Art & Theory Publishing – förlag

Robert Smithson (1938 – 1973) är en av efterkrigstidens mest inflytelserika konstnärer. Hans verk spänner över skulptur, fotografi, film och ingrepp i landskapet, med den gigantiska Spiral Jetty i Great Salt Lake som det mest kända exemplet, till essäistik och kritik. Under sin korta karriär förändrar han uppfattningen både om vad ett konstverk kan vara – av dess rum, tid och materia – och av hur det kan upplevas. Denna bok utgör den första heltäckande studien på svenska av Robert Smithson konstnärskap.

Sven-Olov Wallenstein är professor i filosofi vid Södertörns högskola och chefredaktör för Site Zones. Han har publicerat en stor mängd böcker om samtida filosofi och estetisk teori, senast Adornos musik (2024).

This book documents Lerin/Hystad s meetings with more than a hundred different plants through sketches, text, and music. The otherness of the non-human is by nature inexpugnable. The baseline of our sharing the planet with them, at this point in its evolutional history, entails making kin while negotiating distance. In line with the mounting environmental concerns, artists began to nurture the desire to present less mediated encounters with nature. Central to Lerin/Hystad s modus operandi is a principle of ecological interconnectedness that manifests the undeniable presence of more than human worlds. The main objective has been that of dismantling the anthropocentric view that humans are the most perfect and intelligent species on this planet while inviting us to reconsider non-human intelligences and complexities as valuable diversity. Lerin connects sensors to the plants that Hystad has carefully drawn in their environment. The sensors register electrical currents that plants produce through their biological rhythms and that form a communicational network with animals, bacteria, and fungi.

Genom teckning, text och musik, samlar den här boken Lerin/Hystads möten med över hundra olika växter. Det icke-mänskliga är, till sin natur, ofrånkomligen annorlunda oss. För att vi ska kunna samexistera på jorden krävs det därför, vid denna punkt i evolutionshistorien, att vi knyter an till det främmande samtidigt som vi också aktivt förhåller oss till dess ofrånkomliga annanhet. I takt med att miljöhoten har ökat har också konstnärerna uttryckt en ökad vilja att genom konsten möta naturen direkt. Lerin/Hystads modus operandi vilar på den ekologiska sammankopplingens princip och förutsätter att det existerar fler världar än människans. Viktigast av allt har varit att nedmontera den antropocentriska bilden av människan som planetens intelligentaste och mest fulländade varelse för att i stället lyfta fram det icke-mänskligas många komplexa intelligenser som delar av en rik mångfald. Lerin kopplar sensorer till de växter som Hystad så noggrant har tecknat i det vilda. Dessa sensorer känner sedan av alla de elektriska impulser som orsakas av växternas egen biologiska rytm och som bildar kommunikationsnätverk tillsammans med djuren, bakterierna och svamparna.

Sara-Vide Ericson arbetar med ett måleri som bottnar i personliga och kroppsliga erfarenheter. Minnet av platsen, ögonblicket och den nedärvda historien överförs genom konstnärens process i en kamp med och mot materialen till en koncentrerad ny verklighet. Sara-Vide Ericson förekommer ofta själv i sina målningar men ser det inte som självporträtt utan snarare som att hon spelar olika roller och lånar sin kropp till målningarna.

Den nya boken, den mest heltäckande publikationen hittills, innehåller ett urval av Sara-Vide Ericsons arbeten från 2013 fram till idag, samt texter av Sara Arrhenius, chef för Institut suédois i Paris, Daniel Birnbaum, chef för Acute Art i London och konstkritiker och Sinziana Ravini, författare och psykoanalytiker baserad i Paris. Publicerad i samarbete med Galleri Magnus Karlsson, Stockholm, i samband med Sara-Vide Ericsons omfattande utställning Desire of the Tail på Institut suédois i Paris (17 oktober 2023 18 februari 2024).

