point for hypotheses and analyses in disparate disciplines. They not only set their stamp on our patterns of consumption but also affect our personal identities and the entire community. The creation of corporate identities and strategic design have become increasingly frequent among companies. In the book Identity - Trademarks, Logotypes and Symbols its editors have gathered the works of 26 writers who focus on various aspects of the subject. In it, for instance, trade marks arre described from a legal, economic and social perspective and at the same time the history and design of trade marks is dealt with, together with their aesthetic qualitites and the interaction between commerce and art.

I början av 1900-talet skapades i Norden anmärkningsvärt stora samlingar av fransk impressionistisk och postimpressionistisk konst. Såväl museer som privatsamlare byggde upp samlingar som innehöll betydande verk av målare som Claude Monet, Paul Gauguin, Vincent van Gigh och Paul Cézanne. Samlingarna tillkom i ett skede då dessa konstnärers verk blivit allmänt accepterade som samlarobjekt, vilket sammanföll med en period av ekonomiskt välstånd i de nordiska länderna. Den goda ekonomin gjorde det möjligt att på kort tid bygga upp stora konstsamlingar. Boken beskriver hur intresset för impressionismen och postimpressionismen utvecklades i Norden från början av 1870-talet och fram till dess att de stora samlingarna skapades under 1900-talets tre första decennier. Särskilt framträdande plats ges åt de kontakter som fanns mellan franska konstnärer och det nordiska konstlivet. Stort utrymme ägnas också åt det nya franska måleriets betydelse för den nordiska konsten. Boken är skriven av en rad nordiska ämnesspecialister och publicerad i anslutning till en utställninh på Nationalmuseum i Stockholm och Statens Museum for Kunst i Köpenhamn.

Med den äldre spanska konsten som utgångspunkt har Nationalmuseums utställning Från El Greco till Dalí även kommit att inbegripa en del som visar exempel på hur ett urval konstnärer under 1800-talet fram till våra dagar har inspirerat av gamla mästare, ett tema som tidigare aldrig varit föremål för någon utställning i Sverige.

Under sin tid i Rom fann Johan Tobias Sergel en krets likasinnade, jämnåriga kamrater. Det var yngre konstnärer från olika länder som sökt sig till Italien för att där studera antiken och »naturen«, det vill säga den omgivande, synliga verkligheten. Det växelvisa studiet av antiken och naturen var grunden för Sergels vidare konstnärliga utveckling. Detta var i sig inte originellt, men det hårda självstudiet, umgänget med kamraterna och den starka konstnärliga uttrycksviljan förde till ett personligt, egensinnigt och omedelbart formspråk. Genom Sergels ögon och händer fick antiken mening på nytt, gestaltad i en sensuellt närvarande form utan egentligt motstycke i samtiden. Sergel och hans romerska krets är temat för denna utställning, som är resultatet av ett samarbete med Musee du Louvre i Paris och The Metropolitan Museum of Art i New York. Dessa båda museer har under 2003 och 2004 visat utställningen i en annan variant, med ett större antal föremål och med betoning på epoken och materialet terrakotta snarare än enskilda konstnärer. I Stockholm har fokus satts på Sergel, i syfte att synliggöra hans centrala roll på den samtida europeiska konstscenen.

