Chiasma - Böcker

In Le clair-obscur « extrême contemporain »: Pierre Bergounioux, Pierre Michon, Patrick Modiano et Pascal Quignard Julia Holter proposes that a chiaroscuro aesthetic and mode of thought underlie and unite the work of four well-known contemporary French writers, studied together for the first time. Chiaroscuro, the bold or delicate contrast between light and shadow, is treated as a visual metaphor that evokes the tension between the senses and reason, in which the latter must take into account the former in order to temper its own totalitarian and conservative tendencies. Julia Holter’s Contemporary chiaroscuro links a technique from classical art with a present-day search for a small light as a way of surviving in our violently overlit society. Dans Le clair-obscur « extrême contemporain » : Pierre Bergounioux, Pierre Michon, Patrick Modiano et Pascal Quignard, Julia Holter montre comment la notion de clair-obscur sous-tend la pensée et l’esthétique de quatre écrivains français extrême-contemporains rassemblés pour la première fois. Abordé ici comme métaphore visuelle, le clair-obscur témoigne d'une tension entre les sens et la raison, symptomatique de notre condition contemporaine. Le clair-obscur « extrême contemporain » montre comment une technique de l’art classique, transposée dans le domaine de la littérature, peut s’avérer féconde dans la quête actuelle d’une lumière littéraire apte à faire contrepoids à une société suréclairée.

Un Jésus postmoderne offers a thorough discussion of some forty contemporary French novels depicting the life of Jesus within the framework of today’s debate on fundamentalism and secularism. Focusing on the interplay of narrative viewpoints and (anti)theological perspectives, this study scrutinizes the postmodern representation of Jesus for readers who belong to a time marked by incredulity towards meta-narratives. Drawing on Marcel Gauchet and Julia Kristeva, as well as René Girard’s ‘scapegoat theory’, among many others, this study examines Jesus as a ‘problematic hero’ and a ‘conceptual character’ on the threshold of the new millennium. It shows how these novels reflect recent advances in biblical exegesis, religious anthropology, psychoanalysis and theology. Un Jésus postmoderne propose une discussion détaillée d’une quarantaine de romans français contemporains qui portent sur la vie de Jésus et qui font écho au débat actuel sur la laïcité et le fondamentalisme. Examinant leurs points de vue narratifs et leurs perspectives (anti) théologiques, cette étude interroge le portrait postmoderne de Jésus pour des lecteurs qui appartiennent à une époque méfiante à l’égard des métarécits. S’appuyant sur les recherches de Marcel Gauchet, de Julia Kristeva et de René Girard, parmi beaucoup d’autres, cette étude examine Jésus comme ‘héros problématique’ et ‘personnage conceptuel’ au seuil du nouveau millénaire. Elle montre comment ces romans reflètent les avancées récentes de l’exégèse biblique, de l’anthropologie religieuse, de la psychanalyse et de la théologie.

If the transgressions of modern French poetry have been amply noted at thematic and formal levels, they remain largely unremarked at the most visceral level of reading. Indebted to, while problematizing the Kristevan concept of sémiotique, Scott Shinabargar’s The Revolting Body of Poetry reveals how the very “matter” of key works forces us to enact these transgressions, when articulating textures of offensive lexica and imagery. While certain phonemes provide access to previously untapped forces, first apparent in Baudelaire and Lautréamont, compulsive repetitions produce expressive inflation, diffusing any initial impact. Césaire and Char, however, demonstrate an acquired control of these forces, intensity contained. Shinabargar concludes with a survey of contemporary poets, inviting readers to consider the legacy of revolting poetics.

In the Name of Friendship: Deguy, Derrida and "Salut" centres on the relationship between poet Michel Deguy and philosopher Jacques Derrida. Translations of two essays, "Of Contemporaneity" by Deguy and "How to Name" by Derrida, allow Christopher Elson and Garry Sherbert to develop the implications of this singular intellectual friendship. In these thinkers’ efforts to reinvent secular forms of the sacred, such as the singularity of the name, and especially poetic naming, Deguy, by adopting a Derridean programme of the impossible, and Derrida, by developing Deguy's ethics of naming through the word "salut," situate themselves at the forefront of contemporary debates over politics and religion alongside figures like Alain Badiou and Jean-Luc Marion, John Caputo and Martin Hagglund.