Sara-Vide Ericson s paintings are rooted in personal and bodily experiences. Memories of places, moments and inherited experiences are, through the artist s work process and the characteristics of the material, transformed into a concentrated new reality. Sara-Vide Ericson often depicts herself in her work but doesn t think of them as self-portraits, rather as if she plays different roles and lends her body to the paintings.The new book, the most comprehensive publication to date, includes a selection of Sara-Vide Ericson s oeuvre dating from 2013 to the present, with texts by writer and curator Sara Arrhenius, director of Institut suédois in Paris, writer and curator Daniel Birnbaum, director Acute Art in London and Paris based writer, critic, and psychoanalyst Sinziana Ravini. Published in collaboration with Galleri Magnus Karlsson, Stockholm, in conjunction with Sara-Vide Ericson s major exhibition Desire of the Tail at Institut suédois in Paris (17 October 2023 18 February 2024).

Ivan Aguéli har under många år varit en återkommande samtalspartner i Andreas Erikssons måleri. Den här boken förlänger den dialogen och för deras verk nära varandra efter utställningen Ljus på ljus på Aguélimuseet 2024, och den kommande utställningen Soleil et Lune, Andreas Eriksson en dialogue avec Ivan Aguéli på Institut suédois i Paris. Boken innehåller sex texter och tjugotvå bilder, med utvalda verk av Aguéli. Boken är producerad i samarbete med Aguélimuseet i Sala och skildrar ett pågående konstnärligt utbyte, över epoker.

For many years, Ivan Aguéli has been a recurring conversation partner in Andreas Eriksson s painting. This book extends that dialogue, bringing their works into proximity following the exhibition Ljus på Ljus at the Aguélimuseet in Sala in 2024 and the forthcoming exhibition Soleil et Lune, Andreas Eriksson en dialogue avec Ivan Aguéli at Institut suédois in Paris. The book includes six texts and twenty-two images, with selected works by Aguéli. Produced in collaboration with the Aguélimuseet the book tracks an ongoing artistic exchange across eras.

Hur kan psykoanalysen hjälpa oss att förstå konsten, och hur kan konsten hjälpa oss till större självförståelse? I Psykonauterna tar Sinziana Ravini oss med på ett intellektuellt äventyr där hon i tolv kapitel utforskar centrala idéströmningar från moderniteten fram till i dag. Från Oidipusmyten till The Matrix, från Duchamp och Lee Lozano till Pierre Huyghe och Hito Steyerl ritar boken upp en rizomatisk karta över samtidskonstens brännande frågor. Även Baudrillard, i ek, Chantal Mouffe, Badiou, Spivak och bell hooks är med på denna resa som, med utgångspunkt i psykoanalysen, får oss att upptäcka den ännu inte koloniserade kontinenten – vårt omedvetna.

Ravini är konst- och litteraturkritiker, psykoanalytiker och, tillsammans med Fredrik Svensk, chefredaktör för konsttidskriften Paletten. Hon är verksam i Bukarest och Paris.  

2022 gav Presses Universitaires de France ut boken på franska, Les psychonautes (Presses Universitaires de France, 2022). Art & Theory Publishing ger ut den första svenska utgåvan av Psykonauterna och det är den tredje titeln i Art & Theorys imprint Art & Theory Pocket.

Hilding Linnqvist (1891 1984) gjorde under sitt långa liv ett sjuttiotal utlandsresor över fyra kontinenter. Från dessa finns tusentals teckningar bevarade i Stiftelsen Hilding Linnqvists konsts arkiv, alla i skissblock stora nog att på resande fot bära med sig i kavajfickan. Tecknandet var en sömlös förlängning av sinnesapparaten och fångade aspekter av tillvaron som varken kameran, dagboken eller brevet kunde komma åt. Kort sagt: för Linnqvist var pennan ett känselspröt mot världen. Med pennan som känselspröt mot världen tar ett första sammanhållet grepp om dessa reseteckningar, som i stora drag varit outforskade, fram till nu. I generös bokform presenteras drygt hundra teckningar, merparten återgivna i skala 1:1, som hela uppslag från skissblocken. Med avstamp i den första resan år 1920, leder teckningarna från Frankrike till Nordafrika, Indien och Grekland för att avslutningsvis återkomma till Sverige. Boken kastar ljus på en väsentlig del av Linnqvists produktion, men ruvar också på nya ingångar till konstnärskapets mest centrala verk och till tecknandets själva praktik.  