KONCEPTDESIGN 28 oktober 2005 - 8 januari 2006 ..."Tingens roll och betydelse i våra liv diskuteras. Frågeställningarna visualiseras i formgivning, materialval och estetiska lösningar. Gränserna tänjs. Det förbjudna, det invanda och det osynliga synliggörs"... konstaterar Nationalmuseum i katalogen till sin uppmärksammade Designårsutställning Konceptdesign som nu visas på Form/Design Center. Med utställningen vill Nationalmuseum belysa den konceptuella formgivning som vuxit fram i Sverige under de senaste tio åren. Man vill, enligt utställningskatalogen, "... låta yngre kreatörer definiera det vida och svårfångade begreppet design genom fysisk form. Med konceptdesign avses tankens form, den materia som präglas av tankar om begreppet. Det är naturligt att här finns en brottning med traditioner, normer och förutfattade meningar, liksom ett ifrågasättande av vad som är tillåtet, vad som får rymmas inom begreppet."... Som föregångare till konceptdesignen nämns t ex den italienska designgruppen Memphis som gjorde skandalsuccé 1981 och den holländska gruppen Droog Design som premiärvisade sina objekt 1993. Redan 1969 visade Nationalmuseum och Form/Design Center utställningar med verk av Ettore Sottsass, som sedemera var en av förgrundsgestalterna i Memphis. I utställningen Konceptdesign kan man se en kaninbrynja, en överlevnadsjacka för hemlösa, korsstygnsbroderier, morotsställ, kasslervas, naturprotes, rått-tapet och mycket, mycket mer. Föremålen är indelade efter åtta frågeställningar som t ex berör den andra smaken, gränsöveskridanden, kulturella möten och samhällskritik. Ca 50 formgivare har bidragit till utställningen.

Anna och Michael Ancher, Oda och Christian Krohg, Karin och Carl Larsson, Margaret Macdonald och Charles Rennie Mackintosh, Sigrid Hjertén och Isaac Grünewald, Vanessa Bell och Duncan Grant.

Blomsterspråk erbjuder läsaren en resa i tid och rum, från renässans till nutid. En resa som kantas av allt från sakligt avbildade blomster, fantasifulla sammanställningar av växter från hela världen, blommor avbildade på glas och keramik till fotografiska blomsterstycken. Här ges även möjlighet att glänta på dörren till en fascinerande och ständigt föränderlig blomstersymbolvärld. Ett litet symbollexikon finns också i boken. Renässansens blomstermåleri utvecklades ur flera bildtraditioner. I de medeltida manuskriptens marginaler hittar man smultronplantor, liljor och violer. Praktfulla botaniska planschverk illustrerades av framstående målare. Konstnärer, botaniker, illustratörer och bokutgivare kände varandra och inspirerade varandra. Man avbildade de exotiska växter som importerades från fjärran länder. Blomsterbuketter av Jan Breughel och Ambrosius Bosschaert kan liknas vid uppslagsverk över sällsynta plantor. Läsaren får också tillfälle att återupptäcka den dolda symboliken i blomstermålarnas verk. Under 1700-talet tog konstnärerna gärna sin utgångspunkt i Linnés revolutionerande Systema Naturae, växternas sexualsystem. Under romantiken blev blomstermåleriet främst en "kvinnlig" konstart. Kring sekelskiftet 1900 hade konstnärer som Manet och van Gogh börjat närma sig ett mer abstrakt blomstermåleri. Vi möter flera av den moderna konstens stora blomsterskildrare såsom Emil Nolde, Georgia O'Keeffe och Robert Mapplethorpe. Läsaren får också ta del av keramiska verk med blomstermotiv.

1900-talets formdebatt har ofta beskrivit - och i stor utsträckning lyckats slå fast idéer om - 1800-talet som något förfärligt. 1800-talsform har i samband med 1900-talets moderna strävanden nedvärderats, och historicism och stilblandning har ur en rad estetiska, moraliska och samhällsideologiska perspektiv utpekats som något förskräckligt. Retoriskt har 1800-talets former använts som avskräckande exempel och motpol till vad som istället framställts som modern och socialt engagerad god form. Men det har alltid funnits människor som tänkt i andra banor. Människor som sett, och alltjämt ser, det så kallade förfärliga som något utomordentligt härligt. Med Förfärligt härligt uppmärksammar Nationalmuseum en formsyn där det moderna och föredömliga innebär frejdig, kreativ och fantasifull blandning av material, färg och form. En formvärld som var baserad på historiska kunskaper och dagens då aktuella vetenskapliga rön beskrivs - en värld av medvetet bruk av motiv hämtade i olika historiska epoker och geografiskt vitt skilda kulturer. Konsthantverk och konstindustriella varor behandlas för sin egen skull som 1800-talsföremål. Förfärligt härligt ger även möjligheter till eftertanke och funderingar kring såväl 1900-talets ideal som formfrågor, vilka nu i det tidiga 2000-talet är dagsaktuella. För att understryka att modernismens ideal inte varit allenarådande, varken under 1900-talet eller idag, ingår även verk av nu aktiva formgivare och konsthantverkare. Dessa verk fyller en mycket viktig funktion och syftar till att vidga perspektiven. De fungerar som dagsaktuella kommentarer och vittnar om att ideal besläktade med 1800-talets alltjämt är på tapeten.