Face à la surenchère des représentations médiatiques, artistiques et iconographiques de la violence, en quoi consiste le contre-discours qu’articulent les littératures francophones émergentes pour penser les violences du monde contemporain ? En adoptant une approche comparatiste et largement interdisciplinaire, mettant en évidence le travail esthétique et l’engagement éthique d’écrivains issus d’aires géographiques diverses, Emmanuel Bruno Jean-François tente, dans Poétiques de la violence et récits francophones contemporains, de répondre à cette question en mettant en dialogue des récits qui, au constat d’une représentation en crise, d’une banalisation et d’un étalage de la violence, procèdent d’un effet de rupture pour mettre en scène ‘l’irreprésentable.’ En explorant les contours de ces poétiques plurielles de la violence en contexte francophone et postcolonial, cette étude nous invite à une lecture transnationale des enjeux thématiques, éthiques et esthétiques qu’elles soulèvent. In his comparative interdisciplinary study, Poétiques de la violence et récits francophones contemporains, Emmanuel Bruno Jean-François examines what constitutes the counter-discourse that emerging Francophone literatures articulate to think through the dynamics of violence in our contemporary world in view of the proliferation of artistic, iconographic and media representations of violence effecting our perception of our environment. In the context of the trivialization of violence, and the crisis of representation that this phenomenon produces, he underscores both the aesthetic and ethical engagement of writers from a wide range of geographical regions, by bringing together literary texts that develop a new poetics of violence, characterized by a break in the aesthetic values usually associated with the ‘unrepresentable.’ By exploring the stylistic, historical and thematic contours of these Francophone and postcolonial texts, his study invites us to better understand the thematic, aesthetic and ethic issues they raise.

Poètes français du 21ème siècle : entretiens est un document unique sur une période fascinante de la littérature française contemporaine. Le livre est un recueil d’entretiens menés par l’universitaire Nathalie Wourm, qui identifie tout un nouveau courant de poésie française au tournant du 21ème siècle. Cet ouvrage comprend les entretiens des poètes Anne-James Chaton, Anne Portugal, Olivier Cadiot, Pierre Alferi, Éric Sadin, Jean-Michel Espitallier, Christophe Hanna, Nathalie Quintane, Charles Pennequin, Vannina Maestri et Jacques Sivan, Jérôme Game, Jean-Marie Gleize, et comme commentateurs, du poète Christian Prigent, et des éditeurs Paul Otchakovsky-Laurens et Laurent Cauwet. Une introduction critique de Nathalie Wourm précède ces dix-sept entretiens passionnants, mettant en avant les enseignements originaux que ceux-ci dévoilent.Poètes français du 21ème siècle : entretiens is a unique and fascinating document on an exciting period of contemporary French literature. The book is a collection of interviews conducted by academic Nathalie Wourm, who identifies a whole new current of French poetry around the turn of the 21st century. Included in the volume are interviews of Anne-James Chaton, Anne Portugal, Olivier Cadiot, Pierre Alferi, Éric Sadin, Jean-Michel Espitallier, Christophe Hanna, Nathalie Quintane, Charles Pennequin, Vannina Maestri and Jacques Sivan, Jérôme Game, Jean-Marie Gleize, and as commentators, poet Christian Prigent, and publishers Paul Otchakovsky-Laurens and Laurent Cauwet. A critical introduction by Nathalie Wourm precedes these seventeen enlightening interviews, discussing the original new findings that have emerged from them.

Following the footsteps of Spanish philosopher Maria Zambrano, Anne Mounic explores the relationships between poetry and philosophy, trying to understand why Plato dismissed poets from his Republic and thus drew an enduring dividing line between reason and myth, reason and imagination. Various instances of poetic dissidence are analysed from a poet’s viewpoint, and the connections between existential philosophy and poetry are highlighted. From Kierkegaard to Lequier, via Shestov, the common ground is the attention to the beginning ‒ the act of subjective consciousness shaping time and opening toward the future and freedom. Works by various poets are discussed. A la suite de certaines analyses de la philosophe espagnole Maria Zambrano, Anne Mounic explore les relations entre poésie et philosophie, s’interrogeant sur les raisons du rejet des poètes par Platon qui dissocia ainsi durablement la raison du mythe, la raison de l’imagination. Des exemples variés de dissidence poétique sont analysés du point de vue du poète et les liens entre philosophie existentielle et poésie sont mis en relief. De Kierkegaard à Lequier, en passant par Chestov, le point commun est l’attention portée au commencement ‒ l’acte de la conscience réflexive modelant le temps, ouvrant à l’avenir et fondant la liberté. Les oeuvres de nombreux poètes sont envisagées.