During his long life, Hilding Linnqvist (1891 1984) made around seventy trips to four continents. From these destinations there are thousands of drawings preserved by The Hilding Linnqvist Foundation in Stockholm. Linnqvist always carried sketchbooks in his pocket and for him drawing was a seamless extension of the sensory apparatus, capturing aspects of existence that neither the camera, the diary, nor the letter could access. In short: his pencil was an antenna to the world. With His Pencil as an Antenna to The World, makes a comprehensive overview of the travel drawings which until now have remained largely unexplored. The generous book presents more than a hundred drawings, most of them reproduced on a 1:1 scale, as full spreads from the sketchpads. Starting from the first trip in 1920, the drawings lead from France to North Africa, India and Greece to finally return to Sweden. The book sheds light on a significant part of Linnqvist's production and offers new entrances to the artist's most central works and to the actual practice of drawing.  

Under 2021 tilldelade regeringen Moderna Museet 25 extra miljoner kronor till inköp av konst för att stödja det svenska konstlivet under coronapandemin. Förvärven pågick under hela 2021. Förslag strömmade in via en öppen inbjudan. Yrkesverksamma konstnärer, gallerister och utställningsarrangörer kunde lämna inköpsförslag. De 373 inköpta verken finns nu samlade i boken Svenska förvärv 2021. Var och en av de 169 konstnärerna presenteras i ett eget uppslag med texter av Moderna Museets intendenter och med bilder av verken i urval. (Tvåspråkig svenska/engelska).

In early 2021, Moderna Museet was allocated an extra 25 million kronor in state funding for the acquisition of art to support the Swedish art scene during the Corona pandemic. The acquisitions took place throughout 2021. Proposals streamed in via an open invitation. Professional artists, gallerists and curators could submit acquisition suggestion. The 373 acquired works are now highlighted in the book Swedish Acquisitions 2021. Each of the 169 artists is presented in a separate spread, with texts by Moderna Museet s curators and selected images of the works. (Bilingual English/Swedish).

De båda utställningarnas och bokens gemensamma titel, No vestige of a beginning No prospect of an end, kommer från en känd formulering av den skotske läkaren och geologen James Hutton (1726 1797), som bland annat beskrev de grundläggande processerna för jordskorpans och bergarternas bildande och omgestaltning, grunden för modern geologi, i skriften Theory of the Earth (1785). Den poetiska och kronologiskt öppna formuleringen lockar och inspirerar Andersson, men speglar även hans intresse för de tids- och rumsperspektiv som så ofta präglar hans konst. Publicerad i samband med utställningarna No vestige of a beginning, Hallands Konstmuseum, 15 juni 10 november, 2024 och No prospect of an end, Borås Konstmuseum, 23 november, 2024  30 mars, 2025.(Texter på engelska och svenska.)

The shared title of the exhibitions, No vestige of a beginning No prospect of an end, comes from a well-known quote by Scottish physician and geologist James Hutton (1726-1797). In his text Theory of the Earth (1785), Hutton described the fundamental processes of the Earth s crust and the formation and transfiguration of rocks the basis of modern geology. The poetic and temporally open formula of the quote is enticing and inspiring to Andersson, but also mirrors his fascination with the perspectives on time and spatiality that so often distinguish his work. Published in connection with the exhibitions No vestige of a beginning, Hallands Konstmuseum, June 15 November 10, 2024 and No prospect of an end, Borås Konstmuseum, November 23, 2024 March 20, 2025. (Texts in English and Swedish.)