In the mid-19th century, a group of young artists shocked the Victorian art scene in Britain with a new imagery of vivid colours, serious moods and a challenging beauty. They called themselves the Pre-Raphaelites, to indicate that they sought their inspiration in art before the Italian 16th-century painter Raphael: in 15th-century early Renaissance and medieval art. Their paintings dealt with the eternal questions of love, passion, betrayal and death. This deep seriousness is present in all their work, whether the subject is from medieval tales of chivalry or scenes from their contemporary Britain. The leading artists in the group were John Everett Millais, William Holman Hunt and Dante Gabriel Rossetti. The Authors: Mikael Ahlund, Martin Barnes, Judith Bronkhurst, Jan Marsh, Christopher Newall, Pamela Gerrish Nunn, Elizabeth Prettejohn & Julian Treuherz.

Höstens stora utställning handlar om konsten att härska genom konsten. Du får möta Napoleon, Karl Johan och Alexander, några av maktens män vid 1800-talets början, och se hur de använde konsten för att legitimera och stärka sina positioner. Mer än 400 föremål visas, från porträtt och uniformer till smycken, serviser och mycket mer. Storslaget som till synes vardagligt, allt av yppersta klass. Boken som ges ut i samband med Härskarkonst innehåller en introduktion till utställningen och en katalogdel där alla föremålen presenteras. Den innehåller också ett antal artiklar om de tre huvudpersonerna - Napoleon, Karl Johan och Alexander - där bilden av deras inbördes relationer tecknas på ett sätt som aldrig tidigare gjorts. Artiklarna visar också på sambandet mellan konst och politik, hur konst och konsthantverksföremål användes för att manifestera och legitimera makt, hur maktens miljöer och symboler såg ut. En artikel handlar om Napoleonkrigen. En annan ger en översiktlig skildring av tiden och kompletteras av historiska kartor som visar hur 1800-talets Europa såg ut. Två stamträd belyser hur Napoleon och Karl Johan hade en medveten politik för att gifta in sig och de sina i "rätt" kretsar. Boken riktar sig såväl till den allmänt intresserade som till den som vill ta del av ny forskning på området. Med sina 424 sidor, 370 färgbilder och många intressanta artiklar är den ett praktverk.

I vårens stora utställning på Nationalmuseum möter du två av konsthistoriens giganter: Peter Paul Rubens och Anthonis van Dyck. De båda flamländska 1600-talsmålarna har influerat den europeiska konsten i århundraden. Utställningen uppmärksammar storheten och bredden i det flamländska måleriet. Målningarna är ömsom eleganta ömsom burleska, vissa har religiösa eller mytiska motiv andra är genremålningar. Alla berättar de en historia. I utställningen får den nutida betraktaren hjälp med att tolka och förstå dessa historier. Spännande historier Boken som ges ut i samband med utställningen innehåller bilder av alla de målningar som ingår i utställningen. Där finns också de historier som varje verk berättar. Intressanta artiklar Specialister på området har bidragit med intressanta artiklar. Görel Cavalli-Björkman inleder boken med ett kapitel om Rubens, Van Dyck och det flamländska måleriet. Därefter kan vi läsa om Rubens förhållande till den italienske renässansmålaren Tizian. Björn Fredlund skriver om Amaryllis och Mirtillo - van Dyck eller Watteau? Om porträttmåleriet i 1600-talets Flandern och dess inflytande i Sverige handlar ett kapitel skrivet av Karin Sidén. Avslutningsvis skriver Mirjam Neumeister om samlingen av flamländskt måleri i München.