Si les siècles qui précédaient avaient vu le couronnement du roman, la littérature du XXIe siècle débute avec le triomphe du document : écritures de voyage, d’investigation, enquêtes judiciaires ou ethnologiques, autobiographies, factographies, factions, rapports et enregistrements littéraires, et autres formes de récits refusant de se dire fictions occupent nos librairies : émerge sous nos yeux une toute nouvelle littérature d'information, de témoignage, d’inventaire ou de documentation. Or ces textes ne se contentent pas de déjouer les critères des classements des bibliothèques et d’intriguer les théoriciens du récit, ils modifient profondément les catégories du littéraire et imposent leur poétique propre. C’est dire si l’heure est à inventorier et à comprendre les territoires de la non-fiction, genre capital de notre contemporain. If the previous centuries had seen the crowning of the novel, the literature of the 21st century begins with the triumph of the document: travel writings, investigative, criminal or ethnological investigations, autobiographies, “factographies”, factions, literary reports and recordings, and other forms of narrative that refuse to call themselves fictions occupy our bookstores : a whole new literature of information, testimony, inventory or documentation is emerging before our eyes. Yet these texts not only thwart the criteria of library classifications and intrigue narrative theorists, they also profoundly modify the categories of the literary and impose their own poetics. In other words, the time has come to inventory and understand the territories of non-fiction, the capital genre of our time.

Dirigé par Isabelle Roussel-Gillet et Evelyne Thoizet, La miniature, dispositif artistique et modèle épistémologique s’interroge sur les nouvelles fonctions de la miniature à la croisée des arts, de l’architecture, de la littérature, des sciences et des techniques, depuis le début des années 1960. Ludique, cognitive, didactique, la miniature permet d’abord d’approcher, de comprendre et de dominer la complexité du réel (maquette, modèle réduit, maison de poupée, diorama, aquarium, etc.) mais elle constitue aussi une œuvre d’art à part entière qui change notre rapport au monde et modifie notre regard. Contrairement au fragment et au détail, souvent étudiés, elle représente l’objet dans sa totalité en changeant d’échelle, et ouvre la connaissance et l’imagination à de nouveaux mondes. Co-edited by Isabelle Roussel-Gillet and Evelyne Thoizet, La miniature, dispositif artistique et modèle épistémologique focuses on the new functions of the miniature at the crossroads of visual arts, architecture, literature, technology and sciences since the early 1960s. Playful, cognitive or didactic, the miniature (as model, dollhouse, aquarium, diorama…) allows us to approach, understand and perhaps dominate a complex reality. Many contemporary artists consider the miniature as a fully-fledged work of art which changes our relationships with the world and modifies our perception. Contrary to the often-studied detail, ornament or fragment, the miniature provides a complete vision of the depicted object in a different scale, and opens knowledge and imagination to new worlds.

In Earth and Mind : Dreaming, Writing, Being Michael Bishop examines the very recent work of nine major contemporary French and Francophone writers : Yves Bonnefoy, Jacqueline Risset, Salah Stétié, Vénus Khoury-Ghata, Tahar Ben Jelloun, André Velter, Marie-Claire Bancquart, Jean-Claude Pinson and Jacques Dupin. The issue of writing’s complex relation to the experience of the earth is of central pertinence, involving questions of dreaming, voice, figurativity, emotion, desire, revolt, metaphysics, meaning, poiein and being. Discussion entails close reading of works as well as broad contextualisation and a sensitivity to interrelevancies from writer to writer. Bishop’s book is intended as a companion to his 2014 Dystopie et poïein, agnose et reconnaissance. Seize études sur la poésie française et francophone contemporaine.

Réalités pseudonymes explore la question de la réalité à travers le prisme du nom propre et de ses mécanismes référentiels dans la littérature et les arts au tournant du 21ème siècle. Julie Gaillard convoque les œuvres de penseurs, auteurs et artistes qui ont en commun de remettre en question l'évidence référentielle du nom propre pour interroger la fabrique du réel et montrer comment il peut être transformé, suspendu ou encore détourné : Jean-François Lyotard, Samuel Beckett, Édouard Levé, ainsi que les artistes Renaud Cojo et Invader. Situé au carrefour de plusieurs disciplines, l'ouvrage interroge la trame de la réalité à l’heure où les sociétés glissent de modalités analogiques à des modalités numériques de sa médiation.Réalités pseudonymes explores the question of reality through the lens of the proper name and its referential mechanisms in French literature and arts at the turn of the 21st century. Julie Gaillard analyzes the works of thinkers, authors, and artists who all question the referential transparency of the proper name to question the fabric of reality and show how it can be transformed, suspended or even faked: Jean-François Lyotard, Samuel Beckett, Édouard Levé, as well as the artists Renaud Cojo and Invader. Situated at the crossroads of several disciplines, the book questions the fabric of reality at a time when societies are shifting from analogue to digital modalities of its mediation.