Självporträttets historia är både lång och snirklig. Dürer, Rembrandt, Van Gogh, Dali, Frida Kahlo, Warhol, Cindy Sherman, Sarah Lucas, Amalia Ullman, Rafia Santana. Om porträttet är ett socialt möte med en annan person, så är självporträttet ett perceptuellt möte med den egna kroppen-och alla de fysiska begränsningar som en sådan handling innebär. Den fysiologiska omöjligheten att se sig själv har fascinerat konstnärer i århundraden och inspirerat geniala verk som leker med dessa begränsningar. Mikael Olssons självporträtt, som bara är självporträtt till hälften, eftersom endast hjässan och ögonen dyker upp i bilden, är en ypperlig inskrivning i konsthistoriens spegelsalar. Sinziana Ravini. För att förverkliga sina idéer använder sig Mikael Olsson av dokumentärfotografins metoder, genom att åta sig andra, ibland kommersiella, uppdrag får han tillgång till svårtillgängliga sammanhang som han sedan kan använda i sitt konstnärskap. "Jag är konstnär, jag använder mig själv för att komma in i nya situationer", säger han. Olssons självporträtt/selfies ifrågasätter vår tids narcissistiska selfiekultur och influerarnas status. Han utmanar också selfiens kompositionsprinciper, att ögonlinjen ska placeras en tredjedel ner från bildens övre kant. Olssons verk känneteckna av outtröttlig lekfullhet och intuition, intimitet och distans samt hans egna fysiska närvaro i stadsmiljöer och landskap, vid turistattraktioner och otaliga andra motiv. Olsson Mikael innehåller en essä av författaren och psykoanalytikern Sinziana Ravini.

Begär, lust, intimitet och motstånd utgör teman i Conny Karlsson Lundgrens konstnärskap. I över 20 år har han, ofta med utgångspunkt i arkivens dolda mikrohistorier, varsamt lyft fram perspektiv på queera erfarenheter och svensk böghistoria. Temporära platser såsom parken, nattklubben, sommarlägret, eller sovrummet utgör ofta spelplats för undersökningarna. I möjligheterna som uppstår inom verkens ramar synliggörs politiska och juridiska strukturer, jämsides med relationer, stunder av extas och personlig frigörelse. Publicerad i samarbete med Bonniers Konsthall i samband med utställningen Jag kysser dina ögon (14 februari 7 april 2024).  Boken är producerad av Bonniers Konsthall och distribueras av Art & Theory Publishing.

Desire, lust, intimacy, and resistance are reoccurring themes in Karlsson Lundgren's practice. For more than 20 years, often with a starting point in the hidden micro-histories of the archive, he has gently let surface perspectives on queer experiences and Swedish gay history. Shared and temporary spaces such as the park, the night club, the bedroom or the work of activism often set the stage for his investigations. Within the parameters set up by the works, political and juridical structures are made visible, while often intertwined with moments of ecstasy, community, or liberation. Published in collaboration with Bonniers Konsthall in conjunction with the exhibition I Kiss Your Eyes (14 February 7 April 2024). The book is produced by Bonniers Konsthall and distributed by Art & Theory Publishing.

Marcus Mårtenson undersöker samtida frågor som konsumtion, övervakning och sociala medier i sitt konstnärskap. I arbetsprocessen förvandlar Mårtenson referenser från kapitalistisk populärkultur till samhällskritik. Mårtenson hämtar inspiration från aktuella händelser, graffiti, ikonmåleri och ifrån uppväxten i New York under 1980-talet. Hans målningar gestaltar system av tankar och idéer med tonvikt på den ständigt uppkopplade människans existentiella kris.

Marcus Mårtenson's artistic practice addresses contemporary issues such as consumption, surveillance and social media. In his work process references from capitalist popular culture are transformed into social criticism. Mårtenson s sources of inspiration range from current events, graffiti, icon painting and from his upbringing in New York during the 1980s. His paintings embody a grid of thoughts and ideas mainly focusing on the existential crisis of the constantly connected human being.