The appointment of Jean-Baptiste Bernadotte as Swedish Crown Prince in NUNM, and the international political events of the five subsequent years, dramatically altered the power balance in Europe. Against the backdrop of these historical developments, this book focuses on the visual manifestations of power, including the new role of the sovereign, the symbol-laden rituals, and the dynastic family ties. The exhibition features many examples of the art of ruling, and ruling by art, as illustrated in objects ranging from coffee cups to magnificent fulllength portraits. The catalogue delves deeper into this wide spectrum of topics, in some ten essays by international experts.

Konstnärsgruppen Peredvizjniki bildades 1870 som en reaktion mot den ryska konstakademins konservatism. I ett realistiskt måleri skildrade gruppen naturen, människan och samhället i samtidens Ryssland. Svältande jordbruksarbetare och politiska aktivister målades med samma engagemang som stämningsfulla skymningslandskap och porträtt av landets ledande intellektuella. Gruppen använde konsten för att belysa sociala och politiska frågor och ordnade vandringsutställningar för att föra konsten ut till folket, utanför metropolerna S:t Petersburg och Moskva. Peredvizjnikis måleri har sedan slutet av 1800-talet varit oerhört populärt i Ryssland men är väldigt lite känt i västvärlden. Den här boken, och den utställning den ackompanjerar, ger den hittills mest omfattande presentationen av Peredvizjniki utanför Ryssland.

The society of Russian artists known as the Peredvizhniki was formed in the late nineteenth century against a background of Academic autocracy, state censorship and political and social unrest. Through their art the Peredvizhniki addressed contemporary indigenous issues such as the hard lives of the rural and urban peasantry, the fate of political activists, landscapes, and portraits of the nation's intellectual elite. But its members also portrayed Russian history, myth and legend, promoting a passionate sense of national pride as they sought to widen the social audience of art by touring their brand of accessible realism to the provinces. The art of the Peredvizhniki has been tremendously popular in Russia since its foundation but is still little known to the public in the West. This book and accompanying exhibition presents the art of the Peredvizhniki on the largest and most comprehensive scale ever seen outside of Russia.

Känslor har skildrats i den västerländska konsten alltsedan antikens dagar. Med mimik, gestik och kroppsspråk till sin hjälp har konstnärer tolkat och förmedlat känslor som sorg, lidande, vemod och ömhet i sina verk. I en vilja att kommunicera och begripliggöra känslolivet skapade den franske hovmålaren Charles Le Brun (1619–1690) ett slags ”mallar” för olika känslouttryck i Caractères des Passions vilka användes av konstnärer som en inspirationskälla ända in på det tidiga 1800-talet. En motsvarande ambition att förtydliga det undflyende, svårtolkade känslolivet återfinns inom fysionomiken där föreställningen fanns att det är möjligt att utläsa en människas inre egenskaper via hennes utseende. Paralleller återfinns även under förmodern tid mellan konst, musik och teater i förmedlandet av människans känslouttryck. Claudio Monteverdi (1567–1643) skapade en ”affektlära” i syfte att vägleda musiker och kompositörer, medan skådespelare tillägnades särskilda handböcker i konsten att gestalta känslor genom gestik, mimik och kroppsspråk. Den här publikationen, med tillhörande CD-skiva ett urval av Monteverdis uttrycksfulla madrigaler, kompletterar Nationalmuseums experimentella utställning Passioner. Konst och känslor genom fem sekler. Den anlägger ett tvärvetenskapligt perspektiv på ämnet ”känslor i konsten”, där äldre och samtida föreställningar bryts inom konst, filosofi, idé- och lärdomshistoria, historia, psykologi, medicinhistoria, fysionomik och neurovetenskap. Redaktörer: Karin Sidén och Janna Herder Grafisk form: Patric Leo Original: Patric Leo och Petra Ahston Inkapööl Artiklar av: Lars Berglund, Lena Johannesson, Karin Johannisson, Jonas Liliequist, Martin Olin, Karin Sidén, Sven-Olov Wallenstein och Arne Öhman.