« J’écris avec la géographie » explique Maylis de Kerangal, ou avec les géographies a-t-on envie d’ajouter, tant ses textes explorent les divers aspects de cette discipline en s’attachant aussi bien à la beauté des espaces qu’à la manière de les habiter. Cette première étude monographique consacrée à l’œuvre montre que les lieux construisent la narration, influencent l’écriture et permettent à l’esthétique et à l’éthique de se joindre en une « poéthique » qui exalte le monde et sublime les personnages dans des socio-épopées d’une grande puissance narrative. Sans être naïf, cet élan créateur est le fruit d’une réflexion politique proche du care et des nouvelles formes d’engagement littéraire par l’attention portée aux autres comme au respect des fondamentaux démocratiques.“I write with geography” Maylis de Kerangal explains. With geographies would be more accurate as her texts encompass the different aspects of this discipline showing the beauty of spaces as well as the way they are inhabited. This first monographic study of the work demonstrates the way places build the narration, influence the writing and allows aesthetics and ethics to join into a “poethics” which glorifies the world and sublimates the characters in socio-epics with a great narrative power. Escaping a naive vision, this creative impulse was born out of a political reflection that is close to the care theories and the new forms of literary commitment, thanks to the attention it pays to others as well as the respect for democratic fundamentals.

Les mini-phototextes sont des objets hybrides où les photographies interagissent avec le texte pour raconter des histoires personnelles ou fictionnelles. Cette forme intermédiale est pratiquée depuis les années 60 par des auteur·e·s et des artistes : Martine Aballéa, Christian Boltanski, Sophie Calle, Patrick Devresse, Jean Le Gac, Paul Léger, Valérie Mréjen, Anne-James Chaton, Jérôme Game, Christian Garcin, Claire Legendre et Jérôme Bonetto, Benoît Peeters et Marie-Claire Plissart, Lucien Suel. L’analyse de leurs œuvres fournira une illustration approfondie des possibilités de la création par les connexions entre images et textes en régime minimal et numérique. Tout le monde peut créer des mini phototextes sur les réseaux sociaux et dans ce livre vous trouverez des pistes de lecture pour les affronter d’un point de vue narratif.Mini phototexts are hybrid objects where photographs interact with text to tell personal or fictional stories. This intermedial form has been practiced since the 1960s by authors and artists: Martine Aballéa, Christian Boltanski, Sophie Calle, Patrick Devresse, Jean Le Gac, Paul Léger, Valérie Mréjen, Anne-James Chaton, Jérôme Game, Christian Garcin, Claire Legendre and Jérôme Bonetto, Benoît Peeters and Marie-Claire Plissart, Lucien Suel. The analysis of their works will provide an in-depth illustration of the possibilities of creation through the connections between images and texts in a minimal and digital regime. Everyone can create mini phototexts on social networks and in this book you will find reading ideas to tackle them from a narrative point of view.

The Endless Theory of Days: The Art and Poetry of Gérard Titus-Carmel seeks to set forth the case for the special, multiple genius of a man who, despite the experience of a biting melancholy resulting from loss, despite an ‘indefectible feeling of estrangement from the world’, despite, too, the corrosive sense of art’s, of languages’s, deceptiveness, has never lost sight of a curious duty to the shadows that haunt and that, with now a strangeness that smiles, yet beckon toward ‘the very place, finally clarified and recognised, of pure evidence. [The place,] that is, where beauty is named’. This place, Gérard Titus-Carmel may feel, lies no doubt impossibly beyond the strict locus of his art and his writing, but it is a place he has struggled with dignity and unceasingly deployed energy to bring to a semblance of incarnation in a vast plastic and poetical oeuvre that has stirred, and will continue to stir, the minds and hearts of all those – from Derrida and Bonnefoy, Alain Robbe-Grillet and Pascal Quignard to Jacques Dupin and Marie-Claire Bancquart, and countless others – who have witnessed its exquisitely solemn unfolding over, today, more than forty years.

Freud’s 1927 essay on the acquisition of a screen memory, or fetish, allows the subject to come to terms with the traumatic truth that, for him, dominates the present moment (in Freud’s scenario, the truth of mother’s sexuality) by maintaining, alongside and not in place of it, a parallel story of the past (the myth of the phallic mother). In this book Freud’s theory of the fetish, and in particular this way of allowing two opposed and ostensibly mutually exclusive narratives to co-exist, is used to provide a number of Parisian crime texts with radical new solutions. The fetishistic world-view of Charles Baudelaire’s poetics will be shown to provide the template for all overvalued instances of women passing by; notably, it will be seen how the famous assault on one of Christian Dior’s models as she displayed the New Look for the first time in Montmartre in 1947 depends on a fetish erected in the poem “À une passante”. The same Paris streets allow red herrings to be raised to the status of truth in novels by Fred Vargas, Léo Malet and Frédéric Cathala. In these texts the discovery of a primal scene allows doubt to be cast over authorial solutions and new murderers or victims to be found. In the case of Jean-Paul Sartre’s La Nausée, the fetishism at work is shown to have harboured a serial killer where no crime was previously considered to have taken place. In these analyses, fetishism is mapped onto prose poetics, intertextuality and deconstruction in order to challenge the way we read text. More importantly, rereading these texts allows us to see fetishism in a new light as a force for positive, creative acts of meaning-making.