Comprehensive monograph showcasing Swedish fashion designer Ann-Sofie Back s work between 1998 2018. The book features extensive imagery of Back s collections, runway shows, lookbooks, styling work, exhibitions and press coverage, as well as interviews, articles, and texts by Back herself. The book provides a complete overview of Back s career and impact on the global fashion industry. Ann-Sofie Back graduated from Central St Martin's, London, in 1998 and is known for her subversive and thought-provoking fashion, often inspired by clichés about femininity, shame, and failed glamor.

En omfattande monografi över den svenska modedesignern Ann-Sofie Backs arbete mellan 1998-2018. Boken innehåller ett genomgripande bildmaterial av Backs kollektioner, modevisningar, lookbooks, stylinguppdrag, utställningar, pressarkiv, samt intervjuer och artiklar, och även texter av Back själv. Boken ger en komplett genomgång av Backs karriär och hennes betydelse för den globala modeindustrin. Ann-Sofie Back tog examen från Central St Martin's i London år 1998. Hon är omtalad för sitt subversiva och tankeväckande mode, ofta inspirerat av klichéer om kvinnlighet, skam och misslyckad glamour.

Boken undersöker "buggar" ur en dubbeltydig betydelse: dels som tekniska glitchar, dvs processer och estetik som bygger på visuella störningar, skapade av digital teknik, dels som insekter, med övergripande teman såsom svärmar, nätverk, symbios och rubbade ekosystem.  Field Guide to Bugs & Metamorphosis: Glitching Photography utforskar fotografi genom att lyfta fram samspelet och brytpunkterna mellan människa, natur och maskin, utifrån dagens nätverksbaserade och maskinella teknologier.

The book explores "bugs" in two ways: as technical glitches, processes and aesthetics stemming from visual errors in digital technologies, and as insects, with themes like swarming, webbing, symbiosis, and extinction. Field Guide to Bugs & Metamorphosis: Glitching Photography provides critical insights into contemporary networked and machine-based photography. Using the locus of photography, the book and exhibition both examine how what might initially be perceived as an error can act as a creative and critical agent, simultaneously.

Vad är det han letar efter?  Finns Wretman som frånvaro? Under ett halvsekel har Fredrik Wretmans konstnärskap förundrat och förbryllat.

LOOKING FOR ALICE FINE är en monografi där fem författare med inlevelse speglar Fredrik Wretmans verk och genom fria berättelser ger sin personliga bild av ett distinkt konstnärskap, som ämnats åt att begrunda vad konst är. Med perspektiv på viss omorientering ges läsaren möjlighet att följa de långa utvecklingslinjerna och närma sig ett både andligt och lekfullt konstnärskap, som undandrar sig klassificerande etiketter.  

"Skulpturen Looking for Alice Fine är ett porträtt av den sökande konstnären. Eller konstnären som vill bli ett med sitt medium och försvinna in i sin målning eller sitt måleri. För mig är konstnärligt arbete och meditation två sidor av samma mynt. De är olika sätt att få kontakt med sitt omedvetna och ett sätt att börja tänka. Man hittar ett tillstånd där tankarna vandrar för sig själva, utan att styras." Intervju med Fredrik Wretman av Eva-Lotta Holm Flach, publicerad i boken.

LOOKING FOR ALICE FINE is a monograph in which five insightful authors reflect on Fredrik Wretman s work, offering personal perspectives on a distinctive artistic practice devoted to exploring the nature of art itself. With a sense of reorientation, the reader is invited to trace a long development and encounter an artistry that is at once spiritual and playful - resisting any easy classification.   "The sculpture Looking for Alice Fine is a portrait of the questing artist. Or the artist who wants to become one with his medium and escape into his painting. I view artistic work and meditation as two sides of the same coin. They are two different methods for connecting with your unconscious, two ways to start thinking. There s a state you can reach where your thoughts wander by themselves, without any deliberate guidance." Interview with Fredrik Wretman by Eva-Lotta Holm Flach, published in the book